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04 Nov 2021
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artcalls - open call | appels à projets
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04 Nov 2021
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21 Nov 2021
Greetings,
hope you are staying well and keeping safe. Do take extra care as we navigate through this pandemic.
The Faculty of Creative Multimedia and Faculty of Cinematic Arts, Multimedia University, Cyberjaya, Malaysia has organized a symposium on catalysts of creative practitioners called ROMBAK that takes place from 16th to ...
The Sound and Design blog is open to submissions from sound/music/audio artists and designers of many backgrounds.
If you or your students would like to contribute something, email mfa13@sfu.ca and I’ll clarify how to submit.
Below are some examples of different types of articles on the ...
Admissions are now open at Brown University for fully-funded Ph.D.’s in the Music and Multimedia Composition program. We encourage applicants from a wide range of diverse influences and methods to apply. Students in the program will produce, analyze, and perform original works that may include the use of ...
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09 Nov 2021
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15 Nov 2021
'On Camera' – Performing Identity in the Digital Age
Online Course at ECC Performance Art: 'On Camera' – Performing Identity in the Digital Agewith Rah ElehHow are performance artists pushing the...
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14 Nov 2021
Online Course at ECC Performance Art
ECC Performance Art Online Course: 'Identity, Ritual, Resistance: Performing the Body in Southeast Asia'This course is dedicated to the theoretical...
Call for Entries - All media eligible
Deadline: Nov 16, 2021
Application Fee: $40 for 10 images
$3,500 Artist Grants
The Hopper Prize is now accepting entries for our Fall 2021 artist grants.
We have increased grant awards to $3,500.
We are offering artist grants in the amount of $3,500 (2 available) and $1,000 (4 available) to artists worldwide working in all media. In total, 6 artists will receive unrestricted cash grants totaling $11,000 USD.
Grant submissions will be juried by Tyler Blackwell, Associate Curator, Blaffer Art Museum and Caitlin Julia Rubin, Associate Curator & Director of Programs, Rose Art Museum.
Our open call provides you with a direct path to get your work in front of these forward thinking exhibition makers. In addition to grants, 30 artists will be selected for a shortlist. Additional exposure is available via our online Journal as well as our Instagram feed, currently reaching an audience over 60k.
Explore the past winners archive at [https:]] .
Deadline: November 16, 2021
Submit your work at [https:]]
Musée d'art moderne et contemporain et contemporain Saint-Etienne Métropole
Often celebrated as a kind of genius trained in the 'school of life' who managed to produce a singular body of work despite a lack of professional...
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30 Nov 2021
FRAME cattura il lavoro di Gabriel Dawe, installazione al MoCA di Jacksonville, parte di una serie di suoi interventi monumentali realizzati interamente di filo che genera nello spazio forme e luce.
Gabriel Dawe, Plexus no. 38 + installazione site specific, MoCA, Jacksonville, 2017, immagine via filo, legno dipinto e ganci
L'articolo FRAME > Plexus no. 38 proviene da Arshake.
VIDEO POST rilancia un estratto dell’installazione cinetica Effet de Champ di Stéphane Bissières, indagine sull’idea di animare la materia attraverso dati virtuali. Nelle forme si specchia l’ibridazione tra macchina e vivente.
Stéphane Bissières, Effet de Champ – Extract
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04 Nov 2021
FALL 2021 OPEN FOR SUBMISSIONS — Innovate Grant awards (2) $550.00 grants each quarter, to one Visual Artist and one Photographer. In addition to receiving a grant award, winners will be featured and recognized on our website and join a growing community of vibrant and talented artists. For more ...
PROJECT DESCRIPTION
Imagine that tomorrow you wake up on this planet and all social, organizational and communication technologies have disappeared—i.e., email, mobile phones, apps. Anyone who considered themselves a technologist has vanished as well. And no one has a memory of any of these technologies, except for you. This ...
Buinho was established in 2015 in the town of
Buinho Artist in Residency program is directed to creative individuals from different disciplines and is developed by a rural creative hub that opened in 2015 in Alentejo. It gives the opportunity to live and work in the small town of Messejana ...
Un mondo immaginario pieno di rifiuti sonori, in cui una nuova tecnologia – promossa aggressivamente da una potente corporazione – ha soppiantato la musica acustica con la cosiddetta “musica ultrasonica”, atmosfericamente carica e inaudibile. Sullo sfondo dell’incontro fra un ragazzo muto e una cantante lirica, il cui canto è diventato obsoleto, J.G. Ballard affida ad uno spazzasuoni il compito di ripulire l’ambiente sonoro. The Sound Sweep (lo spazzasuoni) traccia una grande metafora del processo di destabilizzazione del soggetto a livello emotivo e socioidentitario causato dal cambio di habitat acustico. Scritto nel 1981 The Sound Sweep prefigura la trasformazione che le nuove tecnologie avrebbero comportato nel processo di comunicazione del mondo e nella conseguente concentrazione di rumori urbani, fisici e metaforici.
Sul finire del XIX secolo, il rumore delle macchine permise alla musica di rinnovarsi.
Non a caso la fascinazione futurista per i rumori incarna il rifiuto dei suoni borghesi dell’800 e il passatismo musicale e culturale. La musica futurista è costituita da scoppi, rombi di tuono, esplosioni, fischi, sibili e sbuffi, bisbigli, strilli, versi animali e grida umane. Luigi Russolo, compositore e pittore futurista, firmatario del manifesto L’arte dei rumori, mette a punto nel 1913 un intonarumori, uno strumento generatore di suoni acustici che a livello meccanico controlla la dinamica, il volume, la frequenza di diversi tipi di suono. All’intonarumori seguirà nel 1922 il “rumorarmonio”, il mezzo necessario ad amplificare gli effetti musicali creati dall’intonarumori. Russolo e il suo collaboratore e amico Piatti riescono a realizzare circa 30 strumenti fra cui rombatori, crepitatori, stropicciatori, scoppiatori, gorgogliatori, sibillatori, ronzatori… : “La vita antica fu tutta silenzio. Nel diciannovesimo secolo, con l’invenzione delle macchine, nacque il Rumore. Oggi, il Rumore domina sovrano sulla sensibilità degli uomini”[1].
Per i futuristi, quindi, il rumore sarebbe stata la colonna sonora del futuro, gli strumenti di Russolo vennero introdotti negli spettacoli musicali dei coevi Pratella, Malipiero, Casella e la musica concreta degli anni Sessanta – da J. Cage a P.Schaeffer a K.Stockhausen a L. Berio … – deve molto ai “rumori trovati” degli spettacoli radiofonici di Marinetti e alla sperimentazione futurista. Ciò che veniva salutato come l’avvento della nuova musica a inizio secolo, meno di cent’anni dopo avrebbe iniziato a dominare i contesti cittadini e a sconfinare nelle normative sull’inquinamento acustico. E’ nel 1995 che viene redatta la L.447/1995, prima legge quadro sull’inquinamento acustico. La legge definisce i principi fondamentali in materia di tutela dell’ambiente esterno e dell’ambiente abitativo e definisce le competenze che Stato, Regioni, Province e Comuni hanno nel definire i limiti di emissione, approvare e monitorare la disposizione di nuove opere nel rispetto dei limiti d’impatto acustico[2].
Nel 1996, per la prima volta, il Libro Verde della Commissione Europea sulla futura politica di controllo del rumore tratta l’inquinamento acustico dal punto di vista della protezione ambientale. I rumori nei quali siamo immersi quotidianamente nei centri urbani non passano inosservati dal nostro sistema uditivo, neurologico e cardiovascolare. Alcune forme di danno all’udito indotte dal rumore includono: acufeni (ronzii o fischi nell’orecchio), ipoacusie (riduzione dell’udito), paracusie (false sensazioni acustiche) o distorsioni uditive. Uno studio condotto nel 2018 in Canada ha osservato addirittura un aumento rischio di infarto del miocardio sotto l’esposizione al rumore ambientale a lungo termine[3]. Nel caso dell’udito dei bambini, l’esposizione al rumore per otto ore al giorno potrebbe persino causare cambiamenti uditivi permanenti, tra cui l’incapacità di sentire certe frequenze. Nella maggior parte delle aule scolastiche, non adeguatamente architettate con pannelli fonoassorbenti, il rumore interferisce sulla capacità di concentrazione e apprendimento, di memoria e sull’aumento di disturbi dell’apprendimento[4].
La questione è entrata in modo determinante nelle ricerche di alcuni artisti la cui pratica è attraversata dallo studio della componente politica del suono, dei rumori e del linguaggio considerato in veste di significante
Lawrence Abu Hamdan, Turner Prize 2019, artista il cui lavoro esamina i sotto-testi politici del suono, nel 2012 ha concepito The all hearing (tutto l’udibile), opera presentata e ispirata al Cairo, terza città più rumorosa al mondo, dopo Guangzhou, China (1° posizione) e Delhi, India (2° posizione). In un’operazione mcluhiana, è riuscito a convincere due sceicchi a sviluppare un sermone sull’inquinamento acustico del Cairo, che si sostituisse al sermone quotidiano del mullah, tradizione religiosa che costituisce una fonte ingente di rumore cittadino. L’argomento del sermone che Lawrence Abu Hamdam è riuscito a concludere con i due sceicchi imperniava proprio sulla questione del rumore come pratica religiosa implicitamente censoria, che copre e sovrasta tutte le informazioni che il governo non vuole che siano conosciute.
Esposto successivamente al Van AbbeMuseum di Eindhoven nel luglio 2014, dove con l’occasione ha presentato l’intero Tape Echo project, co-commissionato da Beirut in Cairo. In Tape Echo Abu Hamdan è intervenuto sulla densità acustica del Cairo riproponendo le vecchie cassette a nastro sulle quale erano archiviati i sermoni. Per l’occasione ha sovrainciso il contenuto originale, con giurisdizioni emesse da vari altoparlanti cittadini. Il nastro magnetico è concepito come una tela bianca su cui vengono fissati strati di colore, a celare lo strato al di sotto, ma non a rimuoverlo. Per aggiungere una decodifica visiva dei molteplici livelli della costituzione sonora urbana, presso il museo ha esposto una serie di scansioni ottiche della superficie della cassetta.
L’inquinamento acustico è di fatto cifra di un territorio e patrimonio culturale dello stesso. Città come il Cairo o Delhi, sembrano essere permeate da un’abitudine alla proliferazione di rumori in strati sovrapposti che privano il cittadino della possibilità di comunicare con modalità meno invasive nella relazione quotidiana. Il compositore malese Ng Chor Guan dal 2000 per quindici anni ha registrato il suono di Kuala Lumpur, dei suoi tram, dei suoi venditori ambulati (i cosidetti pheriwalla), immaginando il cambiamento progressivo che il suono della città avrebbe subito a causa della riqualificazione urbana e dell’e-commerce, trasformazione economica notevolmente impattante sulla diminuzione di mercati urbani e spostamenti. Oggi il pluripremiato compositore porta le sue performance al pubblico di tutta l’Asia e l’Europa.
Abinadi Meza, sound artist americano, nel 2014 in Air Condition (presentato presso il Blaffer Art Museum, Houston) assume il ruolo dell’incursore radiofonico interferendo sulle onde radio con registrazioni in precedenza raccolte in città. Le trasmissioni radiofoniche vengono così interrotte con tracce correlate alla matrice sonora delle transazioni commerciali, dell’inquinamento atmosferico, del traffico stradale e aereo etc. L’intento dell’artista era inserirsi nel cosiddetto terrorismo propagante dell’aria, attraversata com’è da pericoli chimici e fisici, elettromagnetici.
Air condition viene presentato con una traccia audio che scorre sull’immagine di un cielo ripreso dal basso, invitando a riflette, attraverso le incursioni radiofoniche, sulla materia politica dell’aria e il conseguente equilibrio ecologico della stratosfera. Si deve a Peter Sloterdijk in Terror from the Air ( 2002) la lungimiranza di aver compreso come il XX secolo, a partire dalle prime armi chimiche utilizzate nella prima guerra mondiale, abbia sostituito la paura del nemico intimata sul nostro corpo ad un terrore diffuso che prende di mira l’ambiente e l’aria che ogni secondo respiriamo, alimentando una dichiarata incertezza atmo-politica. Per Abinadi Meza il suono è un mezzo interessante per affrontare la dimensione politica dell’atmosfera.
Machine Auguries, installazione multi-canale di Alexandra Daisy Ginsberg, artista britannico-sudamericana, affronta il problema dell’inquinamento acustico (e luminoso) sulla comunicazione fra volatili. Uno studio condotto dalla Pacific University, Oregon ha dimostrato che la sopravvivenza dei volatili è compromessa dal rumore del traffico stradale e aereo perché diminuisce la loro capacità di foraggiarsi il cibo[5].
Gli uccelli che vivono in città hanno inoltre dovuto modificare i loro canti a frequenze più alte in accordo col rumore di fondo: si parla di effetto Lombard. Se il rumore interferisce con la capacità di sentire i canti di corteggiamento, l’illuminazione ha cambiato gli orari del canto mattutino. L’artista ha istruito un algoritmo a riprodurre il canto mattutino degli uccelli, come a colmare e controbilanciare una futura estinzione. Precisamente, le registrazioni in solitaria di colibrì, cinciallegre, codirossi, pettirossi, tordi e interi cori all’alba sono state utilizzate per addestrare due reti neurali, messe in competizione tra loro per cantare (una Generative Adversarial Network, o GAN). I richiami sonori degli uccelli sono stati poi distribuiti dall’installazione sonora, in un’ideale restituzione della funzione degli auguri dell’antica Roma, indovini in grado di prevedere il (canto degli uccelli del) futuro. Machine Auguries è stato presentato nella cappella delle Embankment Galleries della Somerset House nel 2019 e commissionato da Somerset House e A/D/O di MINI e prodotto con il sostegno di The Adonyeva Foundation.
… continua…
[1] Russolo Luigi, L’arte dei rumori, in Maffina, G. F, Luigi Russolo e l’arte dei rumori, Torino, ed. Martano, 1978, p. 129.
[2] Legge 26 ottobre 1995, n. 447 Legge quadro sull’inquinamento acustico [https:]
[3] Ising H, Kruppa B. Health effects caused by noise : Evidence in the literature from the past 25 years. Noise Health 2004; vol.6, pp.5-13. [https:] 1/6
[4] National Academies of Sciences, Engineering, and Medicine. 2014. Assessing Aircraft Noise Conditions Affecting Student Learning, Volume 1: Final Report. Washington, DC: The National Academies Press [https:]
[5] Joe Lang, “Songbirds Sound the Alarm About Traffic Noise”, Pacific University Oregon, 23 November 2016. [https:]
Nemeth E, Pieretti N,Zollinger SA, Geberzahn N, Partecke J, MirandaAC, Brumm H. “Bird song andanthropogenic noise: vocal constraints mayexplain why birds sing higher-frequency songsin cities” in The Royal Society Publishing, Volume 280 Issue 1754, 7 march 2013 DOI: [dx.doi.org]
immagini: (cover 1) Abinadi Meza, «Air, Condition», 2014, installazione video-sonora site- specific, 2014, still
La componente politica del rumore nelle pratiche artistiche dell’ultimo secolo è parte di «Il Corpo eterno. I sensi umani come laboratorio del potere, fra crisi ecologica e trans umanesimo» di Elena Giulia Abbiatici. Progetto realizzato grazie al sostegno dell’Italian Council (IX edizione 2020), programma di promozione internazionale dell’arte italiana della Direzione Generale Creatività Contemporanea del Ministero per i Beni e le Attività Culturali e per il Turismo. Articoli precedenti: E.G. Abbiatici, L’olfatto come senso trascendente. Il ruolo del naso nella società del corpo eterno, Arshake, 02.08.2021 E.G.Abbiatici, Per una bio-politica degli odori. Pt II, 22.07.2021 E.G.Abbiatici, Per una bio-politica degli odori. Pt I, 20.07.2021 E.G. Abbiatici, Sotto al naso, Arshake, 03.03.3021 E.g. Abbiatici, Nasi (artificiali) eccellenti, Arshake, 04.05.2021 Partner di progetto: Arshake, FIM, Filosofia in Movimento-Roma, Walkin studios-Bangalore, Re: Humanism, Unità di ricerca Tecnoculture – Università Orientale di Napoli, GAD Giudecca Art District-Venezia, Arebyte (Londra), Sciami (Roma).Progetto realizzato grazie al sostegno dell’Italian Council (IX edizione 2020), programma di promozione internazionale dell’arte italiana della Direzione Generale Creatività Contemporanea del Ministero per i Beni e le Attività Culturali e per il Turismo.
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29 Oct 2021
In occasione del suo decimo anniversario, ArtScience Museum a Singapore ha portato suono e arte assieme attraverso il lavoro di trentadue artisti e compositori provenienti da otto paesi diversi che esplorano il suono, il paesaggio sonoro e la musica nella forma di scultura, installazione e video.
La mostra è di per sé un grande paesaggio sonoro, un viaggio visivo – acustico che estende il significato stesso di musica e suono e di come può essere fruito.
“La mostra non è proprio un’esperienza. Non è un concerto. Non è una performance né una sorta di recita. E’, piuttosto, una forma di orchestrazione curatoriale con storie e voci diverse e suoni storici che si sovrappongono no appena il visitatore si fa strada nelle gallerie” (Honor Harger, Executive Director of ArtScience Museum, Marina Bay Sands).
Orchestral Manoeuvres presenta progetti sonori, pionieristiche annotazioni musicali, spartiti sperimentali, sculture che producono rumore e video installazioni. Nell’ambito della mostra sarà presentata per la prima volta nel Sud Est Asiatico l’opera storica di Janet Cardiff The Forty Part Motet (A reworking of “Spem in Alium,” by Thomas Tallis 1556), realizzata nel 2001.
“La maggior parte di noi nuota in un Oceano di suoni, molti non li ascoltiamo, altri gli ignoriamo. La mostra invita i visitatori ad ascoltare diversamente, a sintonizzarsi con ciò che rimane inascoltato o ignorato. Mentre alcuni artisti creano lavori che restituiscono visibilità al suono, altri esplorano il suono dalla prospettiva opposta: il silenzio.
Altri ancora espongono e sovvertono le regole e la grammatica musicale – come dovrebbe o potrebbe essere scritto, come è interpretato e come potrebbe essere composto o creato ora. Altri utilizzano la voce umana – il più antico dei suoni -come un modo per articolare idee della comunità, la società e le sfide che emergono quando la voce dell’uomo è silenziata. Qualsiasi sia il viaggio intrapreso attraverso Orchestral Manoeuvres, la musica non suonerà mai allo stesso modo” (Adrian George, Director, Exhibitions, exhibition curator, ArtScience Museum, Marina Bay Sands).
immagini: (cover 1) Samson Young, «Muted Situation #5 Muted Chorus», 2016, fermo imagine, spartito, video monocanale con suono, 9’ 7’’. Eeseguito dalle Hong Kong Voices. courtesy dell’Artista, Edouard Mali – Copy (2) Mel Brimfield, « 4′ 33″ (Prepared Pianola for Roger Bannister)», 2012, installazione sonora. Courtesy dell’Artista. © Crown copyright UK Government Art Collection – Copy (3) Janet Cardiff, «The Forty Part Motet (A reworking of Spem in Alium, by Thomas Tallis 1556)», 2001. Collezione di Pamela and Richard Kramlich. Installation view. Musée d_Art Contemporain, Montreal 2002. Courtesy dell’Artista (4) Jeremy Deller, «History of the World», 1997-2004, murale. Dimensioni variabili. Courtesy dell’Artista e di The Modern Institute Toby Webster Ltd., Glasgow Foto M HKA (5) Hannah Perry, «Rage Fluids», 2021, installazione sonora. Courtesy dell’Artista e della Galerie Kandlhofer.
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A Sermoneta, in provincia di Latina, è in corso la II edizione del Festival del Tempo, il primo Festival in Italia dedicato al Tempo, che fino al 30 ottobre propone mostre, installazioni e performance per approfondire la percezione del Tempo e dello Spazio: un’indagine multidisciplinare e interdisciplinare sul Tempo, sul Passato, sul Presente e sul Futuro, un luogo dove “Costruire Pensieri, Generare l’Arte, Vivere il Tempo”.
Il Festival del Tempo propone, per questa seconda edizione, una mostra, visitabile fino al 16 ottobre, nella chiesa romanica di S. Michele Arcangelo che ospiterà opere di scultura, pittura, disegno, fotografia, grafica, video art e mixed media. Inoltre tutto il borgo di Sermoneta sarà disseminato da installazioni artistiche, visionabili in modo autonomo o attraverso visite guidate fino al 30 ottobre, che riflettono sulle tematiche del rapporto tra tempo e ambiente e su quelle del tempo effimero e precario.
Alcuni dei protagonisti della mostra e delle installazioni sono stati selezionati attraverso due Bandi Internazionali da una giuria costituita da Michela Becchis (Curatrice e Storica dell’Arte), Nicoletta Provenzano (Curatrice e Storica dell’Arte), Alice Colacione (Artista), Guendalina Urbani (Artista); mentre le altre opere del festival nascono da un’intensa collaborazione tra la Direttrice Artistica Roberta Melasecca e diversi artisti romani e non che durante i mesi precedenti hanno creato dei tavoli di lavoro dai quali sono nate le idee che hanno dato vita alle opere finali. Un dialogo interdisciplinare a più voci che grazie allo scambio di saperi ed esperienze ha dato la possibilità a molti artisti del territorio di partecipare e di proporre la propria visione dell’arte.
Gli artisti partecipanti ai tavoli di lavoro e che proporranno installazioni nel centro storico, opere nella Chiesa e azioni partecipative sono: Emanuela Lena e Silvia Stucky con l’installazione e la performance Tutto è interconnesso / Non abbiamo la stoffa delle tartarughe nel giardino della Chiesa di S. Michele Arcangelo, Biagio Castilletti con le installazioni Ghiacciaio e Cent’anni al Giardino degli Aranci, Stefania Di Filippo con l’installazione Tutto è interconnesso / Il mio giardino, il tuo giardino nella Chiesa di S. Michele Arcangelo, Claudia Quintieri con il video Tutto è interconnesso / L’umanità erede della natura nella Chiesa di S. Michele Arcangelo, Sara Zarrinchang con l’installazione ContAgio – Il Tempo della Cura e del Contatto nella Sala di Piazza S. Lorenzo.
(dal comunicato stampa)
Festival del Tempo – II edizione, Comune di Sermoneta (Latina, Italia), 25.09 – 30.10.2021 Tutte le informazioni, il calendario aggiornato degli eventi e le prenotazioni sul sito del Festivalimmagini: (cover 1) festival tempo invito (2) Floriana Savino (3) Manuela Flamigni (4) Marco Emmanuele
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19 Oct 2021
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31 Oct 2021
FRAME cattura Beyond Connection dell’artista giapponese Tanabe Chikuunsai IV, parte di una serie di installazioni che intrecciano scarti di bamboo in forme sinuose che si adattano e si fondono con lo spazio ospite, in questo caso quello della Yumekoubou Gallery ad Hong Kong.
Tanabe Chikuunsai IV, Beyond Connection, 2019 Yumekoubou Gallery（Hong Kong）7.6×4×3.2, foto: Tadayuki Minamoto via
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Deep, dello studio ENCOR, è una performance visiva subacquea generata da 12’000 led che emettono 33.000 lumens di pura luce bianca. Encor è uno studio fondato nel 2015 dagli artisti svizzeri Mirko Eremita, David Houncheringer, Valerio Spoletini & Manuel Oberholzer.
Encor, Deep, 2021 Drone photography: Antoine Janssens / Toast prod | Underwater photography: Loic Ray
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03 Dec 2021
The Promotion Centre for Audiovisual Culture, AVEK
AVEK Award to artist Tuomas A. Laitinen The AVEK Award of €15,000 is awarded this year to artist Tuomas A. Laitinen (b. 1976). In his art, Laitinen...
Ero un macello eroso dal vento.
Oggi sono il castello contemporaneo:
baluardo di ricerca artistica e trasformazioni culturali.
(dallo statement della strategia di comunicazione)
[…]
Popolo del paese, popolo del pianeta!
Ecco cosa sarà: uomini e donne, entrate.
Campioni dell’arte, scienziati, spiriti liberi brulicano ora. Assemblee di genti decideranno il da farsi,
notti più di musica e mostre,
sarò accademia di tecniche nuove,
nessun padrone, condivideremo lo spazio e il tempo.
(dalla mission di MAUL!)
La sera del 9 settembre, 2021 la spettacolare struttura del Castello Angioino-Aragonese di Mola di Bari, illuminata da un progetto di laboratorio coordinato dal collettivo NONE, ha aperto le sue porte ad una mostra-evento di arti performative e mediali, tre giorni di presentazione a conclusione di un progetto ben più ampio e avvio di un biennio che vedrà susseguirsi una serie di eventi concepiti e organizzati dall’Associazione Officina dell’Arte.
Realizzare un evento in un Castello, riempirne gli spazi, non disperdersi all’interno ma anche nella forza della sua storia è una sfida per pochi coraggiosi. I ragazzi di Officina dell’Arte hanno sprigionato tutta l’energia accumulata nel corso di questi anni difficili di pandemia, hanno creato alleanze, complicità e collaborazioni con talenti individuali e realtà locali e nazionali. Soprattutto, sono partiti dal territorio e dalla storia. Nel territorio e nella storia hanno trovato le radici di tutto ciò da cui ha preso forma la mostra-evento, dalla strategia di comunicazione, allo sviluppo dei lavori attraverso gli workshop, alle installazioni e alle performance che si sono svolte nelle giornate dell’evento, a tutto ciò che seguirà nella programmazione Biennale del Castello che la Regione Puglia ha per una parte affidato ai giovani talenti di Officina dell’Arte.
Ma facciamo un passo indietro. L’iniziativa nasce da una serie di workshop che si sono svolti nei nove giorni precedenti portando assieme talenti di tutta Italia e gli artisti che dal 2012 hanno partecipato al progetto di residenze per talenti nazionali e internazionali Con.divisione (giunta alla sua decima edizione) con importanti voci e professionisti di varie discipline. Organizzati in gruppi, hanno lavorato ai laboratori di ricerca e co-progettazione XYZ, curati da La Scuola Open Source di Bari.
La serata dell’evento ha celebrato le produzioni multimediali e performative che sono nate da questi incontri, ma anche l’incredibile energia creativa che si è consolidata nel tempo. Si è liberata con tale forza da convincere e contagiare anche professionisti che si erano avvicinati con curiosità scettica, preparati ad archiviare l’ennesimo evento come improvvisato, pronto per essere celebrato nelle righe nella lista di eventi svolti nei curriculum delle associazioni coinvolte. Essere smentiti da una aspettata delusione è la più bella della sensazioni e alimenta ancora di più l’energia che si riceve.
«Interagire con l’ambiente ospite, partire dalle reciproche esperienze, utilizzare diversi media e con attitudine tesa a riconsiderare costantemente il presente in modo critico e costruttivo», sono alla base del progetto di residenze Con.divisione dal 2012 da dove tutto questo nasce. Oggi sono ideali quasi scontati, necessariamente inclusi in una missione che chiede considerazione e supporto finanziario. Va tenuto presente, però, che nel 2012 parlare di ibridazione dei linguaggi era argomento obsoleto, tanto meno era chiara la portata dell’importanza di partire dal territorio.
Oggi scopriamo come tutto ciò che in questi anni ci siamo impegnati a cancellare con grande zelo, la storia dallo spirito nazionalista degli individui, le più particolari tradizioni artigiane che ci hanno contraddistinti in tutto il mondo dall’orgoglio ma anche dall’economia nazionale. La pandemia ci ha costretto a rivalutarli proprio al tempo del loro funerale. Scopriamo che il territorio è importante, anche e soprattutto quando impegnati in operazioni tecnologiche di più avanzata natura.
Così i ragazzi sono partiti dalla storia dal Castello, dalle sue mura concepite per isolare il paese dal più terribile nemico, le hanno rese morbide, malleabili; le hanno piegate da dentro a fuori. Fuori è dove l’evento ha avuto inizio trascinando la popolazione locale, accogliendola all’interno con disciplina militare e con una capacità organizzativa che a volte si vede mancare nella più qualificata e specializzata delle organizzazioni ufficiali. Non era solo il Castello che sia apriva al pubblico, ma il territorio tutto.
La storia è entrata nel vortice delle operazioni artistiche che si sono svolte all’interno. Il contatto con il territorio e l’empatia sviluppata anche nei giorni di workshop, hanno trascinato al loro interno tutto ciò che di materiale e di immateriale appartiene al castello e alla storia di Mola di Bari, fino ai reperti derivanti dall’intervento di pulizia del fossato. La pesantezza della struttura militare si è trasformata in leggerezza. Pitture performative, danze, performance, video, fotografie e installazioni hanno volteggiato all’interno degli spazi monumentali al ritmo di un percorso agile che si è aperto al pubblico più diverso con grande empatia. Una celebrazione dello spazio, della vita, e della creatività in tutte le sue conflittualità, fino a quelle più vicine a noi che, volenti o nolenti, riguardano il rapporto tra uomo e macchina e ci costringono ad una ridefinizione di ‘natura’.
Tracce della memoria di questo evento e dei dieci anni del progetto Con.divisione vivranno nella documentazione artistica di Ivo Pisanti e le immaginiamo liberare nuovamente l’energia che avevano catturato per proiettarla negli eventi a venire. Al momento, da questa operazione è nato MAUL! (Il Castello Contemporaneo) con l’obiettivo di diventare un Centro di Ricerca e Produzione Culturale attivo sul territorio.
La programmazione biennale di parte del Castello è stata affidata ad Officina dell’Arte, Vincitori Luoghi Comuni – iniziativa promossa dalle Politiche Giovanili della Regione Puglia e ARTI finanziata con risorse del Fondo per lo Sviluppo e la Coesione 2014-2020 e del Fondo Nazionale Politiche Giovanili.
immagini: (cover 1) XYZ @ CON.DIVISIONE 10 Teaser 2021- Ivo Pisanti; (2-3-9) MAUL! – XYZ @ Con.divisione 10, 2021; (4) Sempre meglio di una partita di calcio * (Still better than a soccer game * ) – Antonio Pipolo, Nicola Pisanti, Coral Soffer, 2021; (5) Risacca (Rip Current) – Georgia Begbie, Peter Hinz, Maria Susca, Antonio Pipolo, 2021; (6) Amnesia – Cristian Rizzuti. Musiche di Julian Alvarez, 2021; (7) Tu sei Natura (You are Nature) – Georgia Begbie, Peter Hinz, Andrea Morsolin, Maria Susca, 2021; (8) Tragitt* (Route(s)) curato da Giovanni Cristino, in collaborazione con Rodolfo Surico, con la partecipazione di Emma Bartolini, Gianluca Bizzoca, Lucilla Fiorentino, Rada Koželj, Massimiliano Marino, Edoardo Partipilo, Alessandro Petrone, 2021.
Per maggiori informazioni su CON.DIVISIONE:
www.condivisioneresidenza.com
Per seguire la programmazione di Officina dell’arte:
www.facebook.com/officinadellarte.bkk
www.instagram.com/officinadellarte
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DEaDline: 25 November 2021
Call for entries
AIR/HMC, Budapest International Artists Residencies, HUNGARY 2022
Residency programs:
Session 1: Tuesday, June 7 – Tuesday, June 28, 2022
Session 2: Tuesday, July 12 – Tuesday, August 2, 2022
Session 3: Tuesday, August 9 – Tuesday, August 30, 2022
Budapest, Hungary
HMC is now accepting submissions for the Artists-in-Residence
Program and exhibition in 2022 at AIR-HMC, Budapest-Hungary.
For applying, please write us for more info and application form to
We are looking forward to receiving applications
of artists who have interest in our program.
Entry fee $25
Beata Szechy, HungarianMulticulturalCenter president
bszechy@yahoo.com
deadline
15 Nov 2021
La fotografia, strumento prediletto dall’artista multimediale Maria di Stefano, diventa installazione e operazione urbana che attraversa la città di Roma con gli spazi pubblicitari della linea del tram 19, da Centocelle a Prati. Questi spazi, generalmente destinati alle pubblicità, saranno infatti occupati da trentatré ritratti inediti di adolescenti nati o cresciuti in Italia da genitori di diversa provenienza. La loro presenza si fa manifesto della ricchezza del loro patrimonio individuale ma anche del limbo burocratico che li sospende.
«Un gesto espositivo – si legge sul comunicato stampa – che al messaggio pubblicitario sostituisce un altrettanto contemporaneo emblema della nostra società, riattivando esteticamente questi luoghi disseminati per la città. Il manifesto diviene uno statement e si trasforma in una nuova dimensione di incontro e di relazione, con l’altro, con un’altra faccia della città, persino con noi stessi, che siamo attori dello sguardo e oggetto di quello dei e delle ragazze fotografate».
L’interesse che Maria di Stefano estende in ogni mezzo che utilizza è prevalentemente antropologico, toccando aspetti individuali e collettivi, come quelli legati alle ritualità della comunità vietnamita del Don Xuan Center di Berlino (Hello World e Rouge) o agli indiani Kali’na dell’Amazzonia a World Hello.
Ora le immagini e la forza che catturano i suoi ritratti entrano nel potere mediatico degli spazi pubblicitari e scandiscono un viaggio che incontra la città nel percorso di un tram che di Roma ne attraversa una buona fetta con una varietà di quartieri.
“This is us è un viaggio e al tempo stesso una testimonianza: feroce, poetica, tagliente, soave, come solo la realtà può essere” afferma Veronica He, curatrice del progetto.
This is us, progetto fotografico di Maria Di Stefano, a cura di Veronica He spazi pubblicitari linea tram 19 – Roma, 30.09 – 20.12.2021immagini: (cover 1) Maria Di Stefano, «Michael e Barbara/ Tor Sapienza», 2021. (2) Maria Di Stefano, «Leonardo, Kevin e le loro madri/ Prato Fiorito», 2021 (3) Maria Di Stefano, «Milos/ Palestra Popolare Quarticciolo», 2021 (4) Maria Di Stefano, «Illias e Naim/ Moschea di Roma», 2021 (5) Maria Di Stefano, «Paola e Mattia/ Ristorante Ishin Casalotti», 2021.
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Deadline: 28 October 2021
Call for entries
Grey Cube Gallery
proudly presents the second Forests & Meadows online contest for the month of November 2021. Artists from around the world are welcome to submit. The gallery invites artists and photographers to share their artistic vision using any work with interpretation of natural environment (forests, meadows, farmlands, savannas). All wining artists (Merit Award & Honorable Mention) will receive a digital award certificate.
The application fee is $16 for the 2 images of artwork.
You may enter more than once. The deadline to submit entries is the October 28 2021.
Please visit the following link:
https://greycubegallery.com/callforentries/indexx.html
Grey Cube Gallery
[https:]]
deadline
31 Oct 2021
Deadline: 30 April 2022
Call for entries
LATERALE FILM FESTIVAL /
Dates: September 12-13-14th 2022
Rules
Short films of all genres, styles and narrative forms are allowed, realised from January 1st 2020.
2) Films must have a maximum length of 20 minutes (with credits).
3) Films can be exclusively submitted by using Filmfreeway.
4) Four different deadlines are provided.
5) In no case the registration fee can be paid back; it has to be considered a contribution to Associazione Culturale Laterale for the realization of the event.
6) Films’ selection is curated by the festival artistic direction; the notification of selection has to remain confidential until the announcement of the programme.
7) Once selected, films cannot be withdrawn from the festival.
8) Some frames of the selected films might be used for promotional purposes of the festival.
9) The selected films join the archive of Laterale Film Festival; they are not commercially exploited to protect the interests of the authors and of the production. The organisers commit themselves to use the films only for cultural purposes.
10) The festival’s direction reserves the right to include in the Lateral Selection those films that slightly exceed the scheduled time limits but that can be considered significant for artistic values.
11) The participation to the festival implies the total acceptance of the present regulation. The artistic direction has the final judgement on controversial cases.
LATERALE FILM FESTIVAL is an international non competitive Festival of cinematic art organized by Associazione Culturale Laterale.
The aim of the project is to enhance the most innovative aspects of audio-visual languages of the contemporary scene and to reduce the distance between artistic research and public involvement. Particular attention will be paid to young and independent filmmakers and to self-made no-budget works, as result of individual search.
The sixth edition of LATERALE FILM FESTIVAL will take place in Cosenza (Italy) at Cinema San Nicola in September 2022.
The Festival promote a free and stimulating common ground of sharing, that shows what usually is neglected or rejected because of the distance from the conventional way to do and to interpret the cinema.
LATERALE is a space that breaks down barriers and prejudices, massification and standardisation; a space that wants to become an artistic laboratory where it is possible to discover now the cinema of the future.
Filmfreeway: [https:]]
FB: [https:]]
Instagram: [https:]]
Twitter: [https:]]
[https:]]
Email: lateralefilmfestival@gmail.com
L’Associazione VILLAM e Arshake. Reinventing Tecnology sono lieti di presentare alla
IX edizione Maker Faire (Roma, 8-10 ottobre, 2021) “GAME OVER-Future C(o)ulture”, un’operazione finalizzata alla ricerca e allo studio di nuove “entità culturali”, persone, oggetti o ricerche provenienti da diversi ambiti disciplinari (I.E. Fisica, Bio-robotica, AI, Agricoltura, Medicina) e al loro traghettamento nel mondo dell’arte. Questo Progetto vede negli spazi del Gazometro Ostiense una sua prima forma espositiva.
In questa occasione, come progetto ponte tra Maker Art Faire e Agrifood, Villam e Arshake presentano un’installazione di Alessandro Giuggioli, accompagnata da una Call for Ideas 5.0, per giovani Makers e Artisti. Giuggioli è fondatore dell’azienda Quintosapore con cui i futuri vincitori della Call entreranno in dialogo, ospitati per un progetto di residenze a Città della Pieve.
Con la sua installazione, Alessandro Giuggioli porta nell’archeologia industriale del Gazometro, teatro della Maker Fair, la sua ricerca di tecniche agricole biodinamiche e la sua esperienza di custode di semi antichi per il CNR, annunciando la sua apertura a ricerche sperimentali in combinazione con le tecnologie più avanzate.
Questa operazione è parte di GAME OVER. Future C(o)ulture che si pone nel dibattito attuale partendo dall’urgenza di dover agire, di recuperare l’antico valore della téchne, di affondare le radici nella cultura italiana e di estenderle a quella internazionale per riconfigurare una geografia nascente, una nuova architettura di conoscenza, plurale e innovativa.
Si parte dalla base terra, in senso metaforico ma anche materiale. Quintosapore insieme a Città Della Pieve diventeranno il teatro di un’operazione transdisciplinare che oscilla tra le pratiche più radicali dell’agricoltura e le tecnologie più avanzate.
L’installazione di Alessandro Giuggioli alla Maker Faire e la Call per giovani Makers piantano il primo seme di un progetto a lungo termine proiettato alla ricostruzione. L’operazione affonda le sue radici in un’area storica di archeologia industriale per farsi manifesto di futuri modelli di rigenerazione urbana replicabili e sostenibili che si intenderà realizzare con le future C(o)ulture che GAME OVER sta coltivando.
L’installazione di Alessandro Giuggioli, manifesto di questa operazione artistica a lungo termine è parte della Maker Art Faire, a cura di Valentino Catricalà. Maker Faire European Edition, Roma, 08-10.10.2021 Game Over-Future C(o)ulture è ideato promosso da VLLAM (Anita Calà), realizzato con Arshake. Reinventing Technology (Elena Giulia Rossi). Logo: Cristian Rizzuti e Graziana Hesse DOWNLOAD • Call for Ideas (5.0)
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deadline
24 Nov 2021
FRAME rilancia State of the World del designer Mathieu Lehanneur, sculture di alluminio che prendono forma da dati presi da fonti delle Nazioni Unite e li rendono tangibili. A seconda dei paesi, di eventi esemplari come guerre o baby booms i dati possono essere letti e toccati.«State of the World ci ricorda che siamo vivi e siamo parte di una storia più grande di noi».
Mathieu Lehanneur, State of the World, 2021, image via
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VIDEO POST rilancia la presentazione di Materialism una ricerca ongoing dello Studio Drift, dove gli artisti esplorano gli oggetti di tutti i giorni, per rivelarne la materia e il funzionamento, cose che passano ormai del tutto inosservate. Le sculture di Materialism, sono derivate da lampadine, biciclette, aspira-polveri, e buste di plastica prese da un supermarket locale.
Studio Drift, Materialism, 2018, video xinix film, via
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15 Oct 2021
Stowarzyszenie Nowa Kultura i Edukacja NKIE / Galeria W Y
From November the 5th until November the 27th 2021, the W Y Gallery and the New Culture and Education Association, in agreement with the ARTUM ...
Jan van Eyck Academie
Jan van Eyck's annual Call for Applications is now open!Application deadline: 1 December 23:59 CETArtists, writers, curators, architects, and...
Deadline (New York): 31 ottobre
Deadline (luoghi internazionali): 1 marzo
Dove: Apexart, 291 Church Street, New York
Link Website
Apexart offre opportunità espositive. Le candidature sono raccolte in crowdsourcing e giudicate da un gruppo internazionale di oltre 400 persone, tra cui individui e classi universitarie di tutto il mondo. Le proposte vincitrici entrano a far parte della stagione espositiva di Apexart.
Le proposte per New York City saranno accettate dal 1° al 31 ottobre 2021. Le proposte per le località internazionali in qualsiasi parte del mondo saranno accettate dal 1° febbraio al 1° marzo 2022.
Cinque mostre vincitrici riceveranno un budget di 10.000 USD, una brochure “Apexart” e il supporto completo del personale per una mostra a New York.
Per maggiori informazioni visita qui
Per informazioni sulla call clicca qui.
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Al Meet Digital Culture Center a Milano, il 2 ottobre, sarà possibile assistere all’incontro con Refik Anadol, artista turco, pioniere delle estetiche dell’intelligenza artificiale, esploratore dei grandi cambiamenti della percezione del tempo e dello spazio con l’avvento delle tecnologie, argomento quanto mai esteso a tutti gli aspetti della vita quotidiana.
La vita esiste anche nella forma delle strutture che la abitano e si configura nella sua visione in architetture post-digitali, realtà alternative ridefinite dalle funzionalità di elementi interni ed esterni e concretizzate in forme di ibridazione tra architettura, arte mediale e intelligenza della macchina. Nel suo lavoro i dati si concretizzano in sculture, dipinti, architetture e prendono forma e vita tanto nello spazio fisico quanto in quello virtuale.
Nei nuovi spazi del MEET Digital Culture Center a Milano Refik Anadol ha realizzato Renaissance Dreams, installazione site-specific generata da un milione di immagini e testi prodotti tra il 1300 e il 1600 in Italia, composta da quattro capitoli: pittura, scultura, letteratura e architettura. I dati di ciascun capitolo sono stati elaborati dall’intelligenza artificiale per mezzo di algoritmi GAN (Generative Adversarial Network), capaci di identificare caratteristiche comuni nelle immagini e nei testi del Rinascimento Italiano e produrre creazioni originali.
Sarà interessante ascoltare il percorso di un artista e un visionario che ha iniziato ad operare in tempi non sospetti, quando l’Intelligenza Artificiale era un argomento coltivato in una cerchia ristretta di esperti, lontana dall’essere presa in considerazione come una nuova specie in essere e la tecnologia era uno strumento ausiliario.
Refik Anadol, Meet the Media Guru, MEET Digital Culture Center, Milano, 2 Ottobre 2021, 18.30 (registrazione su Eventbrite Refik Anadol, Renaissance Dreams, MEET. Digital Culture Center, 01.09 – 31.12.2021 Refik Anadol (b. 1985, Istanbul, Turkey) è un media artist, direttore e pioniere delle estetiche dell’intelligenza artificiale. Anadol dirige a Los Angeles il Refik Anadol Studio e RAS LAB che conduce una pratica di ricerca incentrata attorno alla scoperta e allo sviluppo di approcci pionieristici sulle narrative dei dati e su intelligenza artificiale. Anadol è anche un lecturer presso l’UCLA’s Department of Design Media Arts dal quale ha ottenuto il suo secondo Master in Fine Arts. Refik Anadol Studio comprende designers, architetti, scienziati di dati e ricercatori con formazioni diverse, abbracciando i principi di inclusione e di equità attraverso tutti gli stadi di produzione. I componenti dello studio sono originari di dieci paesi diversi e collettivamente parlano correntemente 14 lingue (puoi visitare qui il sito per la biografia completa e per maggiori informazioni sul suo lavoro).L'articolo Refik Anadol al MEET di Milano proviene da Arshake.
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15 Oct 2021
Braunschweig University of Art (HBK Braunschweig)
Braunschweig University of Art (HBK Braunschweig) announces the following scholarships to be awarded in 2022/23 on behalf of the Federal State of...
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31 Oct 2021
Quella di Spotify sembra un’ascesa ormai inarrestabile. Nel 2021 l’applicazione svedese ha oltrepassato il miliardo di download, continuando a espandere senza sosta il proprio mercato. Oltre 80 nazioni sono state aggiunte all’elenco dei paesi già raggiunti del servizio, toccando cifre assimilabili a quelle di un vero e proprio monopolio. Stando ai dati recentemente raccolti – maggio 2021 – da Siteefy, infatti, le ore di ascolto complessivo da parte degli utenti della piattaforma ammontano a circa 40 miliardi. Anche in Italia la situazione non è poi tanto diversa. Uno studio realizzato da Kantar e ComScore, per conto di Google, afferma che il 90% degli italiani adulti ascolta musica in streaming, e di questi il 54% dichiara di utilizzare Spotify abitualmente.
La fruizione musicale contemporanea non può che risentirne. Il successo e la prossimità dettano il tempo: le piattaforme streaming sottopongono al nostro giudizio i brani maggiormente riprodotti dagli altri utenti o quelli considerati più affini alla nostra playlist. Tutto ciò individualizza l’ascolto, restituendo al contempo un’esperienza virtualmente interminabile. Nella maggior parte dei casi, infatti, l’utente si affida ciecamente all’algoritmo. Spesso Spotify sembra conoscerci a tal punto da suggerirci – o meglio, decidere – cosa potrebbe fare al caso nostro. Eppure la persuasione è sua volta il frutto di una consolidata formula commerciale, pensata e strutturata in modo tale da poter alimentare continuamente la richiesta da parte dell’ascoltatore, incentivandone la passività fruitiva. Ma non è un controsenso? E se da una parte le piattaforme streaming personalizzano l’ascolto, perché dall’altra le uscite discografiche sembrano muoversi tutte verso la stessa direzione?
Recurrent Morphing Radio tenta di rispondere a queste domande. Il progetto sviluppato dall’Interspecifics Collective di Città del Messico – Leslie Garcia, Paloma López, Emmanuel Anguiano and Felipe Rebolledo – rende tangibile il peso degli interessi economici sull’aspetto compositivo. L’opera ha le fattezze di una web radio, in onda 24 ore su 24. Tuttavia, i brani in rotazione sembrano sovrapporsi l’un l’altro, generando un incessante rumore ipnotico.
L’intento di questa insolita programmazione è di mettere in evidenza la pressione esercitata dalle piattaforme streaming sull’odierna estetica musicale. Non a caso, il software di intelligenza artificiale realizzato dal collettivo, mutua il proprio modus operandi da quello di Spotify. L’algoritmo de-costruisce e analizza gli elementi comuni di ciò che definiamo musica, procedendo per associazione. Come affermato dai membri stessi del collettivo, in Recurrent Morphing Radio il consumo eccessivo va di pari passo con il sovrallenamento: l’opera, infatti, riutilizza applicativi pensati per rispecchiare determinati generi e stilemi musicali, emulando i pattern compositivi e le caratteristiche principali dei brani più in voga del momento.
Il progetto – realizzato con il sostegno dell’HKV di Berlino, in occasione della rassegna The Disappearance of Music – prende dichiaratamente ispirazione da I Am Sitting in a Room (1969) di Alvin Lucier: l’opera vede l’artista statunitense intento a registrare un proprio monologo su cassetta, per poi riprodurlo e registrarlo nuovamente, ricominciando da capo lo stesso schema compositivo, come in un loop continuo ed estenuante. Le caratteristiche acustiche dello spazio espositivo, inoltre, enfatizzano determinate frequenze, rendendo impercettibili alcune parole del testo. In Reccurent Morphing Radio la stratificazione così come la reiterazione ossessiva degli stessi frammenti musicali si traduce nel rumore trasmesso all’interno spazio latente della rete.
In questo caso, però, l’utente è parte integrante del processo selettivo – e quindi compositivo – dell’opera. Chiunque, infatti, può contribuire al progetto e alimentare il sistema, caricando brani a proprio piacimento. Le differenti composizioni realizzate dal software vengono successivamente archiviate nel database online della radio. Il paradossale ossimoro della personalizzazione omologante diviene un monito: affinché la musica stessa non diventi il risultato di un mero calcolo algoritmico. L’intento di questa insolita programmazione è di mettere in evidenza la pressione esercitata dalle piattaforme streaming sull’odierna estetica musicale.
Interspecifics Collective, Recurrent Morphing Radio, 2021
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deadline
29 Oct 2021
Curating.org
Curating and LawLecturer: Martin FritzCourse dates: Course dates: 9 October + 16 October 2021, 2–6pm (CEST)Enrol until 2 October...
«Cosa si prova a prendere parte a uno spettacolo in virtual reality, all’interno del corpo di uno dei personaggi della storia? Può un software decodificare le emozioni o l’espressività del corpo umano? Cosa succede al nostro cervello durante le esperienze al limite della percezione? Come si può entrare in empatia con le grandi piattaforme digitali contemporanee? Cosa vuol dire essere umani in un mondo in cui computer sempre più intelligenti si stanno appropriando di compiti e mansioni appartenuti all’essere umano?»
Questi sono gli interrogativi a monte della quarta edizione del Digitalive che, nel progetto curato da Federica Patti e sostenuto dalla IX edizione dell’Italian Council, include l’attenzione per ‘le declinazioni della liveness multimediale’ nella sfera del post-umano e posa la sua attenzione sugli spazi liminali.
Il programma è stato avviato con la riscrittura per realtà virtuale di Così è (se vi pare) di Luigi Pirandello, “Così è (o mi pare) – Pirandello in VR” di e con Elio Germano, trasposizione del testo dell’autore siciliano nella società moderna, invitando il pubblico ad indossare letteralmente i panni di uno dei personaggi e all’interno del dell’appartamento.
Sono tornati i fuse* con una performance online Sál | Rite, terzo capitolo della trilogia di live-media performance indirizzato all’ esperienza al limite della percezione. I partecipanti sono immobili la loro attività mentale, nel momento in cui viene visualizzata, appare estremamente dinamica e creativa.
L’Associazione Umanesimo Artificiale ha portato in scena Via Flaminia: The Nature of the Artificial, indagine artistica dell’antica via consolare che dal 219 A.C. collega(va) Roma alla colonia romana Fanum Fortunae (attuale Città di Fano), traslata in un progetto audio visivo.
Mara Oscar Cassiani, Artista Wi-Fi based, prosegue la sua indagine antropologica tra culture e sottoculture del web. Parte dei vari habitat riguardanti La Fauna 2k20 (il primo è stato presentato online durante il REf2020), I Am Dancing in a Room insegue la vita contemporanea della micro coreografia in rete, combinando gestualità e habitat degli abitanti della rete.
Il 26 settembre Francesco Luzzana vincitore della seconda edizione di RE:Humanism Art Prize, ha proposto la sua lecture performance sospesa tra reale e virtuale Object Oriented Choreography (WISIWYG), tentativo di individuare ed entrare in empatia con ciò che Luzzana definisce “la zona”. La zona può essere tanto un magazzino quasi automatizzato di Amazon quanto lo spazio dedicato alla realtà virtuale, dove rispondere ai quesiti che questa relazione pone e comprendere con lo sguardo umano i nuovi “iperoggetti”.
Nella stessa sera la musicista e sound designer italiana di base a Berlino Marta De Pascalis ha presentato dal vivo al Mattatoio la sua ultima produzione Sonus Ruinae, prosecuzione dei suoi esperimenti con i tape loop e la sintesi analogica, pubblicata a settembre 2020 dall’etichetta sperimentale di Berlino Morphine Record.
Per la durata di un mese, l’artista olandese Coralie Vogelaar (23 settembre – 25 ottobre), stimolerà la riflessione sul rapporto uomo – macchina con Facial Action Coding System (2018), dove addestra una persona a controllare i 44 muscoli facciali e sottopone le mutazioni del volto al riconoscimento di emozioni di un software. La danza di Infinite Posture Dataset (2020) mette invece in crisi l’idea di progresso tecnologico.
A riflettere sul rapporto tra uomo e macchina, sono anche le espressioni musicali e sonore di Colin Benders, Fondatore della pluripremiata Kyteman Orchestra, con il suo particolare utilizzo di sintetizzatore modulare, dell’eclettico produttore italiano di base a Londra Not Waving che presenterà il suo album Pitchfork (3 ottobre) e di Donato Dozzy e la cantautrice Eva Geist che chiuderanno la rassegna il 9 ottobre con Il quadro di Troisi, tributo alla stagione della musica italiana degli anni ’80.
Digitalive a Romaeuropa Festival 2021, a cura di Federica Patti, 23.09 – 09.10.2021 Mattatoio, all’Auditorium e online Potete trovare qui tutte le informazioni e il programma aggiornatoimmagini: (cover 1)Fuse – Sal Rite (2) Coralie Vogelaar – foto (3) Elio Germano – Pirandello in VRP. ph. Nuri (4) UMANESIMO ARTIFICALE (5) Mara Oscar Cassiani – La Fauna 2k20 (6) Francesco Luzzana – Object Oriented Choreography (WISIWYG) (7) Marta De Pascalis – ph. Massimo Pegurr (8) Colin Benders
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FRAME cattura Rainbow machines, installazione realizzata dall’Atelier huber.huber. Dodici macchine fabbricano quarantotto arcobaleni sensibili alle vibrazioni della sala. Ai visitatori il compito di renderli visibili quanto più al lungo possibile.
Atelier huber.huber (Reto e Markus Huber), Regenbogenmaschinen (Rainbow machines), 2020 Foto: Rachel Bühlmann / huber.huber, immagine via
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VIDEO POST rilancia la documentazione de L’Arc de Triomphe, Wrapped, ultimo lavoro di Christo a Parigi, che corona, postumo, un progetto immaginato nel 1962. L’Arco di Trionfo, impacchettato con 25.000 metri quadrati di polipropilene argentato e 3mila metri di corde riciclabili rosse, sarà visibile fino al 3 ottobre 2021.
Christo L’Arc de Triomphe, Wrapped, installazione temporanea di public art, Parigi, 16.09 – 03.10.2021 Il progetto è stato realizzato in partnership con il Centre des Monuments Nationaux, in collaborazione con la Città di Parigi Potete visitare qui il sito con la documentazione completa del progetto
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Application deadline: December 1, 2021, 23:59 CET
Application fee: EUR 65 - 78.50
Jan van Eyck Academie in Maastricht (NL) calls for artists, writers, curators, architects, and designers ranging from graphic and fashion to food and social design, to apply for an 11-month residency starting in November 2022.
Application deadline: December 1, 2021, 23:59 CET
Application fee: EUR 65 - 78.50
Artists, writers, curators, architects, and designers ranging from graphic and fashion to food and social design, are welcome to apply for an 11-month residency starting in November 2022.
The Jan van Eyck Academie is committed to exploring the agency, roles, and civic significance of art, design and other creative practices in relation to climate change, environmental breakdown, and their manifold effects. This institutional focus aims at creating a common-ground that embraces a diversity of practices and allows for a multitude of voices. As a post-academic institute, the supports a myriad of artistic endeavours by offering participants the time, space and expertise to further develop, materialise and disseminate their artistic research in a critical and reciprocal relationship with each other and the world.
The academy provides each selected participant with a private studio; guidance of our advisers; access to our library and labs – Photography & Audiovisual, Material Matters, Food, Printing & Publishing, and Future Materials; and expertise of departments for Nature Research, Art & Society and Research & Education. Next to their individual projects, participants are encouraged to collaboratively develop an In-Lab project and to contribute to the Jan van Eyck public programme.
You can find all information about the application and selection procedure as well as the link for the application form: [https:]
More information: www.janvaneyck.nl
If you have any questions, you are welcome to direct them to application@janvaneyck.nl or call +31 433503736 (Liva Laure)
deadline
10 Oct 2021
Stillpoint Magazine is seeking essay submissions in the areas of critical theory, psychoanalytic theory, and social critique, oriented around the concept Salvage for our upcoming Supporters Issue.
Essays can be in the 1,250-1,500 word range and can explore various expressions of, or topics surrounding, the concept Salvage: to ...
Be part of Stillpoint Magazine's next Supporters Issue. We invite submissions of visual artworks which consider the notion of Salvage: to save something valuable from destruction, peril, or loss after the storm.
We will consider works which are made for or with the context of the digital in mind ...
Encounters with Incomprehension
We all experience encounters with incomprehension: times when meaning is obscured on purpose, forces act upon us that are difficult to understand much less accept, and/or ideas and beliefs of others seem beyond belief. Undoubtedly, there are others out there who have similar reactions to the ...
School of Machines, Making & Make-Believe presents a 5-wk online class on developing an artistic and meaningful collective data practise.
About this event
How can we create individual and collective meaning through the exploration of our data?
/ Five-week Live* Online class begins 16. November ends 14. December
/ Every Tuesday, 8pm-10pm ...
School of Machines, Making & Make-Believe presents a 5-wk online class on creating electromagnet movement with coils and motors
About this event
How can developing an intuitive understanding of electromagnetic fields through hands-on experimentation help us better understand the world around us?
/ Five-week Live* Online class begins 8. November ends ...
School of Machines, Making & Make-Believe presents a 5-wk online class on creating generative art with code.
About this event
How can we use abstraction as a tool for personal expression and for making sense of the larger societal systems we are a part of?
/ Five-week Live* Online class begins ...
School of Machines, Making & Make-Believe presents a 5-wk online class exploring soft wearables and biological textiles.
About this event
Can soft technology expand the ways our bodies sense and interact with the environment?
/ Five-week Live* Online class begins 27. October ends 24. November
/ Every Wednesday, 6pm-8pm, CET
/ Small class ...
Accepting proposals: October 1-31, 2021, 11:59PM EST
apexart is accepting exhibition proposals for its NYC Open Call from October 1-31, 2021. Five winning proposals will become apexart exhibitions presented at apexart’s NYC space as part of its 2022-23 exhibition season. Curators, artists, writers, and creative individuals, regardless of experience ...
Deadline to apply: October 15, 2021
Spring 2022 residency dates: March 4–March 18, 2022
Support offered: $1000 in artist fees and stipends, up to $700 in financial assistance for childcare and/or disability support.
Notification date: December 1, 2021
Squeaky Wheel’s Workspace Residency is a project-based residency for artists and ...
Thematic residency for artists, writers and creative minds
at Arteles Creative Center in Hämeenkyrö, Finland
1-2 month periods in January / February / March 2022
Deadline for applications: 4th of November 2021
Silence Awareness Existence is a thematic residency program in Finland for artists and creative minds, engaged in the theme on ...
The Hopper Prize is now accepting entries for our Fall 2021 artist grants.
We have increased grant awards to $3,500.
We are offering artist grants in the amount of $3,500 (2 available) and $1,000 (4 available) to artists worldwide working in all media. In total, 6 artists ...
Kintai Arts is announcing an Open Call for artists, curators, researchers and other practitioners working in the cultural field to apply for a residency programme offering workspace and accommodation to develop individual projects.
The residency dwells in a former school of Kintai town. Situated in the coastline of Curonian Lagoon ...
Apply now for Headlands Center for the Arts 2021-22 Designer in Residence program—an opportunity for a Bay Area graphic designer to build their portfolio through a long-term engagement with Headlands. The Designer in Residence (DIR) program supports practitioners working at the leading edges of their field: individuals who are interested ...
School of Machines, Making & Make-Believe presents a 5-wk online class on navigating apocalyptic and post-apocalyptic narratives
About this event
How do artists, designers and activists use biohacking, robotics, synthetic biology, photography, collaborative experiments or gaming to investigate existential threats, devise creative strategies for survival and explore humanitys strange fascination ...
deadline
15 Oct 2021
deadline
01 Dec 2021
Braunschweig University of Art
Braunschweig University of Art (HBK Braunschweig) announces the following scholarship to be awarded in 2022/23 on behalf of the Federal State of...
Online Course at ECC Performance Art
'Performing the Memory' - Online Course at ECC Performance Artwith Marta JovanovicThis practice-based course focuses on the concept of memory as...
Deadline: 1 November 2021
Call for entries
Time Traveling
November 11-13 exhibited at Art Trail Open Studios in Bridgeport CT
No entry fee
Send your Mail Art to
Arte Correo Correo
955 Connecticut Ave Unit 1216
Bridgeport CT 06607
It will be catalogue in instagram @pickles_thriftstore
deadline
30 Sep 2021
07-12 April 2022
An Exceptional Edition and an Amazing Success for Art Paris 2021, The First Modern and Contemporary Art Fair to Inaugurate the Grand Palais ...
deadline
01 Nov 2021
deadline
17 Oct 2021
Curating.org
From Mutual Exposure to Cracks: For an Ethics of Exchanges in Curatorial PracticesLecturers: Lisette Lagnado and Agustín Pérez RubioCourse dates: 25...
deadline
10 Oct 2021
A arte Invernizzi
The A arte Invernizzi gallery presents, on Wednesday 15 September 2021 from 5 to 8.30 p.m., the exhibition 'Sensitive spaces' curated by Francesca...
$1000 Working Artist Purchase Award | Call for Submissions Deadline: September 30, 2021
We offer a small art purchase award to help serious artists keep working. Our award is open worldwide to all visual artists, including but not limited to those working in traditional styles, i.e., painting, drawing, printmaking, mixed media, sculpture, glass, installation, digital/new media, photography and film/video.
See our current recipients and complete submissions guidelines @ [https:]] .
Working Artist Org. is dedicated to discovering, collecting, and promoting great contemporary art and artists.
Working Artist Org.
www.workingartist.org
deadline
01 Oct 2021
Deadline: 17 September 2021
Call for entries
They Call Us Open Art Submissions
Dates & location of event context: To be published in a zine on our website in December ( [https:]] )
They Call Us Zine, a feminist literary magazine ( [https:]] ), is looking for writing and art submissions for our newest edition “They Call Us Sluts and Prudes”. We are exploring sex and reputation in relation to gender oppression. If you have ever been catcalled or looked down upon based on your sexual interactions, or lack thereof, please consider sharing your experience. We want stories and art surrounding both the polar opposites of being called a “slut” or “prude” and show that these are possibly the same thing.
Contact adresses/URL: [https:]]
The BARON Book Prize is an annual prize, which recognises book projects from emerging artists and image-makers.
Deadline: October 31 2021
Application fee: £20
The BARON Book Prize is an annual prize, which recognises book projects from emerging artists and image-makers who have created projects investigating gender, sex, sexuality and identity politics.
BARON was launched in 2011, stocked worldwide in 26 different markets, many of our books are in collections, including the book collections at MoMA, NYC and The LUMA Foundation.
The prize is open to artists and image-makers working in any medium, from anywhere in the world, over the age of 18, are invited to apply. The winner will receive the opportunity to work with BARON in publishing their book project. The winners will be announced in December 2021, and their book published as part of BARON’S summer 2022 catalogue, with global distribution.
deadline
01 Oct 2021