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30.10.2020
This survey is the first of its kind – in terms of scope and target groups – to be run at the level of Creative Europe countries and Switzerland.Th ere are around 40 questions, most of them multiple choice. Your contribution should take about 15 minutes and will be all the more important in a context where cultural accessibility are being challenged by the Covid-19 crisis and the realignment of support systems. Deadline: extended till 30 October!
30.10.2020
This survey is the first of its kind – in terms of scope and target groups – to be run at the level of Creative Europe countries and Switzerland.Th ere are around 40 questions, most of them multiple choice. Your contribution should take about 15 minutes and will be all the more important in a context where cultural accessibility are being challenged by the Covid-19 crisis and the realignment of support systems. Deadline: extended till 1 November (23.59 CET)
30.10.2020
ifa (Institut für Auslandsbeziehungen) is currently inviting proposals for a research project on Diversity and Inclusion in Foreign Cultural and Educational Policy. The selected researcher will spend 3-6 months investigating this theme in relation to the impact of COVID-19 and the movement of many activities into the digital space. Deadline: 11 November 2020.
Quando si parla di arte e nuovi media è quasi inevitabile che il tema della conservazione emerga anche in discussioni generiche. Se si tratta di video, arte multimediale, o arte realizzata per e con internet, alcune domande sorgono spontanee: Cosa significa acquistare e possedere un lavoro la cui esistenza dipende da software o supporti condannati ad obsolescenza in tempi sempre più rapidi? Come è possibile conservarla?
Sopravvivenza Programmata, a cura di Valentino Catricalà e Domenico Quaranta si occupa proprio di questo. I due curatori portando assieme saggi di professionisti di tutto il mondo che si sono occupati di new media e conservazione con ruoli e in relazione ad istituzioni e realtà di varia natura. Molti di questi testi sono stati tradotti per la prima volta in italiano. Assieme formano un occhio caleidoscopico sulla conservazione ritrovandosi in un ‘contenitore’ editoriale molto particolare. Nel libro, e in ogni saggio, una serie di QR Codes rimandano ad altri testi in rete. Questo comporta un grandissimo impegno e lavoro affinché le pagine dei documenti e i loro contenuti, rimangano leggibili. In altre parole, un vero e proprio lavoro di conservazione che apre il contenitore chiuso della carta stampata all’esterno, gli restituisce forza e fragilità, ovvero, vitalità.
Il libro, diviso in tre sezioni: teoria, pratica e case studies, si presta, in realtà, a diverse modalità di lettura, sciolte dalla necessità di procedere linearmente. Molti sono gli argomenti che possono interessare anche individualmente. L’importanza dell’archivio con le sue difficoltà (Grau), il confronto con le pratiche classiche di restauro (Barreca, Catricalà), la necessità di prenderne le distanze (Ippolito) avviano il discorso e preparano il terreno per una sezione tutta rivolta alla ‘pratica’. Qui ritroviamo il tratteggio di una guida alla conservazione dell’artista Rafael Lozano Hemmer che prende forma dalla ricostruzione del suo rapporto con il collezionista. Non mancano interventi rispetto alla conservazione dei video (Saba) e all’etica della conservazione (Wijers), al ruolo delle istituzioni, all’esposizione e all’archivio (Muller, Scudero, Ghidini). Anche la documentazione ha un ruolo importante, come nel progetto EWVA-European Women (Leuzzi, Schemildt) che dalla Scozia si addentra nella ricerca dell’arte italiana degli anni ’70 e ’80 e la restituisce al suo valore in ambito internazionale. Vitali come luoghi di conservazione e archiviazione sono anche le biblioteche che si ritrovano in formulazioni originali e non rigidamente istituzionali, come le biblioteche temporanee (Ludovico).
Quando nei musei si parlava di restauro dell’arte contemporanea era già chiaro che le competenze da mettere in gioco erano le più disparate, e la conoscenza delle tecniche tradizionali che si apprendeva negli Istituti specializzati si doveva accompagnare a quella che si relaziona con materie e materiali che appartengono al quotidiano vivere, come idraulica o meccanica. Nell’ambito dei nuovi media, per esempio, è necessario imparare il linguaggio informatico, come sostiene nel suo saggio Ben Fino-Radin che per molto tempo ha lavorato per il MoMA e per Rhizome. org, una delle prime piattaforme online ad occuparsi di arte digitale, della sua diffusione, documentazione e conservazione.
Oltre a fotografia e video, l’urgenza della questione della conservazione è emersa più volte in generi artistici del passato dove la rappresentazione ha lasciato il passo a forme concettuali ed effimere. In questi casi, conservare può significare documentare l’idea, così come preservare materiali e supporti di uso comune e tanto altro. Tra queste, ritroviamo anche l’arte cinetica e programmata, più volte trattata nel libro (Calvi, Dipasquale, Ratti e Devecchi). La sua stessa presenza sottolinea la continuità con simili forme d’arte analogica. D’altro canto chi si è occupato di new media e conservazione, come Jon Ippolito con il progetto Variable Media, di questi aspetti legati all’arte performativa e concettuale, ne ha dovuto tener conto proprio nella pratica, oltre alla necessità di costruire un discorso trans-disciplinare e, appunto, variabile. Sembra di aver detto già molto. In realtà questa è solo una traccia per letture multiple in cui si imbatterà il lettore che dovrà accettare che il libro, tutto, è anche lui performativo e avrà possibilmente una durata, certamente più lunga di quanto non la abbia la carta stampata. Tenerlo tra le mani comporterà accettare che una sua parte potrebbe essere presto obsoleta, proprio come afferma essere le sue opere web Costantin Dullaart, che nella conversazione con Marialaura Ghidini che chiude il libro, racconta della conservazione attraverso la sua esperienza di artista nel suo rapportarsi con il collezionista. Mentre leggiamo, e da un aspetto così apparentemente tecnico, apprendiamo molte cose che riguardano l’arte e la cultura a tutto tondo. Ci interroghiamo, anche, su quale sarà l’esperienza conservativa del libro. Il contenitore chiuso rimane sempre e comunque un bellissimo oggetto da sfogliare. Al momento, è nel pieno della sua vitalità.
Sopravvivenza programmata. Etiche e pratiche di conservazione. Dall’arte cinetica alla Net Art, a cura di Valentino Catricalà e Domenico Quaranta, Collana Imprese Mediali, Edizioni Kappabit, Roma 2020 Autori: Laura Barreca, Laura Calvi, Valentino Catricalà, Alice Devecchi, Roberto Dipasquale, Ben Fino-Radio, Marialaura Ghidini, Oliver Grau, Jon Ippolito, Laura Leuzzi, Rafael Lozano – Hemmer, Alessandro Ludovico, Dorca Muller, Stephen Partridge, Domenico Quaranta, Iolanda Ratti, Cosetta G. Saba, Domenico Scudero, Azalea Seratoni, Elaine Shemilt, Gaby Wijers
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29.10.2020
The Digital Collaboration Fund will support UK and overseas cultural partnerships to develop innovative ways of collaborating remotely. This is in response to increased travel restrictions due to the global pandemic and the need for more sustainable approaches to future international ways of working. Eligible partnerships are with Afghanistan, Algeria, Argentina, Bangladesh, Brazil, China, Colombia, Egypt, Ethiopia, Georgia, Ghana, Indonesia, Iraq, Jamaica, Jordan, Kenya, Lebanon, Libya, Malaysia, Mexico, Morocco, Nepal, Nigeria, Occupied Palestinian Territories, Peru, Rwanda, Sierra Leone, South Africa, Sri Lanka, Syria, Tanzania, Tunisia, Turkey, Ukraine, Venezuela, Vietnam, Western Balkans (Albania, Bosnia & Herzegovina, Kosovo, Montenegro, North Macedonia, Serbia) Yemen, Zimbabwe. Deadline: 18 November 2020.
29.10.2020
Learning Labs are joint pilot projects between creative hubs and schools / universities / various types of formal and non-formal educational institutions. Members of Creative hubs (creative professionals, artists and community managers) are invited to come up with innovative programmes and ideas to be implemented in schools and all levels and forms of education. Projects should take place 1 December 2020 – 20 March 2021. Applications are open for creative hubs from EU Member States, Creative Europe and ENP countries. Deadline: 25 November 2020.
As a scientific and artistic think-tank, IMPACT20 criss-crosses perspectives from biotechnology, natural science, philosophy and contemporary art: Lars Blank, Rosi Braidotti and Johannes Paul Raether reflect on the conditions, metabolisms and relationships between the elements and protagonists on earth and how these impact on ecological, political, economic and technological developments.
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IntraRegionale network | Eleven art institutions of Hannover region
IntraRegionale 2021 – sound art festival in the Hannover region13th June to 18th July 2021Open call for artists Deadline: 30th November 2020With the...
LABS Contemporary Art Spaces, a Bologna e con la cura di Angela Madesani, attraversa la ricerca trasversale di Giulia Marchi attraverso una serie di lavori significativi. Giulia Marchi ha una formazione artistica di forte impronta letteraria che l’ha portata a una espressività che spesso si connota di narrazione, anche quando la forma scelta – fotografia, ma non solo – non rende così immediata la lettura, ma rimanda a successivi accostamenti, codici che prima ancora di essere decifrati si lasciano interpretare.
Il titolo La natura dello spazio logico riprende quello di una delle serie di lavori proposti in mostra e fa riferimento al filosofo e architetto austriaco Ludwig Wittgenstein; suo l’assunto che segue e che chiarisce gli intenti della ricerca dell’artista: «Luogo spaziale e luogo logico concordano nell’essere ambedue la possibilità di un’esistenza».
Per Wittgenstein il lavoro filosofico, come spesso quello progettuale in senso architettonico, è un lavoro su se stessi e sul proprio punto di vista; concetto che interessa profondamente Giulia Marchi ed è da lei indagato in questa serie, costituita da un corpus di fotografie e lavori scultorei in marmo.
Quattro lastre di marmo della serie L’artefice, sulle quali è inciso l’esametro virgiliano Ibant obscuri sola sub nocte per umbram, scelto e proposto dall’artista nell’errata versione di Jorge Luis Borges: Ibant obscuri sola sub nocte per umbras. Sbaglio voluto dal poeta argentino il quale amava gli errori tanto da considerarli una prova di verità e sicuramente di umanità. Una quinta lastra più grande reca la scritta Null, zero in tedesco, la lingua del filosofo che ha guidato l’intero progetto di lavoro.
Un ulteriore momento della mostra è dedicato ai labirinti e alla loro valenza filosofica: a Borges e al suo labirinto costruito sull’Isola di San Giorgio Maggiore a Venezia, al labirinto di Cnosso sull’isola di Creta ed infine al Labirinto di Dunure in Scozia. Una riflessione sul concetto di limite, attraverso l’errore, l’umana debolezza, lo spaesamento, il dubbio, l’incapacità di districarsi è quanto caratterizza i lavori esposti. Limite, errore, dubbio che forse sono proprio il senso più recondito, più temibile ma anche più affascinante dell’esistenza.
Giulia Marchi nasce a Rimini, nel 1976. Studia Lettere Classiche all’Università degli studi di Bologna. Ricerca letteraria e approccio concettuale sono precisi stilemi del suo linguaggio fotografico – dall’utilizzo del foro stenopeico alla costruzione delle proprie macchine fotografiche, dalla sperimentazione condotta trattando chimicamente le matrici di polaroid al costante richiamo al testo, punto di partenza e chiave di lettura attraverso il quale dipinge i suoi paesaggi rarefatti. Nel 2012 viene invitata a partecipare al progetto residenziale Hybrid Spaces, condotto da Marco Zanta e promosso dalla Fondazione Francesco Fabbri (TV). Nel 2013 il suo progetto Multiforms, tra i 10 finalisti del Premio BNL Gruppo BNP Paribas, viene presentato alla galleria The Format Contemporary Culture Gallery di Milano, in collaborazione con CAP (Contemporary Art Projects), e realizza il suo primo libro d’artista Multiforms (Danilo Montanari Editore), con prefazione di Bruno Corà. Nel 2014, in collaborazione con Mustafa Sabbagh, realizza il libro d’artista in tiratura limitata 17:17 (Danilo Montanari Editore).
Nel 2015, una sua personale, dal titolo Rokovoko, viene allestita presso la galleria Matèria (Roma). Nello stesso anno, 17:17 entra a far parte della collezione permanente di libri d’artista del MAXXI – Museo Nazionale delle Arti del XXI secolo e della Collezione Maramotti. Tre opere dal suo progetto Multiforms entrano a far parte della collezione permanente del CAMUSAC – Cassino Museo Arte Contemporanea. Nel 2016 è una degli artisti a partecipare alla collettiva intitolata Murmur presso la Flowers Gallery a Londra. Nel 2017 tiene, insieme all’artista cinese Xiaoyi Chen, una doppia personale presso la galleria Matèria (Roma), dal titolo one giant leap. Nel 2018 vince il premio Rotaract Bologna con l’opera Camera Anecoica, in occasione di Arte Fiera 2018 (Bologna). Nel 2019 viene invitata a tenere un workshop di alta formazione presso l’ISIA di Urbino. In occasione di Artissima 2019 presenta il libro d’artista edito da Danilo Montanari dal titolo Tutto procede con un tempo fortissimo, affiancata da Lorenzo Balbi, autore del testo critico che accompagna il lavoro.
immagini: (cover 1-3-4) LabsGallery, GiuliaMarchi, photo: Carlo Favero (2) Giulia Marchi, «Tutto procede con un tempo fortissimo», 2019 (5) Giulia Marchi, «La natura dello spazio logico», 2020
L'articolo Giulia Marchi – La natura dello spazio logico proviene da Arshake.
deadline
20 Nov 2020
28.10.2020
Artists of any nationality or creative discipline are invited to submit a project proposal involving research and production phases during a two-month residency at CERN, the European Laboratory for Particle Physics in Geneva. The artist will also have the opportunity to expand their research and test its applications during a one-month residency in Barcelona. Individuals and collectives may apply for the residency, which will take place in 2021. Deadline: 7 December 2020.
28.10.2020
Akademie Schloss Solitude’s Call for Web Residencies No. 14 will be curated by artist and musician Johanna Hedva. Moving away from all-encompassing dystopian future scenarios, ‘Post-Doom’ explores how the perception of a lost present is inscribed in and reproduced in our everyday experiential spaces. Four proposals (in various online formats) will be selected for a four-week virtual residency. Deadline: 15 November 2020.
28.10.2020
The All-Around Culture Programme aims to foster a vital cultural ecosystem as an enabling environment for social and economic inclusion of young people in seven countries across the Arab region including Algeria, Egypt, Jordan, Lebanon, Morocco, Palestine, Tunisia, and Libyan and Syrian communities in these countries. The programme currently has two open calls – for Youth-led Initiatives and Cultural Alliances. Deadlines: 25 December 2020 & 7 January 2021.
28.10.2020
CreArt – the Network of Cities for Artistic Creation is inviting invites three visual artists from the CreArt Network to work for one month 1-30 April 2021 at Atelierhaus Salzamt in Linz, Austria. Only local artists born or resident in the following CreArt cities are eligible to apply: Valladolid, Spain; Clermont – Ferrand, France; Lublin, Poland; Skopje, Macedonia, Liverpool, UK, and HDLU members/Zagreb, Croatia. Deadline: 6 December 2020.
Realizzate tutte orientativamente tra il 2010 e il primo semestre del 2020, le opere presentate da Nicola Maria Martino in questa sua nuova personale dedicata al silenzio del Mare di Levante e a un senso di nostalgia che è possibile percepire come ungarettiana allegria, tracciano un itinerario visivo in cui i colori si mostrano croccanti, aderenti a una visione mentale della pittura intesa come scavo e conquista, come ritrovamento. Angoli di colore – forse aquiloni – a margine di ampi riquadri rossi e verdi e blu, gelati adagiati a prendere il sole, isole dimenticate e torri solitarie, barchette policrome e aeroplanini che ricordano la storia del piccolo principe di Antoine de Saint-Exupéry, aprono a un mondo metafisico e fiabesco (chiara in un’opera la citazione al de Chirico dei ritorni di Ulisse), irresistibilmente impenetrabile, che fa i conti con il ripostiglio della memoria, con il sogno ad occhi aperti e senza fili della pittura, con la carovana del tempo dove è possibile scorgere gli incanti di un bambino (non c’è mai figura umana in questi lavori, anche se se ne percepisce la traccia) che sogna ancora di essere trascinato dalle nuvole o anche le promesse di meraviglie future arate dalla dolcezza della malinconia. Un polittico composto da sei moduli verticali (80x20cm), dove tutto è cancellato, spazzato via dalla mano lunga dell’artista, e non resta altro che una scala musicale di colori. Ad aprire il percorso è un testo (riportato di seguito integralmente) scritto appositamente dall’artista in occasione della mostra. (dal comunicato stampa)
«Aeroplani nel cielo terso raccontano di acrobati sull’aria dello Ionio, arrivano da Levante, portano suoni d’arpa, sanno di Odisseo e di antichi guerrieri macedoni. L’acqua sciapa del lago intorno a rovi di gelso rubini... Ritorno a casa tardi. Portami un fiore, portami l’ombrello, portami ancora storie. Ti offrirò del vino di Tikves e penserò a colori nuovi. Azzurri e rossi, rosa, stormi silenti. Cadeva una goccia sul pruno. Un caldo mattino giocammo seguendo la marcia dei tamburi… mi nascosi tra i fiori gialli, all’alba ci aspettavano al porto di Vlora con abiti scuri… parlavano in lingua straniera. E di lì raggiungere Ocrida, e poi riposerai. Ci offrivano piatti di Koran. Suoni orientali, arpe e mandole gareggiano nel vento e si festeggia. Si celebrano il pesco fiorito e i freschi fiori d’aprile. Con te imparerò a danzare, insieme, nel colore». Nicola Maria Martino (12 settembre 2020).
Nicola Maria Martino. Mare di Levante, a cura di Nicolas Martino e Antonello Tolve Fondazione Filiberto e Bianca Menna, Roma, 31.10. 2020 – 15.01. 2021 (ingresso solo su prenotazione 5 persone per volta | per prenotare scrivere a antonello.tolve@icloud.com)
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FRAME punta i riflettori su GANksy, artista nato nella cloud nel settembre 2020 da una intelligenza artificiale addestrata con centinaia di immagini che ritraggono i lavori di uno degli street artist più popolari al mondo.
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deadline
15 Nov 2020
Node Center for Curatorial Studies Berlin
COURSE DESCRIPTION: The term 'Art-Science' is currently a hyping topic in contemporary art, and is capturing the attention of a growing number of...
Curating.org
The Three P's- Participatory, Performative, and Political PracticesLecturer: Maayan SheleffCourse dates: Sunday, 8 Nov + Sunday, 15 Nov 2020, each...
The Crit Lab AltMFA, a virtual 4-day intensive of visiting artist lectures, interactive virtual collaborations, and faculty-led group critique
Deadline: Nov 12.
This is a tuition-based residency program.
The Crit Lab, based in New York, is excited to announce the first Crit Lab AltMFA, November 12-15, a virtual 4-day intensive of visiting artist lectures, interactive virtual collaborations, and faculty-led group critique. Building on the language and rigor of the Crit Lab, AltMFA expands this critical community of noteworthy contemporary art topics and discourses. AltMFA is designed for working artists at every level and background, with or without a degree, who are serious about their work; artists hungry for critique and lively, in-depth discussion with insightful, sensitive faculty. The Crit Lab AltMFA is a space for working artists outside academia to come together in radical optimism and rigorous dialogue, in an act of hope over destruction.
The full, four-day experience is built to be intense, cumulative and immersive. You will have exclusive access to all of the programming and content of the weekend; you will also, and perhaps more importantly, undergo an experience akin to a residency. The sustained contact of artists thinking and creating together over time generates unexpected connections where new ideas are born and flourish. This magic links us as a community and nurtures our individual practice.
AltMFA Faculty: Founder Patricia Miranda & Co-Director Gaby Collins-Fernandez.
Jonathan Van Dyke, Nicole Archer, Caroline Wells Chandler, Meena Hasan, Shervone Neckles, Chris Kaczmarek, Jason Stopa, Andrea Kantrowitx, Angie Brew, Lucinda Bliss, Amy Theiss Giese.
AltMFA image Alexandra Rutsch Brock
Info and registration at www.thecritlab.com
email: info@thecritlab.com
VIDEO POST rilancia (Con)fabulation di La Trottier Dance, una performance, soprattutto, un ri-allestimento del palco che risponde a questa nuova situazione di isolamento pandemico. L’arrangiamento sperimentale fa in modo tale, infatti, da creare vicinanza e separazione allo stesso tempo fra il pubblico e l’artista.
La Trottier Dance, (Con)fabulation, Premiere al Festival Schwindelfrei, 2 giugno, 2020 Credits: Direction & Choreography: Éric Trottier |Dance: Georgia Begbie, Lisa Bless, Laura Börtlein, Franziska Schmitz | Costume: Melanie Riester | Design: Éric Trottier, Stefan Grießhaber | Music: Peter Hinz, Steffen Dix |L'articolo VIDEO POST > (Con)fabulation proviene da Arshake.
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08 Nov 2020
23.10.2020
Le·la Responsable de la programmation culturelle est chargé·e de la conception globale de la programmation et de la mise en œuvre des événements, en phase avec le projet d’établissement et la mission de la Cité internationale des arts. La programmation doit à la fois être le reflet de la variété des pratiques et des profils d’artistes accueillis en résidence, tout en donnant à voir les axes stratégiques de l’établissement. Date limite : 15 novembre 2020.
23.10.2020
Enoa – the European Network of Opera Academies is organising an immersive residency programme offering support, mentorship and mobility for artists without significant opera experience. There are eight residencies with hosting institutions in six countries. The programme runs February 2021 - May 2022. Applicants should be experienced artists based in Europe who are highly interested in the development of opera creation / interdisciplinary musical and artistic forms but have no significant opera experience. Deadline: 27 November 2020.
23.10.2020
As part of Liberty UK Leicester, ArtReach will commission 5 artists to create imaginative and artistic installations with strong social messages in public toilet spaces across Leicester City Centre. This exhibition will take place 22 February – 29 March 2021 and is part of an international collaboration, Accessible Art for All. Artists will also be required to deliver a series of online or live workshops in advance of the exhibition. Applicants can be individuals or collectives but must be resident and have the right to work in the UK or another European country. Deadline: 9 November 2020.
23.10.2020
In 2021/2022, the Textile Center in Blönduós, Iceland will award two textile artists based in the Nordic-Baltic region with a two-month scholarship to develop and present new work in Iceland, lead a community workshop, connect to international networks and gain insight into Icelandic textile tradition and innovation. One residency will take place January - December 2021 (June excepted), and the other in early 2022. Deadline: 31 October 2020.
23.10.2020
The Cultura en Vena Foundation in Spain has launched Emergency Culture, a call for young European creators working in visual arts and literature. The programme aims to stimulate artistic creation that affirms the social and transformative role of culture in the field of health and well-being. After an open call for proposals on social media, the selected works will be exhibited in hospitals of the Spanish public healthcare system. The call is open to visual artists, writers, poets and creators living in Europe. Candidates must be between 18 and 35 years old. Deadline (extended): 11 November 2020.
Il film A view from the cliff comincia con il suono delle onde del mare. Subito irrompono il cielo azzurro e la splendida scogliera di Etrat scaldata dal sole. Ci troviamo in Normandia, nella costa d’Alabastro, la camera della giovane artista svizzera Anouk Chambaz fa scendere lo sguardo vertiginosamente dall’alto in basso per farci osservare minuziosamente le sedimentazioni di gesso turoninano delle alte scogliere che hanno ispirato da sempre numerosi artisti.
Come in una fiaba, un’intensa voce di donna, che sembra venire da lontano, racconta una storia di regni scomparsi, buchi, crepe, microalghe, dinosauri, impressi nella roccia. Il tempo erode la nostra storia ma è alla Terra e alle rovine che racchiude in se stessa che chiediamo da sempre quello che siamo stati. Dopo essere stati guidati in questo spazio di natura incantevole al quarto minuto si palesano le presenze umane. Eccoci qui con le nostre mille attività di bagnanti, turisti, fotografi, creatori di post su instagram, surfisti, pescatori, ognuno a suo modo ha la necessità di interagire con questo spazio meraviglioso che sembra sia offerto alle proprie mani di homo faber per manipolarlo, incontrarlo, intervenire per esaudire tutte le voglie.
Nel video ritorna spesso l’immagine di un laser rosso che sembrerebbe indicare la tecnica, la necessità umana di studiare, analizzare, capire i misteri della Terra. La musica della banda nel giorno della commemorazione del paese francese alla presa della Bastiglia, i suoni degli scoppi dei fuochi d’artificio, le giostre, la vista della città, rimarcano ancora l’intervento umano nella Natura.
Da contraltare a queste immagini, ci sono quelle buffe dei gabbiani che si aggirano camminando tra le colorate automobili e che volano nel cielo, quelle poetiche del mare e ancora quelle che si soffermano sulle forme delle rocce scolpite dal tempo e dall’acqua. La musica e i suoni delle onde, delle comitive di uccelli, creano nel video una distanza che, come osservatori umani, ci fa sentire infinitamente piccoli. Questa sensazione è rafforzata da una voce umana che dice che ci sono otto possibilità su dieci che l’umanità continui ad esistere nei prossimi cinquecento anni e che la civiltà industriale come la conosciamo oggi non ha alcuna possibilità di sopravvivere se non si trasforma. Un volto di bambina preoccupata o sofferente colpisce lo spettatore, come se volesse comunicare un messaggio apocalittico che ha sentito e non fosse capace di custodirlo per la sua gravità.
– Che cosa resterà della traccia geologica dell’uomo – sussurra la voce narrante e un cartello indica – PERICOLO DI SMOTTAMENTI – PRESERVARE LA VITA. Come scrive nel saggio Astrologia del futuro il filosofo Emanuele Coccia: «Per secoli abbiamo considerato la Terra come un puro effetto, un mero deposito cosmico di tutto quello che è accaduto altrove, il garage dei ferrivecchi dell’universo umano e non-umano.Una massa di rovine. Per secoli, e per ragioni difficili da capire, siamo stati vittime di questo strano errore di parallasse. Abbiamo proiettato e rimosso il futuro in uno spazio sideralmente lontano da noi e dalle nostre vite. Abbiamo fatto della Terra dello spazio che ci accoglie, che ci nutre, che ci genera (perché non siamo altro che una variazione sul tema della sua stessa materia) un’immensa pattumiera archeologica che ci impedisce persino di riconoscere e vivere il presente».
Con questi giochi di riflessi, luce, buio, solido, liquido, colori caldi, freddi, animali, uomini, Anouk Chambaz propone poeticamente il tema a lei molto caro del rapporto Uomo – Natura e del posizionamento dell’essere umano nei confronti dell’ambiente. Il film solleva diversi interrogativi proponendo uno sguardo decentrato, per cui sarebbe troppo antropocentrico pensare al mondo che scompare senza l’uomo. L’artista, “bussa alla porta” delle pietre, cerca di instaurare una conversazione col mondo minerale per rivelarci quanto in fondo sia più vicino a noi di quanto non si possa neanche immaginare…
La mostra si arricchisce di una pubblicazione trilingue con tre interviste a Fabien d’Hondt, Docente di neuroscienze presso la facoltà di medicina di Lille, Gérard Sinclair, Phd in filosofia contemporanea all’Università di Losanna, Jeremy Young, Professore Associato all’Università di Londra e Presidente dell’Associazione Internazionale di Nannoplankton.
Anouk Chambaz, A view from the cliff, Spazio Baleno, Roma, 27.09 – 01.11.2020immagini: (all) Anouk Chambaz, «A view from the cliff», Spazio Baleno, Roma, exhibition view, foto Roberto Apa
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tranzit.sk
Nomeda & Gediminas Urbonas: Swamp IntelligenceCurated by: Lýdia PribišováToday, revalorising the swamp over solid ground as well as exploring...
deadline
25 Oct 2020
Call for Entries - All media eligible
Deadline: November 17, 2020
Application Fee: $40 for 10 images
The Hopper Prize is now accepting entries for our Fall 2020 artist grants. We are offering 5 grants in the amount of $1,000 USD awarded through an open call art competition juried by leading contemporary curators.
The Hopper Prize was established in order to increase the recognition of artwork created by artists and photographers. Our aim is to advance artists' careers by providing them with unrestricted financial support that is coupled with a platform for increased visibility. We accept submissions twice a year via an open call.
We are currently accepting submissions for the Fall 2020 grant cycle.
Program Highlights
Total Awards: $5,000.00 USD for visual artists
We collaborate with contemporary curators holding prominent positions at major institutions in order to select our grant winners. Our open call provides you with a direct path to get your work in front of these forward thinking exhibition makers. Jurors for the Fall 2020 awards are:
Christine Koppes
Curator & Director of Public Programs
San Jose Institute of Contemporary Art
&
Jade Powers
Assistant Curator
Kemper Museum of Contemporary Art
Our jurors will be selecting 5 artists from our open call who will each receive $1,000. The jurors will also select a shortlist of 30 artists who will have their work archived at hopperprize.org.
Grant awards are unrestricted and may be used any way the recipients choose.
When submitting your work, you will have the option to opt-in to be considered for possible Instagram features on our feed @hopperprize, where we currently reach an audience of over 46K. Our editors will be featuring select submissions on a rolling basis prior to the application deadline.
In addition to grant awards, our shortlist, and Instagram reach, we will be providing an additional platform for exposure via our online Journal Insights Into Contemporary Art. We launched this digital publication to give artists a new channel to amplify their voice while providing an in-depth look at their work, practice, and background. Grant recipients and shortlisted artists will all receive the opportunity to publish an interview to include any work of their choosing as a means of providing continued support beyond the open call.
Eligibility
The Hopper Prize is open to all artists age 18 and older working in any media. There are no restrictions on genre, subject matter, or media. We welcome entries in all media.
We are committed to supporting artists from diverse cultural backgrounds at all stages of their professional careers. All artists are encouraged to apply.
We support artists working in all media, from diverse backgrounds, in wide-ranging geographic locations. Recent grant winners include:
Deadline
November 17, 2020
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La piattaforma E-flux presenta il quinto appuntamento di Ecology After Nature: Industries, Communities and Environmental Memory, una serie di film, a cura di Lukas Brasikis, che, attraverso il lavoro di 22 artisti, esplora il rapporto uomo – natura, specialmente nel suo intrecciarsi nelle nuove ecologie post umane.
In un tempo «after nature», nuovi rendering dell’immagine della natura hanno molto più significato di quanto non si possa immaginare, come sostiene lo storico dell’arte e critico T.J. Demos. Come sottolinea Demos, la visualizzazione spettacolare della natura nell’epoca dell’Antropocene lavora ideologicamente a supporto della finanzializzazione neoliberale della natura, un’economia politica antropocentrica, un sostegno alla geo ingegneria come metodo prediletto – e con tutta probabilità catastrofico – come approccio al cambiamento climatico. Invoca quindi uno sguardo critico, e lo sviluppo di alternative creative della rappresentazione della natura.
Dopo aver indagato diversi aspetti legati al rapporto uomo –natura, in ultimo la Terra, questa rassegna arriva ndagare una varietà di sistemi di estrazione, in particolare quelli che si riferiscono alla creazione di economia virtuale, in gergo informativo definiti come data mining.
In The Harvest (2019) di Misho Antazde i riflettori sono puntanti sulla Georgia, seconda esportatrice di Bitcoins nel mondo. Kakheti è conosciuta per produrre vino, frutta, carne e ora anche criptovaluta. L’ecologia post-nature è ora rivelata attraverso una delle attività di maggior consumo energetico e inquinamento, quella legata alle tecnologie Blochain che producono criptovaluta. L’attività del computer che, per creare moneta e guadagnare, deve compiere una serie di operazioni matematiche, ha un consumo di energia straordinario. Nell’esplorare questa attività in una regione dove il data mining coesiste con la tradizionale attività agricola, il conflitto emerge con forza ancora più grande.
Se l’occhio e il ritmo di The Harvest sembra avvicinarsi a quello del cinema documentaristico, con grande attenzione anche al dettaglio e alle singole inquadrature, quello di The Flood (2018-19) accelera ad un ritmo molto diverso che oscilla continuamente tra immagini riprese da grandi miniere di cripto-valuta in Estonia e quella di misura più ridotta e immagini 3D che a volte si sovrappongono a queste e che richiamano l’impiego originale delle graphic cards per criptare e decriptare transazioni monetarie.
Nell’indagine tra uomo e natura, per indicare l’ecologia in una contrapposizione ormai già da tempo obsolete, le tecnologie Blockchain giocano un ruolo tanto invisibile quanto incisivo. Se ne parla infatti come argomenti di discussione legati al futuro, soprattutto relegati in un angolo dell’Universo. Film, video e discussioni ne rivelano tutti quegli aspetti che chiamano piuttosto a considerarli al centro dell’universo e strettamente intersecati con l’ecologia tutta di un’era che ancora dobbiamo mettere a fuoco.
Ecology After Nature: Industries, Communities, and Environmental Memoryimmagini: (cover 1-2) Misho Antadze, «The Harvest», 2019 (3-4) Ivar Veermäe, «The Flood», 2018-2019
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deadline
15 Nov 2020
20.10.2020
Amant’s NYC Residency Programme enables practitioners to pursue their individual artistic goals while also being closely integrated into the organisation’s wider community programming during a three-month stay in New York City. The residency welcomes applications from around the world from both emerging artists and from artists with professional standing in their field. Deadline: 18 December 2020.
Node Center for Curatorial Studies Berlin
COURSE DESCRIPTION: *This course offers University credits. n this Course we delve into experimental and hybrid forms of writing and art criticism....
Nel settembre 2020, i video artisti Francesca Leoni e Davide Mastrangelo compivano un atto di coraggio. Davano avvio alla quinta edizione del loro Festival, «Ibrida», che nella cornice della storica Forlì, e in posti dislocati d’eccezione della città, in questi anni ha portato assieme opere, artisti, critici, ricercatori e giornalisti che si interessano a video arte, performance e musica in un’ottica transdisciplinare. Hanno adattato il format alla situazione attuale, quella di una pandemia globale in corso; hanno incluso un’estensione online e non hanno rinunciato a ciò che fin dall’inizio ha costituito lo spirito del festival e degli organizzatori: la presenza, il contatto, lo scambio, il dialogo. Questo comporta molte restrizioni e anche molti rischi, in particolare nella formula di un Festival generalmente destinato ad una fruizione libera, informale e fluida.
Negli spazi, e streaming online, si è discusso di molte cose. Soprattutto di video arte, della sua autonomia come genere artistico e della sua ibridazione nel convergere al suo interno diverse discipline, come sottolinea Piero Deggiovanni, contributor critico del Festival, nella sua Antologia critica della video arte italiana 2010 – 2020 (Kaplan, 2019) e nelle discussioni che si sono animate attorno alla presentazione del libro.
Molto di ciò che appartiene alla quotidianità, dopo l’esperienza del lockdown, si è rivelato straordinario. Straordinario è stato questo ‘atto di forza’ nel voler andare avanti, pur avendo tutti gli strumenti per traslocare l’intero Festival online. Questo ci ha restituito una lezione che va oltre il tempo dell’evento e ha lasciato un segno. A luci spente, la visione dei lavori video di Francesca Leone e Davide Mastrangelo è rimasta magicamente legata al loro modo di muoversi e di porsi all’interno del Festival.
In quei giorni, tutta la loro ricerca che attraverso le video performance indaga identità, corpo, immagine, maschera, attraverso la tensione dei corpi, la passione, il conflitto, l’incontro, lo scontro, non solo tra loro ma anche con il ‘corpo video’ e con la sua elasticità, sembrava essere uscita dallo schermo per tradursi in altre energie, quelle che si intrecciano tra persone, interessi e professioni.
In quel frangente, Francesca e Davide sembrano aver lasciato i loro corpi, le loro identità che li riconoscono come artisti (non solo non includono i loro lavori ma non ne parlano affatto). Piuttosto, hanno aperto il sipario su un lavoro relazionale che vede protagonisti gli altri favorendo scambio, dialogo e costruzione di pensiero. Alla luce del poi, è stato più facile mettere a fuoco la percezione emotiva dello sforzo dei loro corpi e della loro personalità nel destreggiarsi all’interno di uno spazio, quello creato dalle misure di sicurezza da adottare per la pandemia, che può diventare molto stretto nell’ambiente più ampio, come quello dell’Arena San Domenico.
Il loro lavoro creativo evidentemente non prescinde una cosa dall’altra, non riesce a vivere unicamente contenuto all’interno dello schermo, anche in questo senso è ibrido. Forse è per questo che, quando il momento lo ha richiesto, la necessità di andare avanti è stata più forte. A quel punto, corpi e spiriti creativi sono riusciti a muoversi come contorsionisti all’interno di una situazione stretta, quella che ha colto il mondo di sorpresa. Così facendo, l’energia prodotta si è moltiplicata anche nella cerchia di un numero di persone certamente molto più ristretta rispetto alla norma, ha circolato con un flusso molto più potente e sarà ricordata nel tempo. Noi immaginiamo tutto questo nuovamente metabolizzato ed elaborato nel loro lavoro a venire, fino a quando i loro corpi non usciranno nuovamente dalla dimensione dello schermo per generare e confluire in nuove energie.
Vedi anche Francesca Leoni e Davide Mastrangelo | intervista, pubblicato su Arshake il 09.09.2020immagini: (cover 1) Arena Musei San Domenico di Forlì, Ibrida Festival 2020 (2) Caterina Palazzi & Kanaka – Ibrida Festival 2020 (3) Salvatore Insana – Ibrida Festival 2020 (4) Enrico Malatesta – ARCHIVE WORKS – Ibrida Festival 2020
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Deadline:
Call for entries
Berlin Critics’ Week 2021: Call for Conference Proposals
1st November 2020
Date
February 10, Berlin
For the past four years, the Critics’ Week has begun with a kick-off conference taking place on the first day at various locations allowing for detailed debates on urgent questions of film culture. So far, the focus of this format has been on German cinema, political film, the philosophy of audience concepts, Christoph Schlingensief’s artistic practice and cinema as a pluralistic space of discourse.
In the opening conference of the upcoming edition of Berlin Critics’ Week, we will concentrate on a concept which provokes discussion through its complexity: The German term of “Konsequenz” – which simultaneously translates as coherence/consequence – is at the heart of the event and becomes a film-critical tool. What can it mean to act artistically and politically in awareness of the consequences of one’s own actions? Does a stronger sense of solidarity within the film industry naturally follow from the Corona crisis and is solidarity a question of attitudes or interests? Can and do artists want to understand the consequences of their work? What does a coherent aesthetic look like and what does coherent art have to do with political convictions? Can art be autonomous? And isn’t it exactly the freedom of art to defend the accidental and playful? We will consider submissions until 1 November. Further informations here: [wochederkritik.de]
No entry Fee
More details
http://wochederkritik.de/en_US/critics-week-2021-call-for-proposals/
Deadline: 25 October
Call for entries
Berlin Critics’ Week 2021 – Call for Films
Dates & location of event context
February 10 – 18, 2021
Berlin / Hackesche Höfe Kino
The Berlin Critics’ Week presents seven evenings of film screenings with debates and an opening conference during the time of Berlinale, one of the largest film festivals in the world. Every year we are looking for the most stimulating new perspectives of filmmaking to foster interdisciplinary conversations on the present and future of cinema from aesthetic and political perspectives. The films we show are curated by an international committee of film critics which changes annually. The 7th edition of the Critics’ Week will be held from February 10-18, 2021. For the first time we are officially accepting a limited number of film submissions, which will be considered for inclusion in the program alongside the curated selection, in order to expand the scope of the selection and explore current tendencies within filmmaking more deeply. We are looking forward to consider your work! In case you would like to submit a film, please fill out the form:
[wochederkritik.de]
No entry Fee
More details
[wochederkritik.de]
Deadlione: 30 November 2020
Call for entries
The Right to a Future: Fighting Climate Change Music Video
Dates & location of event context:
March 2021 on VEVO YouTube, Amazon, Apple Music, Vimeo and Tidal
No entry Fee
Call for Videos: The Right to a Future: Fighting Climate Change Music Video
Sea levels are rising! Ice sheets are melting faster than ever! There are too many greenhouse gases! The Earth is on fire! Global temperatures are increasing rapidly! Weather patterns are out of control! Forests are being destructed! Animals are dying! People are dying!
What does the future hold? What will life be like for our young people, our communities and future generations? Will there even be a future? And if so, what kind of future will it be?
The year 2020 saw continued tremendous change with youth activists, school pupils and communities coming together across the planet to protest against the lack of climate leadership from world leaders and to underscore the sense of urgency of the severe climate crisis we are facing.
And this youth movement must continue in 2021 and beyond to keep pressure on all world leaders that can help reverse the detrimental effects of climate change.
New York City and Berlin-based record label BB3 Dynamics Records (www.BB3Dynamics.com) is going to create an educational music video called “The Right to a Future” to the accompanying music written by Berlin-based composer Bates Belk (www.BatesBelk.com) which is aimed at helping raise awareness and educating current and future generations about the importance of protecting the Earth’s environment now and in the future. To help us create “The Right to a Future” music video, we are asking people of all ages and languages from across the planet to send us their own videos of anything that they have filmed and recorded that shows their contribution and views on the importance of helping protect the Earth’s environment. Examples of videos that can be sent for this music video to help educate and raise awareness can be filmed recordings from people in countries all over the world of:
–powerful and emotional images filmed by you from climate strike protests
–active destruction images filmed by you of human beings destroying forests and oceans
–Factories emitting chemicals, smoke, toxic waste in the air and on the ground
–people enjoying parks, gardens, forests, mountains, beaches, lakes, oceans, deserts, farms, their own backyards
–people coming together to help save plants, land and animals from human destruction
–anything you have personally experienced and filmed wherever you are in the world that you feel demonstrates your part in climate protection no matter how big or small
–abstract and realistic visual art (photography, watercolor paintings, oil paintings, drawings etc.) created by you that reflects your climate protection vision and message
There is no right or wrong video to enter for this. It is your viewpoint wherever you are on the planet with whatever you have recorded and filmed. It is your experience and we want to share your unique experience, creativity views and visions in the music video that will then be distributed globally. You can be as creative and “out-of-the-box” as you want! We want you to! Do not hold back! Go for it!
Videos that get selected will then be edited together in Berlin, Germany to the song “The Right to a Future” written specifically for this project by composer Bates Belk that you can hear here [https:] with the goal of raising awareness and educating current and future generations about the importance of protecting the Earth’s environment. You have a message and we want to share your message! We want you to be part of this!
The final music video in early 2021 will then be:
–globally distributed via VEVO YouTube, Amazon, Apple Music, Vimeo and Tidal with much coverage in Europe, North America, Australia and Asia
–have specific distribution in Africa and South America
–sent to classrooms and educational facilities in countries and communities across the planet for inclusion in future environmental protection lessons for our youth
***Conditions of Submission of Your Video***
–Deadline for submission is 30 November 2020.
–There is NO entry fee.
–Videos can be any length you so choose…however just know that we will be editing many videos down to fit a short timeline for a cohesive storyline with the accompanying Bates Belk music. So, any video filmed by you between .10 seconds and 2 or 3 minutes should be fine. Again, any video that gets sent in will be edited down to fit the music and other videos sent in.
–If your video is selected, you will have your name in the “credits” section at the end of the video.
–There is a “Video Release Form” that you need to fill out and sign here. This is to ensure that BB3 Dynamics Records has the formal approval by you to use your video in “The Right to a Future” music video, but please note that you still own your video and that you may still use your video you have recorded and sent to BB3 Dynamics Records for other projects you so choose. The video you send in is a “non-exclusive” right and you still own your video.
–We will let you know in December 2020 if your video has been selected and will share the final edited music video with you in early 2021.
–Send (1) your video and (2) the filled out and signed “Video Release Form” to bb3dynamics@gmail.com
Entry page
[https:]]
deadline
01 Nov 2020
19.10.2020
Invisible Lines is an international project on comics, graphic novels and illustrations. Young European artists (18-30 years old) are invited to apply to attend three workshops which will take place between May and July 2021 in Venice (Italy), Strasbourg (France) and Tábor (Czech Republic). The artworks created during the three workshops will be featured in public exhibitions throughout Europe between 2021 and 2022, and a selection will be included in a book to be published. Deadline: 10 December 2020.
19.10.2020
Organised by Qendra Multimedia in Prishtina, Kosovo, ‘Analytic’ is a five-day theatre criticism workshop that will take place 27-31 October 2020. Participants will be invited to watch the performances over the course of the Kosovo Theatre Showcase and to produce written responses to the work they see. The call is open to applicants from Kosovo, Albania, Montenegro, Serbia and Macedonia. Deadline: 25 October 2020.
19.10.2020
The 2021 edition of the EIB Institute's Artists Development Programme (ADP) is looking for one visual artist (born after 1 January 1986) from Croatia, Cyprus, Estonia, Hungary, Latvia, Malta, Poland or Romania. The ADP offers emerging European visual artists a 6-8 week residency in Luxembourg, which will take place between early May and end of June 2021. Deadline: 10 January 2021.
19.10.2020
Connections Through Culture (CTC) is an arts grants programme run by the British Council in the UK and East Asia. For the 2020-2021 part of the programme, they will be supporting online collaboration projects between Southeast Asia and the UK. In October 2020 they will be accepting applications for Connections Through Culture UK-Southeast Asia Online Grants. Projects will need to be completed between January to June 2021. Deadline: 8 November 2020.
19.10.2020
The International Association of Puppet-Friendly Cities (AVIAMA) gathers cities and local governments of the world around puppetry to create a real network of cooperation and exchange. Their grant programme helps to support cooperation projects, with cost of travel generally an important part of the support: the main purpose of the grants is to assist in travel and stays at AVIAMA member cities. Deadline: 11 January 2021.
19.10.2020
The job announcement is in Dutch because the applicants shall speak and communicate in Dutch. DutchCulture is a member of On the Move and part of the Mobility Info Points. Deadline: 25 October 2020.
FRAME cattura un’opera di Zineb Sedira, artista franco-algerina che dedica il suo lavoro a questioni politiche, in relazione al ruolo della donna nella cultura araba e, in generale, alla relazione dell’uomo con la geografia. Da fotografia e video, la sua ricerca si è espressa anche attraverso installazioni dove la forza del suo messaggio emerge sulla superficie della materia e nel titolo che lo completa: Walk the Line.
Zineb Sedira, Walk the Line, 2018, installazione, SAF Art Spaces, Sharjah, immagine via
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VIDEO POST rilancia la documentazione di Black Flags, coreografia di oggetti realizzata del celebre danzatore e coreografo statunitense William Forsythe. La coreografia è orchestrata da due braccia robotiche che sventolano delle bandiere con movimenti guidati da un algoritmo che, nel movimento, sintetizza controllo e imprevedibilità in un sottile gioco tra oggetto e spazio. Questo lavoro, realizzato alla Kunsthalle im Lipsiusbau nel 2014, è parte di una serie di choreographic objects, termine che Forsythe intende come «strumento categorizzante che aiuta ad identificare luoghi dove localizzare la comprensione della potenziale organizzazione e istigazione della conoscenza basata sull’azione». (William Forsythe, tradotto dall’inglese)
William Forsythe, Black Flags, Kunsthalle im Lipsiusbau, 26 novembre, 2014, robots, bandiere, Courtesy of the artist. Credits. Programmazione: Sven Thöne | Realizzazione tecnica: Max Schubert | Produzione: Julian Gabriel Richter | In collaborazione con Staatliche Kunstsammlungen Dresden, SKD Mit freundlicher Unterstützung von KUKA Roboter
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Deadline: 30 April 2021
Call for entries
LATERALE FILM FESTIVAL 2021
Deadline: 30/04/2021
Dates: September 27-28-29th 2021
Entry Fee: Yes
Conditions
1) Shorts of all genres, styles and narrative forms are allowed, realised from January 1st 2019.
2) The short films must have a maximum length of 20 minutes (with credits).
3) The films can be exclusively submitted by using Filmfreeway.
4) Three different deadlines are provided:
Inaugural Deadline (from October 12th to November 12th 2020): € 8,00
Earlybird Deadline (from November 13th to December 13th 2020): € 9,00
Regular Deadline (from December 14th 2020 to April 30th 2021): € 10,00
5) In no case the registration fee can be paid back; it has to be considered a contribution to Associazione Culturale Laterale for the realization of the event.
6) The works’ selection will be curated by the festival artistic direction and will have to remain confidential until the announcement of the programme.
7) Once selected, the short films cannot be withdrawn from the festival.
8) Some of the selected workframes might be used for promotional purposes of the festival.
9) The selected shorts will join the archive of Laterale Film Festival. The organisers commit themselves to use the films only for cultural purposes. Therefore, the works won’t be commercially exploited, to protect the interests of the authors and of the production.
10) The festival’s direction reserves the right to include in the Lateral Selection those films that slightly exceed the scheduled time limits but that can be considered significant for artistic values.
11) The participation to the festival implies the total acceptance of the present regulation. The artistic direction has the final judgement on controversial cases.
Entry form
[https:]]
Website: [https:]]
FB: [https:]]
Instagram: [https:]]
Twitter: [https:]]
Email: lateralefilmfestival@gmail.com
17.10.2020
culture360.ASEF.org is an online platform offering up-to-date information on arts, culture & heritage from 51 countries in Asia & Europe. It is a website for artists, cultural professionals, policy makers and anyone interested in international cultural co-operation. The call for articles particularly focused on artists' residencies, arts and disabilities and funding in the arts in times of pandemic. Deadline: 5 November 2020.
Online Course at ECC Performance Art
'Performance Art and Feminisms' - Online Course at ECC Performance Artwith Marissa VigneaultThis course addresses feminist performance art through...
Identifico le rovine come i luoghi cardine per ricercare nuovi metodi dell’abitare e nuove modalità di narrazione della vita. Spazi decentralizzati privi di confini e in cui l’abbandono ha annullato ogni loro appartenenza trasformandoli in spazi di costruzione attiva dove diversi organismi intervengono ponendo in dialogo i propri metodi costruttivi e abitativi. La mia ricerca muove verso queste riflessioni e si pone l’obiettivo di definire un immaginario pronto ad accogliere i nuovi miti del futuro.
Un alone iridescente per metà celava e per metà rivelava le mura cadenti affossate in un terricio rosso morbido e scosceso. Le superfici brillavano come rubini tempestati da massi bianchi e ciuffi erbosi, mentre gli anfratti ombreggiati aprivano voragini nere come pece. Culle di corpi inermi non ancora digeriti che lentamente scivolavano verso il basso abbandonando, pezzo dopo pezzo, la loro forma. Quelle voragini non avevano fondo, filtravano i rimasugli di vite finite abbandonandoli sulla terra come gocce brune. Cadevano dalle grinze di tronchi massici che svettavano a testa in giù strisciando come spire di serpente tra le dune di una terra arida. Foreste rade con alberi dalle chiome verde petrolio scivolavano senza sosta grattando la crosta di un mondo rumoroso. I frammenti della vita sottostante venivano inglobati da un ammasso mostruoso di organismi, mutevole nella forma, che avanzava passo dopo passo affondando sulla terra come unghie decomposte di un gigantesco cadavere. Una creatura plurima sulle cui superfici vorticavano ingranaggi intrappolati in trame miceliali, piante dalle cupole verdi e dai trochi grigi come il cemento disseminato sulla superficie del deserto rosso. Sulla terra argillosa e morbida, antica quanto il mondo, comparivano le impronte di animali fuggenti al riparo tra fronde d’erba e fili di rame.
Tutto girava, ogni parte di quell’organismo composito fioriva sulla cima e scivolava verso il basso per grattare e divorare la terra mentre questa lo consumava a sua volta. La vita si risolveva nel rovinare l’uno sull’altra.
Camilla Alberti
Camilla Alberti è nata a Milano nel 1994 dove vive e lavora. Instagram camilla__alberti
Young Italian Artists. Racconti dall’arte contemporanea
Progetto ideato da Antonello Tolve, curato con Elena Giulia Rossi
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deadline
05 Nov 2020
KIOSK
In her solo exhibition 'ringing critical forests' the artist Heide Hinrichs (°1976) presents a series of new sculptures, installations and works on...
15.10.2020
BETA CIRCUS aims to address new trends in contemporary circus and to offset the lack of opportunities for artists to get training at a high professional level. 12 participants will be selected for an international capacity building programme in new trends for circus arts, with a focus on new magic, to be promoted in between May 2021 and March 2022 with training weeks in Serbia, Italy, Portugal and Latvia. Deadline: 15 December 2020.
15.10.2020
Sonic Acts, an interdisciplinary arts organisation based in Amsterdam, invites you to apply for the OVEREXPOSED residency programme, investigating pollution as a global thread that affects everything living and non-living on the planet. The residency lasts for one continuous month and will take somewhere between December 2020 and May 2021. Applications are invited from artists and researchers active in the fields of environmental, blue, animal and energy humanities, discard studies, disaster studies, waste colonialism, health care studies, postcolonial studies, geopolitics, media and experimental arts, etc. Deadline: 1 November 2020.
Württembergischer Kunstverein Stuttgart
ACTUALLY, THE DEAD ARE NOT DEADUNA FORMA DE SERis based on and was produced in collaboration withBergen Assembly 2019CuratorsMaría García, Pedro G....
The MACTE Foundation is pleased to announce the Open Call for the 62nd edition of the Premio Termoli-Architecture and Design Section, applications can be sent until November 26, 2020. The purpose of the contest of the 62nd Premio Termoli–Architecture and Design Section is to design an urban bus stop shelter, meant for the city of Termoli.
The post OPEN CALL: Premio Termoli 62nd edition. Architecture and Design Section appeared first on Digicult | Digital Art, Design and Culture.
LUMI è il nuovo film di ZimmerFrei, prodotto da ON e realizzato grazie al sostegno dell’Italian Council (6a Edizione, 2019), programma di promozione dell’arte contemporanea italiana nel mondo della Direzione Generale Creatività Contemporanea del Ministero per i Beni e le Attività Culturali e per il Turismo. Sarà presentato a Bologna in forma di video installazione a cura di Martina Angelotti dal 6 al 18 ottobre 2020 all’interno di Palazzo Vizzani, sede dell’Associazione Alchemilla, nelle stesse sale che sono state scenario delle riprese.
LUMI fonda la sua ricerca artistica su recenti studi sociologici e antropologici, ma è ispirato soprattutto da persone reali incontrate da ZimmerFrei nel corso delle ultime peregrinazioni documentaristiche, che hanno portato alla nascita di un lavoro di fiction, o per meglio dire staged documentary, che registra la perdita di efficacia di una parola: l’ «identità» non è più intesa come una definizione univoca, ma piuttosto come un bisogno di riconoscimento, un intreccio di somiglianze e differenze.
Per la prima volta nella sua storia artistica, ZimmerFrei adotta la finzione e ricorre anche ad attori veri e propri per comporre una sequenza di tre capitoli, tre storie affettive apparentemente distinte, ambientate in un unico set: l’interno di un palazzo storico, un tempo residenza del cardinale Lambertini, che poi diventerà Benedetto XIV, il papa del Secolo dei Lumi.
A introdurre il viaggio sono Filmon e Stella, due studenti di origine eritrea che discorrono sul significato di «pensare gli altri» ed «essere visti», partendo dalla loro esperienza di non usare la vista come senso primario e di relazione, dato che il primo è cieco dall’età di undici anni e la seconda ipovedente. Lo spettatore non può vederli ma solo adottare il loro «punto di vista» per ascoltare con maggiore attenzione la loro conversazione inserita in un ambiente sonoro all’interno dello stesso spazio in cui ha avuto luogo. Attraverso questa immersione, si fa strada un pensiero semplice ma rivoluzionario: il corpo che siamo non può essere circoscritto alla sola egemonia del visuale. La seconda scena si apre con una visione dall’alto di un ambiente insieme spettrale e fiabesco in cui tre ragazzi, dopo essersi introdotti segretamente nel palazzo da un passaggio nascosto, bisbigliano sdraiati vicini, intrecciando distrattamente le punte dei piedi e delle mani. Mentre Yakub racconta a Bianca e Omar del suo viaggio dall’Africa verso l’Europa, dalle parole dei tre amici emerge il dubbio verso quelle convenzioni che ci separano dagli altri, verso la paura, il sentimento di difesa che ci impedisce di percepire differenze e somiglianze, intrappolandoci in paradigmi mentali inconsapevoli.
Mentre i tre ragazzi si addormentano sul pavimento della stanza, dall’altra parte del muro una donna si risveglia al fianco di un uomo: «Lui» è un maschio italiano bianco, intellettuale progressista, con una fascinazione per la pornografia; «Lei» è una donna italiana nera, militante femminista, anti razzista, anti colonialista. I due interpretano un dialogo scritto dal regista e drammaturgo teatrale Alessandro Berti in cui s’intrecciano i temi della pornografia, della rappresentazione del corpo dell’altro, del colore della pelle e del legame di coppia. Ci troviamo di fronte a una nuova forma di cecità, non più fisica ma altrettanto invalidante, che circoscrive il corpo a un linguaggio razziale, per poi smorzarsi nella tenerezza di due amanti che tornano a «vedersi», come corpi abitati da altri corpi.
immagini: (cover 1-2-3) ZimmerFrei – LUMI, 2020. Ph.Moira_Ricci (4) Riccardo Giacconi, OPTIONS
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14.10.2020
The GENDERhouse#2 Queer Arts Festival in Aarhus, Denmark is open for applications for full length performance works that either tackle themes of gender, sexuality or identity or that defy traditions, queer the borders of what performance is and can be, or have an artistic expression that stands out from the ‘artistic usual or genre normative’. Selected performances will be programmed as part of the festival between 24 September – 10 October 2021. You must be resident in Europe to apply. Deadline: 15 November 2020.
14.10.2020
Fabrik Burgdorf and the city of Burgdorf run an annual artist-in-residence programme. Each summer an artist – from Switzerland or abroad, no age limits – can spend 2 to 3 months at the Fabrik. The residency is mainly for visual artists, but artists from other (‘silent’) disciplines can also apply. Deadline: 29 November 2020.
14.10.2020
Jiwar is looking for artists’ VISA rejection experiences, specially Mediterranean artists rejected by European and Mediterranean countries. The collected data will be part of a digital review published in Catalan, Spanish and English devoted to the Mediterranean region. Revista Idees, 51. Deadline: 6 November 2020.
Take Control of your art career at Superfine!
Deadline: 01/01/2021
Application fee: none
“It's important for artists to get a real-world reaction to their work beyond family, friends, and the internet. Art fairs like Superfine! are essential sources of feedback for serious artists.”- Mamie Young, Exhibiting Artist
Superfine! is an artist driven fair, founded in 2015 that empowers electrifying artists to sell their art to interested buyers. Now is a great time to submit your art for a booth as we are bringing back our in-person fairs in 2021! We are busy implementing our Resilience Plan, to bring artists back to the marketplace.
Superfine! takes no commission on any artwork sold, either in person at the fair or via our online E-Fair. Make art. Sell art. We do the rest.
Booths & Pricing
With a range of options, you choose what works best for you and your art!
Booths range from 8 to 12 linear feet and are priced between $2,000 to $5,000.
Payment/Discount Options:
We offer a number of payment options and discounts to make bringing your art to the world as easy as possible! Inquire with our sales team about your options.
Safe + Socially Responsible Art Fairs in 2021
Superfine! is coming at you in 2021 with safety – and a better selling environment – in mind for our exhibiting artists. Here’s a few of the actions we are taking:
Testimonials
“Superfine is a unique place to sell art for individual artists. Their approach is unique and smart. That’s how I would like to approach people as an artist.”- Akane Ogura, Exhibiting Artist
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Lithuanian Art Gallerists' Association
If you weren't able to visit the contemporary art fair ArtVilnius'20 at LITEXPO last weekend, you will be able to do it virtually. The organizers...
Qualche mese fa, in pieno lockdown che tutti ricorderemo un giorno con i nostri figli o parenti o amici o conoscenti d’ogni sorta, ebbi l’imprudenza di scrivere una serie di piccoli racconti sull’arte contemporanea e, tra questi, un breve passatempo sulla fantomatica Galleria Buongiorno Arte Contemporanea che qualcuno, nella storiella, chiamava allegramente Galleria Belladinotte perché soltanto all’imbrunire si animava con spettacoli entusiasmanti.
Il piacere di scoprire che in provincia di Chieti dallo scorso 3 settembre il comune di Montebello Sul Sangro ha aperto i battenti al percorso Buonanotte Contemporanea (un «progetto inedito e interdisciplinare ideato da CASaA architetti», e cioè da Fabio Armillotta, Carmela Palmieri e N. Marco Santomauro) per tonificare, attraverso il presente dell’arte, un antico borgo che si chiama Buonanotte, antico nome appunto di Montebello Sul Sangro (si invita il lettore a scorrere per qualche minuto il sito web buonanottecontemporanea.com), mi lascia ancora un po’ incredulo e sorridente, nonostante sia andato di persona a guardare, in compagnia della curatrice Maria Letizia Paiato e dell’ufficio stampa Marcella Russo, gli incanti prodotti da una squadra di artisti – Vincenzo Marsiglia, Jasmine Pignatelli e Artan Shalsi – che hanno saputo armonizzare, con interventi intelligenti, l’arcaico all’attuale.
Le loro opere infatti, a suggerirlo è Paiato, «dialogano con i ruderi del borgo, con il logorio del tempo e con la surreale assenza della figura umana, per concorrere alla realizzazione di un percorso sperimentale, poetico e sicuro, in cui la ricerca artistica risponde in modo strutturale alle esigenze architettoniche di consolidamento del borgo».
Parole d’ordine di questo elegante progetto sono “ecologia”, “identità”, “contaminazione”, “arte”, “natura”, “architettura”, “cura”, o meglio “prendersi cura”, secondo l’accezione proposta da Platone nel Πολιτικός: esposizione in termini di un itinerario metaforico che si fa forma creativa mediante le forze urgenti dell’arte e dunque grazie al preciso lavoro di riqualificazione estetica. Qui, oggi, tra i silenzi di case che guardano e di strade che ricordano, possiamo incontrare Kaleidoscope di Vincenzo Marsiglia, A Broken Line di Jasmine Pignatelli e BN_L_AIFE_20_295 di Artan Shalsi, opere permanenti, segni di tecnologie taglienti che si stagliano nel paesaggio per convivere nel luogo e condividerne un nuovo destino.
«Il patrimonio di una città, di una regione, come di una intera nazione non è fatto solo di grandi monumenti, ma soprattutto dell’architettura dove si vive, si lavora, ci si incontra quotidianamente», si legge nel concept del progetto, «un progetto», ancora, «dove architettura e arte possano rendere attrattiva Buonanotte per future esperienze turistico-culturali, collocandosi in forma permanente nel percorso del Borgo».
In questo piccolo centro, tra la Maiella e il lago di Bomba, è oggi dunque possibile percepire qualcosa di nuovo: forse che il sogno dell’avanguardia, quello appunto di cambiare con l’arte la vita, si stia realizzando proprio a Buonanotte?
Un nulla ristretto
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deadline
08 Nov 2020
13.10.2020
Unable to hold their usual event, Chuncheon Puppet Festival are going online this year by holding a puppet film festival. The organisers seek creative puppetry/object films of no more than three minutes length, with applications open internationally. Deadline: 25 October 2020.
13.10.2020
The Austrian Cultural Forum London invites emerging photographers based in Austria and the UK to participate in a prize in tribute of the late Austrian émigré photographer Wolf Suschitzky. The theme for the competition is ‘Life in 2020’. One UK based photographer will be selected for a residency in Austria, and one Austria based photographer for a residency in the UK. Both residencies take place in 2021. Deadline: 30 November 2020.
13.10.2020
The Bauhaus Residency is aimed at international artists whose work relates to the historical disciplines represented at the Bauhaus and the subsequent developments of these core disciplines – among them painting, product design, textile design, music, theatre, performance, architecture and photography. The open call is aimed at artists working on their own or collectively (up to a maximum of 5 people). Of particular interest are works that engage and reflect on social contexts in novel ways as well as other approaches to modernity. Deadline: 30 October 2020.
13.10.2020
Ce programme s’adresse aux artistes et créateurs ainsi qu’aux collectifs d’artistes et de créateurs, français ou domiciliés en France depuis plus de 5 ans, qui souhaitent développer un projet de recherche à l’étranger, dans les pays de la liste et dans les disciplines proposées. Disciplines concernées pour la session 2021 : arts visuels – architecture - commissariat d’exposition –design. Date limite : 23 novembre 2020.
Submission Deadline: November 15, 2020
Entry Fee: $25; Alumni $15
Stipends: Fellowships: $5000 | Emerging Artist Scholarships
Eligibility: International; Artist-Parents are eligible
Categories: sculpture, land art, ceramics, contemporary craft, experimental sound/music, socially engaged art, multidisciplinary art, installation, and/or performance.
Location: Shafer, Minnesota, USA
When: April 7 – June 4, 2021; June 16 – Aug 20, 2021; Sept 8 – Nov 20, 2021
Total Fellows Accepted: 8 - 10
Total Emerging Artist Selected: 15
More info: [https:]]
Apply: [https:]]
ABOUT FRANCONIA
Located 45 miles from Minneapolis/St. Paul in the scenic St. Croix River Valley, the traditional lands of the Wahpekute people, Franconia Sculpture Park (FSP) operates a 43-acre outdoor museum, an artist-in-residence work-exchange program, robust public programming, and expansive educational initiatives.
FSP is a cultural anchor to the Twin Cities with a national reach into contemporary art communities and over 150,000 annual visitors. The program and facilities promote a collaborative community, foster new work and intellectual exchange, offer exhibition and presentation opportunities, and provide artists with exposure to the Twin Cities. We encourage experimentation and knowledge-building--whether artists seek to redefine process, reflect social and cultural contexts of our time, or push conceptual or material boundaries.
Franconia provides an inclusive communal residency experience where selected artists live on-site at our 4500 sq.ft. farmhouse. Our facility includes nine private bedrooms, 2.5 shared bathrooms, two kitchens, and common spaces for building lasting connections among peers. We provide food, laundry facilities, utilities, and WIFI for artist use.
Franconia's work facilities include an outdoor 10,000 square-foot work pad and woodshop with dedicated equipment for sculptural fabrication; a shared flex space; a Skutt kiln; and access to public spaces at Franconia Commons; including a café, gift shop, and exhibition space. The picturesque rural setting and the chance to work along-side peers, mid-career artists, and visiting art curators create a dynamic setting for critical, technical, and professional growth within a collaborative exchange model.
Franconia’s 2021 theme is Authority, Visibility, and Public Space. Priority will be given to applicants who are encouraged to interpret this theme with regard to their project proposals.
Applications can be found at [https:]]
More info can be found at https://www.franconia.org/artist-opportunities/
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FELLOWSHIP RESIDENCY
The Franconia Fellowship Residency supports emerging, mid-career, and established artists, and is open to local, national, and internationally based artists. Fellows receive a $5000 stipend towards the creation and presentation of their work in the rotating outdoor exhibition at Franconia Sculpture Park for up to two years. We provide time, space, and resources for artists towards the development, production, and installation of their work. Fellows receive valuable professional development opportunities such as access to visiting curators; studio visits, field trips; public talks; workshops; receive production support from site managers upon request and pending availability; and the potential to revisit Franconia as an alumni member. Fellows choose to stay between three weeks and three months, dependent on approval. More about the Fellowship application at franconia.org/fellowship-application/
EMERGING ARTIST RESIDENCY
For 25 years, Franconia Sculpture Park has upheld a long-running work exchange model that equally cares for artists and organizational sustainability. While offering professional support and growth to emerging artists, reciprocally, the 43-acre sculpture park receives site and operational support with the help of Emerging Artist Residents. The program began with the park’s founding in 1996 and has grown to support nearly 1000 artists to date. Undergraduate and graduate students, as well as emerging artists, are invited to apply and the application is open to local, national, and internationally based artists.
Emerging Artist Residents have the opportunity to develop their artistic practice, receive mentorship from Fellowship artists-in-residence, receive production support from site managers upon request and pending availability; receive valuable professional development opportunities such as access to visiting curators; studio visits, field trips; public talks; workshops; and the potential to revisit Franconia as an alumni member. Selected Emerging Artists are invited to create a work of art to be included in the rotating outdoor exhibition at Franconia Sculpture Park for at least eight months. In exchange for housing, meals, and studio space, Emerging Artists commit to working for Franconia Sculpture Park from 830am to 1 pm, five days a week plus occasional events, up to 30 hours a week. Residencies last between two to three months dependent on schedule. More about the Emerging Artist Residency at franconia.org/project/emerging-artist-program/.
Scholarships for Emerging Artists are available dependent on funding.
PANELISTS
Asuka Hisa (Los Angeles) director of education and engagement, Institute for Contemporary Art Los Angeles; Alex Priest (Chicago) independent curator; Risa Puleo (Chicago) curator and Ph.D. candidate, Northwestern University; Joan Vordebruggen (Minneapolis) director of Hennepin Theatre District Engagement for Hennepin Theatre Trust. Panelist bios here.
Contact ellina@franconia.org with questions.
University of Applied Arts Vienna I Department of Site-Specific Art
The Department of Site-Specific Art at the University of Applied Arts Vienna offers an Info Day on October 22, 2020. Students show their works and...
''Rules of the Game': an introduction to task-based performance and art'
ECC Performance Art Upcoming Online Course:''Rules of the Game': an introduction to task-based performance and art' ...
Node Center for Curatorial Studies Berlin
COURSE DESCRIPTION: *This course offers University credits.Decolonial theory has gained much traction in the fields of art theory and curatorship...
Curating.org
Resisting Biennialisation: Making and Sustaining Art Platforms in the Digital AgeLecturer: Shwetal A. PatelCourse dates: 24 Oct, 2–6pm CEST(!!!) + 31...
