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28 Jan 2022
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28 Jan 2022
Paolo Cirio si occupa di sistemi mediatici, economici, e legali della società dell’informazione. Le sue opere integrano inchieste e attivismo attraverso fotografie, installazioni, video e arte pubblica. Cirio ha esposto in musei internazionali e ha vinto premi prestigiosi. I suoi progetti sono comparsi su centinaia di media e tiene regolarmente conferenze e workshop in università di tutto il mondo.
La mostra personale di Paolo Cirio Monitoring Control presenta opere che si focalizzano sulle tecnologie della società del controllo. Cirio affronta i temi della sorveglianza e della manipolazione sociale nell’era dell’intelligenza artificiale, dei social media, e dei big-data. Le sue opere rappresentano spesso la traduzione materiale delle sue azioni, atte a capovolgere e svelare i meccanismi e i pericoli insiti nelle nuove tecnologie. Cirio crea provocazioni artistiche che promuovono avanzamenti etici, legislativi e tecnologici al fine di un miglior uso e di una maggiore consapevolezza degli strumenti che governano ogni aspetto della nostra società e della nostra vita privata.
Presenti in mostra: Iris, studio per sovvertire l’identificazione biometrica dell’iride, tecnologia che permette di identificare le persone mediante la scansione dell’iride degli occhi attraverso un “hack” con lenti a contatto in modo da offuscare l’identificazione o eventualmente cambiare l’identità; un video che accompagna Aesthetics of Information Ethics, indagine su questioni etiche legate alle nuove tecnologie che più influenzano la società in ambiti politici, sociali e personali; Capture, serie di fotografie di oltre 4.000 volti di poliziotti francesi ricavati con il riconoscimento facciale ricostituite in un database online per mettere in guardia dai rischi delle nuove tecnologie di sorveglianza di massa anche a protezione della polizia; Attention, la serie di fotografie selezionate da Cirio con influencer di Instagram che promuovono prodotti controversi senza segnalarli come pubblicità per decostruire i sistemi di manipolazione degli influencer; Sociality, composizione di immagini con mille diagrammi di brevetti che illustrano la complessità e la portata delle tecnologie per la “programmazione” e il monitoraggio sociale; Street Ghosts, stampe di immagini di passanti visibili su Google Street View riposizionate negli stessi luoghi dove sono state catturate dal software, “vittime del conflitto tra aziende, governi, cittadini e algoritmi sull’uso, la protezione e la proprietà dei dati pubblici e privati”.
E ancora sulle etiche dell’informazione rispetto alla privacy anche Obscurity in difesa della privacy di persone che appaiono su foto segnaletiche di persone che hanno avuto problemi con la legge e magari ingiustamente danneggiati nella loro immagine se poi prosciolti dall’accusa e Overexposed , serie di immagini non autorizzate di alti funzionari dei servizi segreti statunitensi dell’NSA, della CIA e dell’FBI collegati alle rivelazioni di Edward Snowden, reperite da Cirio monitorando fotografie e selfie pubblicati su piattaforme pubbliche di Internet senza il controllo dei funzionari e riprodotte con la tecnica di street art “Stencil HD” inventata da Cirio, e disseminate sui muri di diverse città nel mondo.
Non mancano lavori sulla persecuzione e sulla polarizzazione politica attraverso i social media, come l’installazione audio di Persecuting US composta da una voce robotica che legge milioni di tweet archiviati da Cirio nel 2012, quattro anni prima che Trump facesse uso di questo mezzo di comunicazione proprio con tali strategie e fini politici. Non manca lo storico Face to Facebook realizzato con Alessandro Ludovico appropriandosi di un milione di profili Facebook e pubblicandone 250.000 su un sito di incontri costruito ad hoc e chiamato Lovely-Faces.com ordinando i profili attraverso l’intelligenza artificiale che ha analizzato le espressioni dei volti nelle foto, progetto pionieristico nell’uso dell’intelligenza artificiale nell’arte per riflettere sulla sorveglianza, la privacy e l’economia dei social media.
Paolo Cirio, Monitoring Control, Fondazione Modena Arti Visive, fino al 30 gennaio 2022immagini (tutte) Paolo Cirio, Monitoring Control, Palazzina Giardini, foto Paolo Guerzoni
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03 Feb 2022
FRAME cattura FORMATA organismi non terrestri che crescono in un mini-pianeta alieno privo di acqua, parte del progetto «Proto-Alien», laboratorio multidisciplinare tra astrologia, chimica e media art, che indaga da qualche anno l’adattabilità della materia ad ambienti extra-terrestri in assenza di equilibrio. I loro corpi soffici sono composti di sostanze organiche simili a quelle trovate nelle meteoriti e nelle comete. Si muovono con grande agilità e sono in grado di deformarsi e dividersi con molta facilità. Che sia in questa malleabilità della materia il segreto per adattarsi ad ambienti alieni? Abbiamo molto da riflettere anche per adattarci noi umani al cambiamento attuale del nostro pianeta.
Proto-Alien Project, FORMATA, 2020 – attuale Proto-Alien Project (team) – Juan M. Castro, Akihiro Kubota e Taro Toyota.
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01 Feb 2022
VIDEO POST rilancia I No Longer Write – Mochiji, installazione interattiva di h0nh1m (Chris Cheung), tributo a Wang Xizhi che, famoso per la sua abilità calligrafica, era abituato ad esercitarsi vicino ad uno stagno dove immergeva i pennelli per lavarli rendendolo letteralmente uno stagno inchiostro (Mochi). Il lavoro comprende una piattaforma dove i partecipanti possono esercitare la loro calligrafia e quindi nutrire l’intelligenza artificiale che contiene anche la memoria dei più importanti calligrafi cinesi dell’antichità, compreso Wang Xizhi, Dong Qichang, Rao Jie, Su Shi, Huang Tingjian, Wang Yangming come input per il deep learning. Lo stagno d’inchiostro imita il processo del machine learning che osserva, confronta e filtra gli input attraverso layers di immagine, testi per comporre una moderna edizione di “Mochiji”.
h0nh1m (Chris Cheung), 封筆 – 墨池記 I No Longer Write – Mochiji, 2019
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02 Mar 2022
Elena Giulia Abbiatici: Hai lavorato molto sull’hacking e sulle incursioni radiofoniche, quindi sulla interferenze e sovrapposizioni di suoni che creano una cacofonia sonora prossima al rumore. Queste azioni clandestine si inseriscono nel concetto di noise come rumorio di fondo costante nella pratica della disinformazione, della confusione comunicativa refrattaria alla chiarezza, quindi alla verità. Quanto possiamo parlare di rumore come pratica sociopolitica che procede, senza la preoccupazione di voltarsi indietro, verso una psicofollia collettiva, dovuta a fake news e sovraccarico informativo e processi in cui le posizioni politiche che si delineano sono sempre più polarizzanti?
Abinadi Meza: Sì, questa è una questione enorme – certamente il rumore può comportare disorientamento e persino violenza o dolore, ma penso che questo dipenda molto dalle specificità di temporalità e intensità. Penso che brevi raffiche di rumore tollerabile possano «resettare» il proprio corpo, la propria modalità cognitiva o neurale; possono mettere a fuoco il corpo e il mondo, riattivare e rivitalizzare le cose. Questo è probabilmente il motivo per cui le persone trovano piacevoli alcuni tipi di rumore come la musica noise, la musica drone, il thrash o lo speed metal, e altri le pacifiche macchine per il rumore bianco che aiutano a concentrarsi o a dormire. Il problema con il rumore involontario, l’inquinamento acustico, gli attacchi di rumore del mondo, è che non cessa mai, non c’è rilascio. Questo tipo di rumore persiste oltre i punti naturali di esaurimento. Quando faccio performance sonore dal vivo, dato che uso spesso elementi di rumore, a-tonalità, caos e suoni concreti, faccio molta attenzione al rilascio – quando rilascio la pressione o l’intensità, ciò permette al corpo di godere di ciò che lo ha appena attraversato, o che lo ha appena avvolto. Deve finire, anche se per ripartire.
Dal punto di vista politico, la radio clandestina e pirata comporta un altro tipo di rumore, come un intervento o un’ interruzione. Si tratta di rumore in un senso più metaforico, forse, come sovversione o ribellione contro una forza dominante; dirottare una narrazione dominante per introdurre qualcosa di diverso, per fratturare la coerenza dominante, per bucarla. Nel lavoro di cui hai scritto, Air Condition, ho visto le trasmissioni radiofoniche come una sorta di perforazione percettiva – volevo aprire una porta sonora tra le macrosoniche «invisibili» dello spazio urbano, ciò che ci circonda ma che la maggior parte di noi non sente, e i nostri spazi di ascolto personali, dove potremmo ascoltare la radio, nella nostra cucina, soggiorno, auto, ecc. Si trattava dell’aria, di come l’aria è piena di informazioni che non sempre percepiamo. COVID19 ci ha anche reso consapevoli dell’aria, e di ciò che la abita, visibile e non.
Cosa ha significato per te lavorare sull’hacking radiofonico a Baltimore, sotto un cielo pieno di interferenze visive e sonore? E che differenza hai incontrato e puoi raccontarci fra il paesaggio sonoro a Baltimore dove hai presentato Ghost Station e il paesaggio sonoro di Huston, Texas, dove hai presentato Air Condition?
Entrambe sono grandi metropoli urbane, e per coincidenza entrambe sono anche città portuali; l’umidità dell’aria amplifica effettivamente l’intensità dell’elettro-soundscape, perché c’è più «materiale» per trasportare le onde. Ma ad essere onesti la maggior parte di ciò che ho sentito nell’etere di queste città potrebbe essere chiamato trauma. Chiamate e risposte della polizia, dei vigili del fuoco e delle ambulanze – colpi d’arma da fuoco, furti denunciati, incendi, richieste d’aiuto mediche, stati d’emergenza o problemi. C’erano anche suoni strani e anomali – allarmi molto strani, bip, toni, ecc. Questo potrebbe avere a che fare con il tempo, la tecnologia di navigazione o radio-controllo, o altri elementi del nostro mondo elettromagnetico. Prima di iniziare questi interventi alla radio pirata, ho fatto un progetto chiamato [Silence.] a Dublino come artista in residenza al Museo irlandese di arte moderna.
Lì ho usato attrezzature bio-acustiche specializzate per scansionare le frequenze ultrasoniche della città, il paesaggio sonoro sopra la soglia dell’udito umano – il nostro silenzio. Ma questo mondo sonoro è abitato da molti esseri viventi, anche dai nostri familiari, come i cani. Mi dispiace per tutte queste creature perché abbiamo inquinato l’aria e il loro paesaggio sonoro, mentre noi rimaniamo beatamente inconsapevoli. Per esempio, usando questa apparecchiatura, ho potuto sentire i le macchine bancomat gridare e lamentarsi a blocchi di distanza… le porte dei negozi che si aprono automaticamente, i supermercati, ho potuto sentire i lampioni… abbiamo progettato tutto il nostro mondo costruito nel nostro privilegio, come il centro di questi mondi. Quindi naturalmente sono comodi per noi, ma l’altra vita ne soffre, temo. Così, quando ora vado in una città e comincio a scandire lo spazio delle onde elettromagnetiche, mi rendo conto che parte del suono è umano e parte non è umano – emesso dalle «cose» del nostro mondo costruito.
In Mere Pis: Lisbon hai lavorato sugli elementi residuali di una città, fra cui polvere e vibrazioni tettoniche… Di fatto l’inquinamento acustico è la parte residuale delle attività umane, ciò che rimane come scarto. Più semplicemente hai mai pensato di registrare il negativo di Mere Pis, ovvero lo spazio sonoro ripulito?
Mi piace quest’idea – ma come dici tu, il suono è una specie di residuo. Infatti il suono è il risultato del cambiamento – la stasi è silenziosa, ma il cambiamento «suona». Mere Pis è stato presentato alla terza Triennale di Architettura di Lisbona, ed è stato un altro tentativo da parte mia di esplorare ciò di cui abbiamo parlato – le dimensioni nascoste del nostro ambiente, la nostra atmosfera, volevo rivelare realtà che abitiamo ma che non sentiamo o percepiamo. Piuttosto che usare la radio ho usato strumenti meteorologici, sensori ambientali, ma era lo stesso impulso, mostrare la vitalità dell’invisibile. In realtà il mio titolo Mere Pis è un anagramma della parola Empires perché sono interessato a come le forme, invisibili o meno, plasmano e colonizzano il futuro. E gli Imperi hanno un rapporto travagliato con l’invisibile. La presenza dell’invisibile, lo spettrale, infesta la città, infesta il tempo e infesta l’Impero.
Al di là della rielaborazione estetica, in un’epoca di grande attenzione all’economia circolare, pensi si possa trasformare questi rumori di scarto in energia ulteriormente spendibile? Si potrebbe pensare in termini di economia del futuro? Chissà se esistono progetti che ci hanno provato…
Oh sì, certamente, diventiamo tecnici per un momento – il suono è onde di pressione, come risultato di una forza che agisce sulla stasi, interrompendo la stasi. Quindi sì, lo «spreco» del suono potrebbe essere sfruttato. Per esempio, nei microfoni piezoelettrici è l’azione fisica o meccanica che genera elettricità, e viene sonificata. Si attacca un pickup ad una chitarra di legno e l’azione fisica sullo strumento genera un segnale elettrico che viene inviato all’amplificatore come suono, ma quella piezoelettricità potrebbe essere usata in altri modi, e piccole correnti possono essere «riciclate» dal suono nell’aria. Se ti avvicini abbastanza al pickup della chitarra e gli urli contro, anche le tue onde vocali saranno elettrificate e sonorizzate, anche se con meno chiarezza della forza fisica sullo strumento. Ma mi piacerebbe vedere le onde sonore ambientali del nostro ambiente catturate e immagazzinate per l’uso, è solo energia, dopo tutto.
Il nostro cervello non regge più di 45 minuti di silenzio assoluto. Lo hanno stabilito gli esperti degli Orfield Laboratories, una società statunitense che si occupa di acustica dei luoghi (per esempio, per i teatri). Nella loro camera anecoica che assorbe il 99,99% dei suoni, nessuno è riuscito a resistere più di 45 minuti, disorientato dalla mancanza dei riferimenti sonori che in genere usiamo quando ci muoviamo, e angosciato da rumori quali il gorgoglio del proprio stomaco, il respiro, il battito cardiaco, che normalmente non si percepiscono. Tutti quei microsuoni del concerto 4’33’ di silenzio di John Cage, per intenderci, e le varie onde elettromagnetiche che attraversano la nostra realtà. Con una pratica attraversata dalla relazione e presenza delle onde radio, cosa rappresenta per te il concetto di silenzio assoluto?
Questo mi fa pensare a due cose – la prima è che la scansione del quadrante della radio è, per me, un atto di ricerca e di viaggio… mi aggiro attraverso campi di silenzio, rumore e segnale. Ma il silenzio è una zona necessaria nella ricerca, è più del silenzio, in qualche modo. Per quanto riguarda il silenzio assoluto, penso a un vuoto totale, a una stasi totale, che sembra la morte. L’ho sperimentato una volta a Roma, quando ho visitato le catacombe ebraiche di Vigna Randanini lungo la Via Appia Antica. Ero con un piccolo gruppo che aveva ottenuto un permesso speciale per entrare in questo spazio sotterraneo, uno spazio di morte. A un certo punto eravamo nel profondo delle gallerie e mi sono soffermato un po’ troppo a guardare un bellissimo e misterioso affresco di un pavone, e sono stato lasciato indietro dal gruppo e dalla guida. Uscii dalla camera, nel tunnel, nel buio assoluto e nel silenzio. Sapevo che il gruppo era più avanti, da qualche parte, ma i tunnel si diramavano in diverse direzioni come un labirinto, e un terrore animale mi attraversava. La profondità del complesso sotterraneo, la porosità dei tunnel di terra e mineralizzati che assorbono il suono… la presenza dei morti, era il silenzio totale. Anche se avessi gridato il suono non mi avrebbe aiutato, perché sarebbe stato annientato dal luogo stesso. In realtà – ironia della sorte – nel mio terrore, ero paralizzato sonicamente e non potevo gridare. Beh, oggi sono qui a parlare con voi, quindi alla fine ce l’ho fatta, chiaramente. Ma penso che non cercherò tanto presto il silenzio assoluto… sono innamorato del suono radioso della vitalità.
immagine di cover: Abinadi Meza, ritratto
Abinadi Meza (1977, Austin, Texas) è artista è film-maker. Nella sua pratica utilizza materiali effimeri come testo e suono per creare spazi trasformativi ed esplorare le relazioni riguardanti gli individui e il contesto sociale. Come giovane artista Meza ha studiato Butoh con maestri provenienti dal Giappone, dall’Europa e dal Sud America. In seguito ha conseguito un Bachelor of Arts presso la University of Northern Iowa, Cedar Falls (1999); un Master of Fine Arts presso la University of Minnesota, Minneapolis (2004); e un Master of Architecture presso SCI-Arc, il Southern California Institute of Architecture, Los Angeles (2009). I suoi lavori sono stati esposti in istituzioni di tutto il Nord America e in Europa. Tra queste: Institute of Contemporary Arts, Dunaújváros, Ungheria; FILE Festival, San Paolo, Brasile; MAXXI, Roma, Italia; Helicotrema Festival, Venezia, Italia; Walker Art Center, Minneapolis; Team Titanic, Berlino; Irish Museum of Modern Art, Dublino, Irlanda; Sonorities Festival, Belfast, Irlanda del Nord; FACT, Liverpool; La Casa Encendida, Madrid, Spagna; Minneapolis Institute of Arts; e Lisbon Architecture Triennale, Portogallo.
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Pattern ritmici e figurativi che si ripetono, si rincorrono, quasi all’infinito: quando musica e pittura incontrano la matematica.
La tecnica del phase shifting, intuizione fortuita di Steve Reich degli anni ’60, incontra all’Auditorium le ricerche artistiche di Richter e i suoi Patterns, e finisce che suono e immagine viaggiano all’unisono.
Ti siedi in platea, aspetti il buio e il silenzio in sala, e subito il riverbero, la ripetizione lineare delle note e quella loro sfasatura echeggiano: la sfasatura ritmica di due cellule musicali identiche che procedono a velocità diverse e che mutano gradualmente, induce una sensazione contraddittoria, uno strano divenire.
Ti concentri su quella struttura matematicamente determinata, applicata tanto alle melodie di Reich quanto, poi, ai colori di Richter. Il pittore divide, specchia e segmenta uno dei suoi dipinti astratti fino ad ottenere linee e figure che si animano sulle note di Reich, alle quali ammette di ispirarsi per realizzare i suoi Patterns.
Linee orizzontali che viaggiano e si fanno verticali, color accesi, texture che sembrano sciogliersi e ricomporsi in arazzi in movimento. La scientificità di Moving Picture sembra quasi una naturale derivazione del lavoro che Richter fa nel suo Atlas: un’analisi puntuale e matematica, la volontà di scandagliare meticolosamente la realtà per catalogarla. E allora scienza, matematica, suono e immagine convivono.
Ma mentre il defasaggio della melodia cammina, corre, echeggia nel corpo, le immagini appaiono ipnotiche. Un algoritmo visivo, destabilizzante, a tratti noioso, che non vuole essere traduzione visiva della partitura.
I pianoforti sostengono ritmicamente le linee melodiche dei fiati, degli archi e dei vibrafoni in Eight lines. Otto linee melodico-ritmiche divise in cinque sezioni: le pause di uno sono riempite dai suoni dell’altro, e tutto scorre in un continuum ritmico.
E ti perdi in questo fluire di colori, di figure e di suoni.
E ti lasci trasportare dal processo continuo.
Alessandra Gabriele
I testi e i video che raccontano ogni spettacolo sono il frutto del rapporto attivo che esso stabilisce con gli spettatori, alla ricerca dell’identità dello “spettatore emancipato”. Gli studenti dell’Accademia che hanno ideato il progetto, hanno tessuto una relazione con alcuni spettatori scelti presenti agli eventi, utilizzando la posta cartacea e elettronica. Successivamente hanno creato una traduzione dello spettacolo che prende forma dalle parole e dalle immagini suggerite dagli stessi spettatori. Chi è lo “spettatore emancipato”? Secondo Jacques Rancière, sei tu, siete voi, siamo noi, che con “le storie e le performance, possiamo cambiare qualcosa nel mondo nel quale viviamo. Materiali testuali e video di questo articolo sono stati realizzati in occasione del concerto per musiche e immagini Piano Phase (per pianoforti) / Eight Lines (per ensemble) / Reich/Richter (prima italiana, per ensemble e film di Gerhard Richter e Corinna Belz) che ha avuto luogo all’Auditorium Parco della Musica il 21.11.2021, nell’ambito del Romaeuropa Festival e come parte di AUDIENCE ON STAGE, quarta edizione di BACKSTAGE / ONSTAGE progetto editoriale multimediale realizzato con una partnership tra Accademia di Belle Arti di Roma, Romaeuropa Festival, e Arshake. Per l’edizione 2021, BACKSTAGE / ONSTAGE ha spostato lo sguardo sugli spettatori del Romaeuropa Festival, sul loro comportamento e sul loro modo di rapportarsi agli spettacoli, sulla loro attenzione e su ciò che in loro si produce. L’indagine si è svolta su un piano trasversale che ha attraversato i diversi generi di spettacoli del festival, dalla danza al teatro di prosa, alla musica. Ha scrutato gli ingressi, le hall e i corridoi dei teatri, le platee, i palchi, i cellulari, gli schermi degli eventi online, alla ricerca dello sguardo del cosiddetto spettatore emancipato, ovvero colui o colei che trova nel teatro un nuovo tipo di contatto e di vicinanza con gli altri, ma anche una nuova connessione con la propria esistenza attiva. Backstage / Onstage: progetto nato da una partnership tra Accademia di Belle Arti di Roma, Romaeuropa Festival e Arshake| Crediti 2021: Video: Walter Maiorino, Eleonora Mattozzi, Alessia Mutti, Francesca Paganelli, Eleonora Scarponi. Testi: Chiara Amici, Domiziana Febbi, Alessandra Gabriele, Martina Macchia, Alessia Mutti.
L'articolo AUDIENCE ON STAGE da Reich / Richter. REF21 proviene da Arshake.
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01 Mar 2022
Officina dell’Arte presenta “SYNTHESIS”, personale di Pietro M.kEE Bellantuono, a cura di Fabio Caccuri. La mostra, che resterà aperta sino al 9 febbraio 2022, apre la programmazione espositiva del MAUL! – il Castello Contemporaneo di Mola di Bari.
Classe ’87, l’artista molese inizia il suo percorso con il graffiti writing che influenza in modo evidente la sua pratica successiva, sia sul piano stilistico che attitudinale. Le sue produzioni si discostano progressivamente dal lettering andando a concentrarsi su elementi figurativi e forme vicine all’astrazione.
La prima mostra personale di Pietro M.kEE Bellantuono, ripercorre i vari passaggi frutto di una prassi personale attraverso i quali si è mossa la continua ricerca dell’artista in una sorta di riassunto espressivo.
“SYNTHESIS racconta l’evoluzione dei colori e delle forme data dall’istinto gestuale dell’artista, diventando elemento compositivo – spiega il curatore Fabio Caccuri – che ha portato Pietro M.kEE Bellantuono gradualmente dai graffiti alla pittura e alla scultura, grazie ad una costante sperimentazione e ricerca di elementi sempre più sintetici e personali e producendo così un segno assolutamente nuovo”.
Le lettere si disperdono con naturalezza nel colore e nella materia, le immagini diventano simbolo (e ricordo) del movimento che le ha prodotte, la verosimiglianza lascia spazio all’energia dell’atto di dipingere in sé, manifestandosi sotto forma di gesti e sensazioni.
immagini: (cover 1) Poster ufficiale SYNTHESIS. Mostra personale di Pietro M.kEE Bellantuono – MAUL! – Il Castello Contemporaneo di Mola di Bari; (2) Pietro M.kEE Bellantuono, «USERS» e «APP», 2022, MAUL!, Mola di Bari; (3) Pietro M.kEE Bellantuono, «SINTESI», installazione site specific, 2022, MAUL!, Mola di Bari; (4) Pietro M.kEE Bellantuono, «IMMAGINI DEL PROFILO», 2022, MAUL!, Mola di Bari;. Courtesy Officina dell’Arte – APS
Pietro M.kEE Bellantuono. “SYNTHESIS”, a cura di Fabio Caccuri, organizzata da Officina dell’Arte-APS
L'articolo “SYNTHESIS” al MAUL! proviene da Arshake.
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20 Jan 2022
FRAME rilancia Gentle Monster Art Project Redefinition of Eyewear ‘VR Google Glasses’ dell’artista Hiroto IKEUCHI, conosciuto in tutto il mondo per i suoi lavori che combinano cultura pop, tecnologia con la cultura Giapponese.
Hiroto IKEUCHI, Gentle Monster Art Project Redefinition of Eyewear ‘VR Google Glasses, 2021, image via
L'articolo FRAME > GENTLE MONSTER proviene da Arshake.
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04 Mar 2022
VIDEO POST rilancia il mini documentario di ‘Ventriloquist Ontology’ di Afroditi Psarra realizzato durante un mese di residenza presso iii (Instrument Inventors Initiative) in Olanda, indagine sul rapporto tra uomo e macchina attraverso l’incontro di una performer con tessuti intelligenti, nell’ottica di dover riconsiderare il mondo rivalutando entità non organiche e oggetti come elementi fondamentali con cui relazionarsi.
Afroditi Psarra, ‘Ventriloquist Ontology’ , 2021
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16 Feb 2022
Deadline: 31 January 2022
Call for entries
THE LUME Digital Art Program
We are now inviting artists to submit works for THE LUME 3000sqm digital art gallery.
Grande Experiences invites artists and collectives to pitch digital artworks for this year’s Digital Arts Program. This program aims to foster and celebrate the talent of established and emerging digital media artists, by providing a highly visible, powerful showcase on the world stage.
Each successful piece will be awarded financially and given an opportunity to showcase their original digital artworks. Selected artworks will be showcased inside several large-scale permanent digital art galleries around the world, known as THE LUMEs.
One of the first stops will be THE LUME Melbourne, a 3000 square metre, 11-metre-tall digital art gallery, which welcomes over 16,000 visitors each week. THE LUME Indianapolis will follow, with more sites to come.
As part of the Digital Arts Program 2022, there may be the opportunity for Grande Experiences’ NFT business to represent selected artists and facilitate the promotion and sale of NFT (Non-Fungible Token) digital artworks created as part of the Digital Arts Program.
For more information, visit [https:]]
—
Deadline: 25 May 2022
Call for entries
Keywords: Kloster/Cloister
Exhibition opens: 2022, 06,10
Exhibition closes 2022, 07, 24
Deadline for Submissions: 2022, 05, 25
No fee.
Exhibition Adress and submission Adress:
Klostergalerie Zehdenick
Am Kloster 1
D – 16792 Zehdenick
Germany
On june, 10th in Zehdenick will open a new museum about the 800 year old cloister. It became in the 16th Century protestant and most parts had been destroyed in the last centuries, so, there are only few ruins left.
We ask you for artworks for and aboout such an old cloister, which reflects your ideas, feelings, etc.
NO pornography or cruelity please! It will be a kidfriendly exhibition!
Curator: Dr. Christian Spunk Seipel
Any technique/ Any material
Maximum submission 2
Maximum dimension
105 x 148 mm / 4.1 x 5.8″ inches
An online documentation will be published.
The Artworks will not given back. They will be part oft he archive of the town Zehdenick.
klosterscheunezehdenick@gmail.com
[www.klosterscheune-zehdenick.de]
[https:]]
Kisito Assangni: La pratica curatoriale genera conoscenza?
Mario Casanova: Da un po’ di tempo attribuiamo al «fare arte», alla pratica curatoriale o anche al collezionismo artistico un significato politico, così come assegnamo all’arte in generale un’importanza e una responsabilità sociale o civile. E ogni atto, investire in arte o trarne un guadagno, rivela una convinzione politica. È chiaro quindi che dietro l’impegno curatoriale c’è una conoscenza profonda che si trasmette agli spettatori o agli studenti, nel bene e nel male. Penso che al giorno d’oggi sia più facile tendere al male che al bene, perché la nostra società non ha vissuto le esperienze terribili come le guerre, la schiavitù e le dittature che hanno segnato il passato.
Per quanto riguarda i musei, sempre più assoggettati a una gestione politica, negli ultimi decenni le istituzioni culturali sono di fatto diventate il luogo dove si decide cosa va bene e cosa no. Fondamentalmente la politica e il denaro hanno trasformato queste enormi cattedrali della cultura da luoghi di contemplazione a terreni che alimentano le radici del mercato e di altri interessi economici. In realtà sappiamo che l’arte significa conservazione della coscienza storica, dialogo e dialettica, perché è una piattaforma che permette di leggere e interpretare meglio il passato e imparare da esso al fine di costruire un futuro migliore per le prossime generazioni. È un peccato scoprire e constatare come l’estetica del denaro abbia plasmato anche i musei e il mondo dell’arte, in cui gli artisti non vengono più presi in considerazione per le proprie qualità o capacità, ma all’interno di un grande cocktail di potere politico detenuto da gruppi, dalla moda e dagli investimenti finanziari che hanno lentamente trasformato l’istituzione culturale in commercio museale, una sorta di nuovo ramo del mercato o, peggio ancora, una quota dello stesso.
In questo, i curatori hanno una grande responsabilità. Per le piccole gallerie, le situazioni clandestine o gli spazi indipendenti è probabile che il futuro sia sempre più drammatico. Una conoscenza esigua del passato, combinata e fusa con una scarsa visione del futuro, non aiuta a immaginare, a vivere e nemmeno a capire la verità dei giorni nostri, nascosta dietro la realtà virtuale. Tutte le istituzioni celano in qualche modo un potere fascista, e dietro i musei si nascondono molto spesso curatori debitamente incaricati dalla politica.
Questo accade in generale in tutti i campi, come nello sport, dove più soldi si investono, più corruzione e meno etica si trovano.
Esiste una verità universale nella pratica curatoriale o ciascuno ha la propria opinione personale?
Dare una risposta è piuttosto complicato, di questi tempi. Viviamo totalmente sbilanciati tra realtà e verità, soprattutto da quando i social network hanno dato il proprio forte contributo a separare questi due importanti concetti quasi filosofici. La realtà è ciò ci sta intorno, il modo in cui decidiamo di vivere, vestirci o nutrirci; rappresenta tutti i codici di comportamento che decidiamo di assumere per sentirci accettati e integrati nella società, per non venire disintegrati.
La verità è un’altra cosa. È un sentimento interiore, una filosofia di vita, qualcosa di più intimo e non detto. Mi verrebbe da rispondere che un’estetica globalizzata può aiutarci e spingerci a trovare le nostre radici perdute, un’alternativa assai positiva. Tuttavia, l’atteggiamento di un buon curatore resta un’opinione molto personale, ispirata dalle proprie visioni, che per i curatori di professione sono sempre state magnifiche e audaci.
Come affronti le questioni globali e trascendenti legate alla produzione artistica?
Il processo che sta lentamente conducendo la nostra società alla globalizzazione è iniziato molti anni fa, a partire dall’idea che l’economia, il commercio, le società aperte, la migrazione e le opinioni condivise sull’arte e la cultura, insieme a una nuova idea di economia, avrebbero trasformato il mondo intero in una splendida società mista, in cui le differenze non sarebbero più state considerate in maniera negativa.
Quindi, il risultato che abbiamo ottenuto all’interno di tutti questi campi è una sorta di apparente uguaglianza. Le arti sono tenute in grande considerazione proprio per la loro autenticità, che ovviamente è legata anche all’originalità e alle radici culturali, e questo forse sarà il prossimo passo verso una nuova ricerca. Allora perché cercare di livellare verso il basso le differenze, che sono il vero potenziale di ogni linguaggio, quando è importantissimo e vitale tornare al passato per conoscere le esperienze dei propri «avi»? La mia opinione potrà sembrare un po’ radicale, ma quando viaggio dal Medio Oriente all’estremo Nord sono attratto dalle opere d’arte eterogenee provenienti da una psico-geografia culturale specifica e altra, piuttosto che dai lavori che, da Tel Aviv a Copenaghen, si somigliano un po’ tutti: i limiti della democrazia stanno proprio nell’idea che ogni cosa debba essere uguale, il che è un falso clamoroso.
Tutti sappiamo perfettamente che la globalizzazione applica regole economiche che di fatto portano ad altre espressioni di disuguaglianza e rappresentano, in fin dei conti, un’altra forma di ingiustizia. Al giorno d’oggi, molto spesso l’integrazione è una sorta di Neocolonialismo, no?
Penso che ora sia più che mai necessario lottare contro l’apatia e l’inibizione, lavorando per evitare i fascismi politici. In realtà abbiamo bisogno di metterci alla ricerca di una riforma dell’esistenza umana e di trovarla, mentre assistiamo, o rischiamo di assistere, al tramonto della democrazia. La luce è sempre rinata dall’oscurità.
Quali pensi siano le gerarchie inerenti al lavoro curatoriale relativo a collezioni, archivi e opere d’arte contemporanea? C’è qualcosa di giusto o sbagliato nell’idea di una pratica curatoriale che abbia una prospettiva assolutamente pluralista?
Una volta esistevano collezionisti che acquistavano opere consapevoli di farlo per il bene dell’arte, della cultura e per il proprio personale piacere educativo, benché la Chiesa e qualche aristocrazia sostenessero le arti e la cultura per rafforzare il proprio potere. A causa dell’ascesa dell’idea di mercato e di marketing alla fine del XIX secolo, il perno centrale del collezionismo oggi è rappresentato dal mercato, dal denaro, dalla compravendita e dall’investimento finanziario: si acquista una certa quantità di opere di un particolare artista, per esempio, come forma investimento.Non è un caso che, dalla fine degli anni Ottanta, le banche consiglino ai propri clienti come e cosa acquistare, o che i collezionisti paghino consulenti che il più delle volte sono mercanti d’arte e non curatori o storici dell’arte.
Oggi è molto raro che i musei osino mettersi alla ricerca di novità artistiche: preferiscono lavorare con gallerie blasonate che trattano artisti importanti, sebbene le opere di questi non siano sempre dei capolavori. La logica del mercato dell’arte oggi supera la qualità di un artista, ma bisogna vendere. Se si smette di vendere, si perde l’interesse dei collezionisti e dei musei.
Inoltre, oggi esiste un vero e proprio commercio museale che sostituisce la cultura e lo studio, e che rompe la naturale catena professionale e didattica, dal vertice alla base della gerarchia. All’interno dei musei, i giovani storici dell’arte trovano meno opportunità di istruirsi alla storia attraverso la scrittura di testi e/o la pubblicazione di libri.
Tornando alla sua domanda, potremmo anche accogliere l’idea di una pratica curatoriale pluralistica, ma a tutti i livelli: per esempio, concentrandoci sull’arte come rappresentazione o tornando in qualche modo a una sorta di Wunderkammer in cui la cultura incarna e rappresenta un luogo di contemplazione mentale e fisica.
L’arte ci insegna che si può fare tutto, senza però che questo si trasformi in modo lento e inconscio in cultura dell’ignoranza.
In parole povere, ho notato che negli ultimi decenni i curatori e i programmi curatoriali sono scivolati sempre più nelle tendenze economiche e nella moda.
Prendi in considerazione i tuoi pregiudizi e limiti culturali? Ne sei consapevole? Se si come li gestisci all’interno della tua pratica curatoriale?
Vivo e lavoro in Svizzera, un paese molto piccolo ma molto centrale e internazionale in termini di museografia. Parliamo quattro lingue, abbiamo quattro tipi di cucina, quattro culture e quattro modi di pensare diversi. Poi la Svizzera ospita volentieri curatori e direttori di musei internazionali. In un certo senso non sento di avere pregiudizi di alcun tipo, perché lavorare con artisti svizzeri significa già collaborare con culture diverse. Per me e per altri colleghi è importante agire a livello internazionale, benché pensare al proprio territorio aiuti comunque. Molto spesso, lavorare sul luogo in cui si vive, anche se si tratta di un paesino piccolissimo, spinge a scoprire la dimensione di globalità insita nel locale, e a superare l’idea stereotipica che solo nelle grandi città possono accadere cose buone.
Dal punto di vista professionale, all’inizio sembra difficile mettere insieme star del calibro di Louise Bourgeois o di altri grandi artisti con artisti locali bravi e magari semisconosciuti, ma sono sicuro che le paure sono legate al fatto che uscire dal mainstream e dai suoi specifici comportamenti obbligatori rende il tutto molto interessante. Ogni tipo di interazione crea nuova energia, e siamo consapevoli che l’arte è soprattutto energia, anche prima di diventare opera.
Definire una tensione nella pratica curatoriale, descrivere i suoi attributi e il suo contesto, definire la tua relazione con gli archivi e le evidenze. Ma allora cosa resta da mostrare?
Quando si parla di esposizioni, in realtà si sta parlando di visualità. Penso che, nella nostra moderna società tecnologica, non ci siano limiti alle immagini, e che la pratica curatoriale sia tutto quello che tu citi nella tua domanda. Sono sempre più convinto che mettere nero su bianco il progetto per un’esposizione e realizzarlo non abbia molto a che fare con le immagini. L’organizzazione di un progetto dev’essere piena di significato, che deriva dalla capacità di abbinare le opere d’arte per sostenere le proprie idee. Selezionare le opere per una mostra a volte è più importante che scegliere gli artisti; per esempio, un anno fa ho iniziato a lavorare su una mostra dedicata alla Belle Époque e all’Art Nouveau, che avevo intenzione di realizzare nel 2023. L’idea sembrava di facile realizzazione, e il primo passo consisteva nel concentrarsi sulla Bellezza della Decadenza, o almeno così credevo. All’improvviso ho capito quanto fossero importanti i concetti di Bellezza e di Metafisica. Svolgendo ricerche su argomenti a cui la gente di solito non presta attenzione, ho percepito la Decadenza come risorsa ultima e fondamentale corrispondente all’ascesa del Nazionalsocialismo in Germania. Hitler distrusse prontamente tutte le idee di Bellezza legate al sogno di una società aperta, e quindi diede inizio alla pulizia sociale, culturale e razziale. La mia ricerca ha finito per includere molte analisi che i curatori di norma non contemplano, come per esempio la presenza vitale dell’ebraismo in Europa in quel periodo, e così via.
Leggere e interpretare la storia è un lavoro enorme e senza fine. Niente di ciò che è stato scritto rimane tale, la storia è sempre in movimento e si sviluppa come il magma.
Quali libri e mostre consigli?
Ci sono molte buone mostre da visitare e ottimi libri da leggere. In generale consiglierei di muoversi verso nuovi modi di concepire l’arte e la cultura, e verso temi più sperimentali, nonché di fare uno sforzo per concentrarsi sulla storia, così da capire il presente e immaginare il futuro. In un certo senso viviamo nell’epoca dei sistemi di gestione culturale, e molto spesso ci dimentichiamo di approfondire la cultura e l’arte, che resta la visione più bella della vita e l’obiettivo della cultura stessa.
Mario Casanova (Svizzera) è direttore del CACT, Centro d’Arte Contemporanea Ticino (Svizzera), che lui stesso ha fondato nel 1994, dopo diversi anni trascorsi a Londra. Da allora organizza mostre d’arte ed eventi culturali (conferenze, proiezioni video e tavole rotonde) principalmente nell’ambito dell’arte contemporanea (fotografia, video art, arte digitale, performance, ecc.), nella Svizzera italiana e all’estero. Nel 2009 ha fondato il MACT, Museo d’Arte Contemporanea Ticino.immagini: (cover 1) Daniel Tsal, «Conversation with the Body», 2018, MACT/CACT Arte Contemporanea Ticino. Courtesy Mario Casanova (2) Louise Bourgeois and TOMAK (rear), «Verleihung Der Narrenkappe», 2017, MACT/CACT Arte Contemporanea Ticino. Courtesy Mario Casanova (3) Mati Elmaliach, «Hshuma», 2019. Curated by Sharon Toval, MACT/CACT Arte Contemporanea Ticino. Courtesy Mario Casanova (4) Pier Giorgio De Pinto, «Corpus»,2010, MACT/CACT Arte Contemporanea Ticino. Courtesy Mario Casanova (5) Valter Luca Signorile, «Brut. Beyond the Outline», 2013, MACT/CACT Arte Contemporanea Ticino. Courtesy Mario Casanova
L’intervista a Mario Casanova è parte della ricerca di Kisito Assangni sulla pratica curatoriale: Dialoghi transitori con rinomati curatori che si interfacciano in maniera positiva con le pratiche artistiche grazie a un’assistenza non prevaricante e a metodi pedagogici alternativi, senza perdere di vista la cronopolitica e le esigenze contemporanee nel contesto di più ampi processi politici, culturali ed economici. In questo momento storico, oltre a sollevare alcune questioni epistemologiche sulla ridefinizione di ciò che è essenziale, questa serie di interviste rivelatrici cerca di riunire diversi approcci critici riguardanti la trasmissione internazionale del sapere e la pratica curatoriale transculturale e trans-disciplinare. (Kisito Assangni). Interviste precedenti: Kisito Assangni, Intervista a Nkule Mabaso, (Arshake, 09.11.2021) Kisito Assangni, Intervista a Lorella Scacco, (Arshake, 20.07.2021) Kisito Assangni, Kantuta Quirós & Aliocha Imhoff. Metodologia curatoriale come dialogo inter-epistemico (Arshake, 11.05.2021) Kisito Assangni, Intervista ad Adonay Bermúdez. Non c’è posto per le verità universali nella pratica curatoriale (Arshake, 08.06.2021)
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Deadline: 1 April 2022
Call for entries
Digi Art Award-2022
The Digi Art in worldwide is one of the most renowned platform for digital artists where artists, designer, creative etc. Visit feast their eyes on some of the best digital art pieces in world. An internationally established avenue, the Digi Art strives for building a mutual understanding amongst people through art and its beautiful language. Every year, Digi Art organize the “ANT-SANT Digital Art Prize” where several participants are called upon to show their masterpieces and build a personal network with other artists from different parts of the world.
2. Deadline: 1 April 2022 at 12:00 am
3. Dates & location of event context
4. Call – NATURE’S INFINITY
Our nature has lot variation which shows many infinitely in different sizes of infinite sets. Digital art world has allowed the creation of entirely new images that were very difficult to achieve using digital techniques. Submit your Digital painting, Digital art,Digital illustration, Digital Matte painting, and Concept art works, like Nature’s Infinity creations, on the edge of the dream, that delight the imagination.
ELIGIBILITY : The competition is open call to amateur and professional digital artists
5. entry fee – 10 $
6. Contact adresses: [https:]]
deadline
20 Jan 2022
Edda arriva dalla Germania, ma ha parenti in Italia. La intercetti appena arrivi in sala. Un sorriso smagliante, lo intuisci, però, solo dagli occhi. Scambi due chiacchiere. Un accento simpatico.
Intrepida ammiratrice della compagnia, ha aspettato che la situazione pandemica si calmasse per prendere un aereo per l’Italia.
Lo spettacolo inizia, Edda ride, ride tanto e ti concentri sulla sua risata coinvolgente, che va all’unisono con quella dei bambini.
Poi le risa si fanno più rade, si placano. In silenzio inizia il racconto della storia di Ruggero.
La narrazione si fa più triste e reale: e improvvisamente ti trovi sommersa dalle emozioni e ti concentri sulle tue di reazioni, sulla tua di commozione. La diversità di un bambino che “quando ti guardano e ti osservano, tu cerca di far ridere”.
Bianco su Bianco è il racconto per bambini non più bambini, è il racconto della fantasia di Ruggero e delle sue cicatrici, di sigarette spente dalla crudeltà paterna.
Ruggero, resistente come il cristallo.
Ruggero, forte come i temporali, quei temporali che lavano via tutto, e ti riempiono e ti abbracciano.
Ruggero che gioca ad inventare parole nuove e a scoprire il senso di quelle già esistenti.
Ruggero e gli spazi. Qui é pieno di spazi.
Gli spazi chiusi sono più belli di quelli aperti.
Ruggero e gli architetti: gli architetti parlano di spazi e progettano gli spazi. E le persone li illuminano negli angoli più impensabili.
E qui lo spazio non ha angoli. E qui lo spazio è pieno di luci.
Il racconto, a tratti triste e malinconico a tratti sognante ed onirico, è illuminato da una foresta di luci e accompagnato da una musica soave. E in questa foresta ti perdi e insegui le parole.
Così le emozioni si rincorrono, e la commozione si unisce al riso, alla meraviglia, allo stupore.
Le immagini della favola di Ruggero ed Elena vengono composte dal canto suadente, dai costumi essenziali e da mille lampadine.
Sulla scena due attori e un manichino in legno, e tante luci.
Bianco come la cipria del clown che non fa ridere. Come il colore dello spazio vuoto. Come il colore di un vestito da sposa.
Bianco come la luce del neon.
Una narrazione onirica, un sogno ad occhi aperti di una realtà possibile.
Immagini fantastiche, surreali. E un finale che finisce bene.
Alessandra Gabriele
I testi e i video che raccontano ogni spettacolo sono il frutto del rapporto attivo che esso stabilisce con gli spettatori, alla ricerca dell’identità dello “spettatore emancipato”. Gli studenti dell’Accademia che hanno ideato il progetto, hanno tessuto una relazione con alcuni spettatori scelti presenti agli eventi, utilizzando la posta cartacea e elettronica. Successivamente hanno creato una traduzione dello spettacolo che prende forma dalle parole e dalle immagini suggerite dagli stessi spettatori. Chi è lo “spettatore emancipato”? Secondo Jacques Rancière, sei tu, siete voi, siamo noi, che con “le storie e le performance, possiamo cambiare qualcosa nel mondo nel quale viviamo. Materiali testuali e video di questo articolo sono stati realizzati in occasione della performance Bianco su Bianco della Compagnia Finzi Pasca al Teatro VIttoria di Roma il 20 novembre, 2021, nell’ambito del Romaeuropa Festival e come parte di AUDIENCE ON STAGE, quarta edizione di BACKSTAGE / ONSTAGE progetto editoriale multimediale realizzato con una partnership tra Accademia di Belle Arti di Roma, Romaeuropa Festival, e Arshake. Per l’edizione 2021, BACKSTAGE / ONSTAGE ha spostato lo sguardo sugli spettatori del Romaeuropa Festival, sul loro comportamento e sul loro modo di rapportarsi agli spettacoli, sulla loro attenzione e su ciò che in loro si produce. L’indagine si è svolta su un piano trasversale che ha attraversato i diversi generi di spettacoli del festival, dalla danza al teatro di prosa, alla musica. Ha scrutato gli ingressi, le hall e i corridoi dei teatri, le platee, i palchi, i cellulari, gli schermi degli eventi online, alla ricerca dello sguardo del cosiddetto spettatore emancipato, ovvero colui o colei che trova nel teatro un nuovo tipo di contatto e di vicinanza con gli altri, ma anche una nuova connessione con la propria esistenza attiva. Backstage / Onstage: progetto nato da una partnership tra Accademia di Belle Arti di Roma, Romaeuropa Festival e Arshake| Crediti 2021: Video: Walter Maiorino, Eleonora Mattozzi, Alessia Mutti, Francesca Paganelli, Eleonora Scarponi. Testi: Chiara Amici, Domiziana Febbi, Alessandra Gabriele, Martina Macchia, Alessia Mutti.
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Deadline:
Call for entries
CALL FOR ARTISTS: LONDON CONTEMPORARY ART FAIR 2022
London | March 10 – April 01, 2022
Deadline: February 10, 2022
LONDON CONTEMPORARY is an international art fair that presents collective and solo projects by leading and emerging international artists. The 2022 edition will represent a forum for direct exchange of ideas and contacts between collectors, artists, photographers, designers and art professionals. The art fair features paintings, sculptures, photography art, installations, video art and live performance.
LONDON CONTEMPORARY ART FAIR 2022, organized by ITSLIQUID Group in collaboration with YMX Arts, will be held in London, at THE LINE Contemporary Art Space from March 10 to April 01, 2022.
LONDON CONTEMPORARY will provide artists and exhibitors with the unique opportunity to present their works to an international audience of professionals as curators, gallerists, collectors, editors and publishers who seek to acquire, publish and encourage the best contemporary art talents.
The participation includes the following services
– exhibition space dedicated to the artist’s works
– assisting with customs formalities, international shipping and local transport
– assisting in finding accommodation
– the design and the printing of invitation cards, posters
– the global and local press office, publicity, press, banners, totem, etc.
– the realization of the exhibition website and dedicated press release
– mounting and dismounting of the exhibition
– exhibitions opening ceremony
– a dedicated interview published on ITSLIQUID website and spread on our social networks
– providing services and drinks for small meetings at the exhibition places for guests
To take part in the selection, send your works’ submissions with a CV/biography, some still images (for video-art), links of videos/performances and pictures via e-mail to director@itsliquid.com.
LONDON CONTEMPORARY ART FAIR 2022 will analyze the relationship between body and space, and the hybridization between identities and cultural/physical/social/urban settings in contemporary time.
We invite artists, architects and designers to be inspired by the magical power of London, exploring the connection between desires, needs, fears through rituals that bring humankind to change, to transform and to evolve their inner world.
Deadline for applications is February 10, 2022 (11.59 PM of your local time)
deadline
25 Feb 2022
Un, due, tre…stai là! noto ai più come Un, due, tre…stella!
Un gioco che ti costringe all’immobilismo, che ti esclude se ti muove. Piccoli movimenti, naturali, spontanei, che ti portano all’eliminazione.
Parabola di uno spettacolo, quanto di un momento storico. Se ti muovi troppo sei fuori, fermo un giro, anche due. E allora devi cominciare da capo, o magari in maniera nuova.
È la sofferenza a rimanere inerti, statici, fermi: pratica innaturale, che costringe a ripensare le regole e le attività umane, l’organizzazione di un gruppo e la visione di uno spettacolo, negandone la funzione sociale e il consueto rito di condivisione.
Come trasformare la quarantena in opportunità? Come attribuire accezione positiva alla distanza?
Parte una chiamata collettiva su una piattaforma online, la visione distorta e sgranata dallo schermo di uno smartphone, per vivere insieme lo spettacolo.
È allora riviviamo insieme un passato prossimo, pare non passato: lo spettacolo come racconto di un presente distorto.
Appare necessario imparare dalle piante, vegetare: godere della luce, esperire i suoni, le ombre, e muoversi impercettibilmente. Resistere passivamente.
Il palco è silente, immobili i performer, assopiti in un letargo rigenerativo per preservare le energie.
È lo spettatore che si oppone a mantenere inalterata la scena, a destare i performer.
Tra l’inizio e la fine, un movimento di corpi, di luci. Il racconto della vita. La fotosintesi che trasforma la luce in nutrimento.
E la musica scandisce il trascorrere del tempo, il trasformarsi dei corpi e l’incedere delle azioni. Si scopre un pianoforte. Quasi un altro corpo che prende vita sulla scena.
I Lieder di Schubert eseguiti dal vivo incedono sincronicamente con la luce ed insieme scandiscono le azioni e il mutarsi della carne.
La vita che invade la scena fino all’ultimo momento, di cui lo spettatore, attivo e partecipe, ha scelto la musica che ne scandirà i tempi.
Manifesto cannibale: vince chi resiste. La sofferenza muscolare, il corpo che cede, il braccio che si muove.
Il gioco è finito: ti strucchi, cambi musica e ti congedi dal pubblico.
Alessandra Gabriele
I testi e i video che raccontano ogni spettacolo sono il frutto del rapporto attivo che esso stabilisce con gli spettatori, alla ricerca dell’identità dello “spettatore emancipato”. Gli studenti dell’Accademia che hanno ideato il progetto, hanno tessuto una relazione con alcuni spettatori scelti presenti agli eventi, utilizzando la posta cartacea e elettronica. Successivamente hanno creato una traduzione dello spettacolo che prende forma dalle parole e dalle immagini suggerite dagli stessi spettatori. Chi è lo “spettatore emancipato”? Secondo Jacques Rancière, sei tu, siete voi, siamo noi, che con “le storie e le performance, possiamo cambiare qualcosa nel mondo nel quale viviamo. Materiali testuali e video di questo articolo sono stati realizzati in occasione della performance Manifesto Cannibale di CollettivO CineticO al Teatro Vascello il 7 novembre 2021, nell’ambito del Romaeuropa Festival e come parte di AUDIENCE ON STAGE, quarta edizione di BACKSTAGE / ONSTAGE progetto editoriale multimediale realizzato con una partnership tra Accademia di Belle Arti di Roma, Romaeuropa Festival, e Arshake. Per l’edizione 2021, BACKSTAGE / ONSTAGE ha spostato lo sguardo sugli spettatori del Romaeuropa Festival, sul loro comportamento e sul loro modo di rapportarsi agli spettacoli, sulla loro attenzione e su ciò che in loro si produce. L’indagine si è svolta su un piano trasversale che ha attraversato i diversi generi di spettacoli del festival, dalla danza al teatro di prosa, alla musica. Ha scrutato gli ingressi, le hall e i corridoi dei teatri, le platee, i palchi, i cellulari, gli schermi degli eventi online, alla ricerca dello sguardo del cosiddetto spettatore emancipato, ovvero colui o colei che trova nel teatro un nuovo tipo di contatto e di vicinanza con gli altri, ma anche una nuova connessione con la propria esistenza attiva. Backstage / Onstage: progetto nato da una partnership tra Accademia di Belle Arti di Roma, Romaeuropa Festival e Arshake| Crediti 2021: Video: Walter Maiorino, Eleonora Mattozzi, Alessia Mutti, Francesca Paganelli, Eleonora Scarponi. Testi: Chiara Amici, Domiziana Febbi, Alessandra Gabriele, Martina Macchia, Alessia Mutti.
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Deadline: Feb. 4, 2022, 10:59pm PST
$30 Entry fee
Identity is gloriously multifaceted and built upon a complex spectrum of factors. The portrayal of who we are can focus on a single, significant aspect of our identity or can reflect an entire network of associations shaped by broader spheres of influence: connections to familial, social, ethnic, cultural or other groups; personal or family history; geographical, economic or social circumstances; political or spiritual belief systems; jobs, lifestyles or personal interests; and so much more.
When you look inward and ask, “Who am I?” or look outward to your community and ask, “Who are we?” what do you see? Cabrillo Gallery welcomes all interpretations of the theme of identity. We invite you to share your representation of who you are within the vast continuum of what it is to be human.
Open to US artists working in all media, including video
JUROR: Pauli Ochi, owner Ochi Projects LA and Ochi Gallery, Sun Valley, Idaho [https:]]
EXHIBITION: March 7–April 8, 2022
Three cash awards $350, $250, $150
To enter visit: [https:]]
WINTER 2022 OPEN FOR SUBMISSIONS — Innovate Grant awards (2) $550.00 grants each quarter, to one Visual Artist and one Photographer. In addition, (4) honorable mentions (2 in art and 2 in photo), will be featured and recognized on our website and join a growing community of vibrant and ...
Feral Neighbourhoods is a digital exhibition exploring the emergence of feral ecologies, either historical or present, in your local environments and neighbourhoods. Feral ecologies are ecological worlds that emerge from human infrastructure or activity, but which have developed and spread beyond human control, or the entanglement of human and non-human ...
For its second issue, Asphalte Magazine is looking for submissions that deal with the theme of FILM broadly defined. Hollis Frampton famously said that film is anything that can be "put in a projector that will modulate the emerging beam of light." Submissions may be fiction or nonfiction and in ...
The Newcomb Art Department offers a Master of Fine Arts degree in an intensive, interdisciplinary, two-year residency program that emphasizes close interaction with dedicated faculty and peers, and engagement with New Orleans’ unique cultural landscape. The graduate curriculum is focused on individual studio practice while also engaging students in cross-disciplinary ...
Locust Projects invites local, national, and international artists to apply for the opportunity to access the space and resources to create ambitious, large-scale new work in our 400 sq ft PROJECT ROOM. Proposals are reviewed by a rotating jury comprised of local, national and international artists that have previously exhibited ...
Prospect Art is looking for visual artists that require financial assistance to finish the production of new work. We are looking to support work by professional artists not currently enrolled in an undergraduate or graduate program. The New Work program provides a $500 mini-grant twice a year to an individual ...
Open call for book chapters for Vols 6-10 of the new Routledge short form book series, Algorithms and Society. Each volume, based on Routledge's Focus format, will have 4-5 chapters. The volumes planned for 2022 are:
• Algorithmic Ethics
• Decolonizing Data
• China’s Digital Civilization
• Information Disorder ...
The mission of the Roman J. Witt Residency Program is to support the production of new work in collaboration with the University of Michigan community. For the Stamps School community to witness and partake in the creation of a defined work from concept to completion is the centerpiece of the ...
Call for entries for the seventh edition of the International Video Art Festival Over the Real. The Festival presents the most significant lines of research emerged in recent years in the international audiovisual arts. Over The Real aims to create an opportunity for meeting and promotion for artists who work ...
Unrequited Leisure is an experimental, artist-run space in Nashville, TN.
We have a 75in 4K TV, Dolby 5.1 audio, and a small PC for running code based projects (HD).
For this call, we ask that artists submit projects to be viewed/experienced as single channel installations on existing equipment ...
Be part of our next Supporters Issue! We invite submissions of visual artworks which consider the notion of TOUCH: to be in contact with, to leave a trace, to alter, interfere with, or otherwise affect.
We will consider works which are made for or with the context of the digital ...
Do you need resources to develop a media arts project? Send us your proposal for a residency project at Ada X! You could be invited to participate in a 8 week production residency at Ada X between September 2022 and June 2023. This call is open to artists living in ...
LandEscape is launching a special Biennial Edition of “LandEscape Now!”, an open art event that will once again introduce nine artists in various fine arts disciplines, with the goal of discovering talented creatives from around the world and supporting their art activities.
The current edition aims to advance artistic ...
NEW WORK is a mini-grant program created to assist visual artists with the production of unique artwork. The program is offered through a biannual open call providing grants in July and January. The program is designed to support projects that don’t fit into the traditional commercial gallery system allowing artists ...
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Deadline. 30 January 2022
Call for entries
14th annual, Anything Goes, Everything Shows
2. Deadline Jan 30, 2022
3. Exhibits in the Flood Gallery Fine Art Center, Feb 1 through March 30, 2022
850 Blue Ridge Rd, Black Mountain NC
4. Anything Goes, Everything Shows, is just that, a mail art exhibition of un-censored
are sent to the Flood Gallery via postal services.
Entries should be sent to”
Anything Goes, Everything Shows
Attn. Carlos Steward
PO 9907
Asheville, NC 28815
5. entry fee–no
6. Contact: Carlos Steward, PO Box 9907, Asheville, NC 28815 828-273-3332
URL [www.floodgallery.org]
deadline
31 Jan 2022
Grand Palais Éphémère
A 2022 Edition of Very High Calibre and a Strong Commitment to the EnvironmentThe high-level 2022 selection reflects the growing momentum of this...
VIDEO POST rilancia STAR / KL, installazione di luce dell’architetto e artista Jun Ong che nel 2015 ( parte del festival di arte pubblica Urban Xchange a Butterworth), aveva incastonato una stella gigante all’interno della struttura in cemento di un edificio non finito. In questa nuova installazione realizzata per un palazzo conosciuto come Air Building, la stella esplode in multiple traiettorie di luce.
Jun Ong, STAR / KL | Fission, Fusion and Facets, 2021
Installazione temporanea e site -specific realizzata in collaborazione con il Cultural Economy Development Agency (CENDANA) come parte del programma Art in the City 2021.
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University of Michigan
Roman J. Witt Residency ApplicationThe Roman J. Witt Residency Program, developed with the support of alumna Penny W. Stamps and named in honor of...
Curating.org
Entering the Conversation: The Nuts and Bolts of Academic WritingLecturer: Stephanie CarwinCourse dates: 15 January + 22 January 2022, 2–6pm (CET)⮕...
deadline
28 Feb 2022
deadline
15 Feb 2022
deadline
01 Mar 2022
Residenze Digitali ha aperto una finestra di sperimentazione per artisti che hanno esteso le loro esperienze di teatro, danza, cinema, animazione all’ambiente digitale. Mara Oscar Cassiani ha attraversato questa esperienza dal suo habitat, quello della rete che da anni indaga nel modo in cui si manifesta e prende forma in un folklore digitale che vive nella contaminazione incrociata tra fisico e virtuale.
Il suo progetto prosegue La Fauna presentato inizialmente a Berlino (Vorspiele di Transmediale) in forma di studio, e i successivi La Fauna 2k20 , Roses e La Fauna 2k21 I am dancing in a Room presentati a Digitalive di Romaeuropa Festival (2020, 2021) in un rituale con musica e danza che ha coinvolto i performer nello spazio fisico e trasmesso sul web in un flusso visivo accompagnato da paesaggi alieni acquatici, stickers fluttuanti, render. Per il nuovo capitolo realizzato per Residenze Digitali la performance è stata riassorbita interamente nello spazio digitale per aprirsi da lì a diverse località, culture e vite in tutto mondo e nello stesso momento.
Questo capitolo di La Fauna è radicato nella solitudine internettiana, al continuo scroll down o surf dei social tra un utente e l’altro di fronte al proprio schermo», come lo descrive Mara Oscar Cassiani nell’intervista rilasciata per Pickwick prima che l’evento andasse in streaming.
In sintonia con le modalità di fruizione che guidano i social network come Tik Tok dove facendo scroll down è possibile entrare in tante rooms, il pubblico si è potuto affacciare nelle «stanze» di una serie di artisti che hanno aperto una finestra nelle loro vite in tempo reale.
Il 28 novembre 2021 alle ore 18.00 ci troviamo tutti online, pronti ad entrare nella performance live che sarebbe durata circa un’ora. Abbiamo scorso una pagina Tumblr e i suoi post prima di arrivare alla performance live, gesto preparatorio rituale per entrare nel mood emotivo di questo linguaggio visivo verticale.
Una prima stanza si è aperta su Taipei. L’una di notte. La webcam riprende Tseng Chih Wei mentre cammina con un’amica nella red zone e raccontano di questo quartiere molto particolare per i tanti clubbing e la vita libera e queer che lo caratterizzano e lo rendono importante per Taiwan.
Sempre a Taipei, nella stessa ora, Huang Ding Yun si rivolge a noi mentre prepara un hot pot gazpacho e ci parla del concetto di cura nella lingua cinese ma connesso in modo esteso alla nostra realtà.
Si passa a New York dove è ancora domenica mattina. Eugene Poogene, dopo una serata, si racconta mentre si veste prima di uscire per un appuntamento.
Segue Eric Tsai, sempre nella notte di Taipei, in un internet party, ci parla dell’importanza della forma fisica del suono nella comunicazione tra corpi, di come la sua componente fisica vada oltre i confini a noi noti.
Arriviamo in Italia, Diana Anselmo si collega alle sei del pomeriggio per comunicare con altre gestualità, scrittura e linguaggio dei segni, nel chiasso dei segnali sonori il suo messaggio, mescolato alle gestualità di rete di Eric e MOC, ci mostra un nuovo orizzonte della comunicazione.
Alle sette di sera Roland Gunst a Johannesburg suona il piano. Assistiamo a tutto questo in tempo reale.
La distanza geografica, ma anche culturale, si ritrova assieme in una simultaneità temporale che diventa anche vicinanza e lo fa attraverso il rito misurato nella regia di una artista wi-fi, come Mara Oscar Cassiani definisce la sua poetica.
Elevati al di sopra di ogni limite di confine geografico, culturale (tradizionale) anche i performer hanno trovato un contatto tra loro dalle loro finestre, o almeno così ci è sembrato essere dalla coreografia che la Cassiani ha streammato con grande consapevolezza nell’alternare e accostare una finestra all’altra di fronte ai nostri occhi di pubblico o di voyeurs.
L’aspetto voyeuristico è lo stesso di chi, in particolare negli anni dal 2005 -2007, quando YouTube nasceva e iniziava a diffondersi, navigando la rete curiosava negli sfondi di video amatoriali girati nelle proprie case, spesso nella propria stanza, ma anche nel bagno. Lo ha ricordato Valentina Tanni (storica dell’arte e autrice del saggio Memestetica) in una conversazione assieme a all’artista, Kamilia Kard (docente e artista) e Stefano Brilli (docente presso Urbino che ha anticipato la performance, talk che li vedeva in pigiama nelle proprie stanze e mandata in onda nelle ore serali due giorni prima della performance online ( sui">[https:] canali facebook del Teatro della Tosse), da stanza a stanza, e ha tirato gli utenti in ascolto dentro uno spazio comune, quello delle loro camere.
Con un rituale che attinge ad una conoscenza metabolizzata del folklore digitale Mara Oscar Cassiani ha aperto la sua stanza alla nostra e da qui ci ha trasportato in posti lontani, da stanza a stanza, da intimità ad intimità, da cultura a cultura. In una simultaneità di eventi ci ha posto sulla soglia di più spazi, dimensioni e umori colti nel loro essere.
Mara Oscar Cassiani, «I Am Dancing in a Room_La Fauna 2k21», Residenze Digitali, 28.11.2021 Progetto di e con Mara Oscar Cassiani, Diana Anselmo, Eric Tsai, Eugene Poogene, Huang Ding Yun, Tseng Chih Wei, Roland Gunst | brano d’apertura Santo, Arturo Camerlengo | con il supporto di mpa Marche Spettacolo, Fusolab 2.0, Super Bubble, Romaeuropa Festivalimmagini (tutte): Mara Oscar Cassiani, «I Am Dancing in a Room_La Fauna 2k21», Residenze Digitali, 28.11.2021, fermo immagine da performance streaming
Questa è una di sette restituzioni dei lavori presentati per Residenze Digitali realizzata nell’ambito di una Media Partnership tra Arshake e Residenze Digitali. I testi sono pillole di memoria delle sperimentazioni live, contaminazione tra performing arts e ambiente digitale ‘andate in scena’ per il pubblico online dal 22 al 28 novembre, 2021. Residenze Digitali è un progetto promosso dal Centro di Residenza della Toscana (Armunia – CapoTrave/Kilowatt), in partenariato con l’Associazione Marchigiana Attività Teatrali AMAT, la Cooperativa Anghiari Dance Hub, ATCL – Circuito Multidisciplinare del Lazio per Spazio Rossellini, il Centro di Residenza dell’ Emilia-Romagna (L’arboreto – Teatro Dimora di Mondaino, La Corte Ospitale di Rubiera), la Fondazione Luzzati Teatro della Tosse di Genova e ZONA K di Milano. Tutor di progetto – le studiose Laura Gemini, Anna Maria Monteverdi e Federica Patti. Articoli precedentemente pubblicati: Intervista a Luca Ricci, Arshake 19.11.2021 Dealing with Absence. Coreografia digitale di Margherita Landi e Agnese Lanza, Arshake 25.11.2021 Chiara Taviani, Whatever Happens in a Screen Stays in a Screen, Arshake 02.12.2021 Fuse* | Sal Rite, Arshake 11.12.2021 La finta Nonna, Arshake 16.12.2021 Olga legge i Critters, Arshake 27.12.2021 WOE-Wastage of Events, Arshake 30.12.2021
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WOE – Wastage of Events, performance digitale live realizzata da Giacomo Lilliù e Lapis Niger per Residenze Digitali, ha portato assieme teatro ed esperienza digitale in una scenografia video-ludica che si fa protagonista con la sovrapposizione di interventi vocali, scritti e pittorici realizzati in tempo reale.
Questa è la prima volta che Lilliù e Lapis Niger uniscono sulla scena le loro diverse professionalità sul palco digitale, quella del teatro (Giacomo Lilliù) e del disegnatore e dello scrittore (Lapis Niger). L’idea di WOE – Wastage of Events era incubata da tempo nello scambio tra i due artisti nell’intenzione di sperimentare una performance che si ispirasse all’approccio avanguardistico di The Cage, graphic novel di Martin Vaughn-James degli anni ‘70, unendo la sua tecnica del non-racconto per immagini con quella di disegnare in tempo reale in concerto già consolidata dal duo musicale Uochi Toki di cui Lapis Niger è appunto parte come NAPO.
Ci prepariamo al tour. Tutto ruota attorno al tema della memoria digitale, ai criteri di produzione e selezione dei dati, alle logiche di conservazione dei dati e della loro rielaborazione, alle capacità di capienza.
I dati sono generati, a volte gettati e recuperati, a volte dimenticati.
«Quanti dati, utili o inutili, vengono generati dall’uso quotidiano di un terminale? Quante stringhe di codice restano immagazzinate senza scopo? Quante sovrascrizioni può sopportare una memoria digitale prima di frammentarsi? E una memoria psichica?» Queste sono le domande che si pongo i due artisti, impiegate come «coordinate del tour attraverso luoghi poligonali in rovina».
La performance ha luogo su Twith, piattaforma di Amazon nata per consentire lo streaming di video-giochi, e si muove all’interno della realtà virtuale di WOE che si apre ad un paesaggio video-ludico desertico dove compaiono elementi di vita urbana così come rovine del mondo digitale, usb, poster di floppy, tutti cimeli destinati a futura memoria che appaiono già ‘antichi’.
Scenografia, elementi drammaturgici e performance pittorica generano in un percorso non necessariamente lineare e che comprende un insieme di suggestioni letterarie, cinematografiche, musicali e video-ludiche generate sul territorio comune di interessi dei due artisti.
Lapis Niger modifica il paesaggio sotto gli occhi degli utenti. La voce (di Lilliù) libera la narrazione che non trova corrispondenza immediata con tutto l’apparato scenografico fin quando la descrizione di file numerati che aprono il loro contenuti in suoni ed immagini non rendono via via più chiaro che il nostro tour è un viaggio nel paesaggio della memoria digitale, una memoria che stenta ad essere contenuta nella resistenza all’obsolescenza di una grande quantità di dati, molti anche inutili.
Sulla piattaforma Twitcher un ruolo importante è affidato agli interventi via chat che nella performance si trasformano in un vero e proprio gioco di contaminazione tra performer e utenti quando i due artisti improvvisano, selezionano alcuni commenti, li fanno loro, li recitano e li modificano con la voce.
La narrazione prosegue. L’ansia sale assieme al tono della voce narrante quando racconta del file corrotto e si calma quando si parla di «tregua» tra terminale e utente.
Il tour di (ir)realtà virtuale arriva alla fine.
Su Twitch le performance streaming sono disponibili sulla pagina per circa 30 giorni nella sezione di riepilogo. In ogni caso non abbiamo certezza di cosa rimarrà di tutto questo nella memoria digitale. Certamente alcune suggestioni sono arrivate a noi e già rimbalzate nella rete. Le riflessioni scatenate da questa gita tra le rovine digitali all’interno della sua memoria prosegue nelle funzioni stesse della piattaforma così come dal modo in cui Residenze Digitali ha deciso di trattare le performance, ovvero non lasciandole galleggiare online a seguire il live ma custodendone la documentazione nello spazio analogico esattamente come si fa con i ricordi delle rappresentazioni teatrali. E’ possibile che nuovi proseguimenti del tour di (ir)realtà virtuale li ritroveremo nelle rivisitazioni che i due artisti stanno già discutendo per una versione nello spazio fisico.
immagini (tutte) WOE – Wastage of Event, Residenze Digitali, fermo immagine dalla performance online il 26-27.11.2021 live su Twitch
Questa è una di sette restituzioni dei lavori presentati per Residenze Digitali realizzata nell’ambito di una Media Partnership tra Arshake e Residenze Digitali. I testi sono pillole di memoria delle sperimentazioni live, contaminazione tra performing arts e ambiente digitale ‘andate in scena’ per il pubblico online dal 22 al 28 novembre, 2021. Residenze Digitali è un progetto promosso dal Centro di Residenza della Toscana (Armunia – CapoTrave/Kilowatt), in partenariato con l’Associazione Marchigiana Attività Teatrali AMAT, la Cooperativa Anghiari Dance Hub, ATCL – Circuito Multidisciplinare del Lazio per Spazio Rossellini, il Centro di Residenza dell’ Emilia-Romagna (L’arboreto – Teatro Dimora di Mondaino, La Corte Ospitale di Rubiera), la Fondazione Luzzati Teatro della Tosse di Genova e ZONA K di Milano. Tutor di progetto – le studiose Laura Gemini, Anna Maria Monteverdi e Federica Patti. Articoli precedentemente pubblicati: Intervista a Luca Ricci, Arshake 19.11.2021 Dealing with Absence. Coreografia digitale di Margherita Landi e Agnese Lanza, Arshake 25.11.2021 Chiara Taviani, Whatever Happens in a Screen Stays in a Screen, Arshake 02.12.2021 Fuse* | Sal Rite, Arshake 11.12.2021 La finta Nonna, Arshake 16.12.2021 Olga legge i Critters, Arshake 27.12.2021
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31 Jan 2022
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28 Jan 2022
Olga legge i critters del collettivo Jan Voxel per Residenze Digitali ha portato alla luce dei riflettori una ricerca scientifica che ruota attorno alle polveri sottili veicolandola attraverso un programma radiofonico, ‘immaginato’ come racconto fantastico attorno ai critters, compresenze organiche e non organiche catturate in vetrini con gesto performativo durante 448 giorni nelle zone della Pianura Padana. La compresenza non è solo limitata ad organico e inorganico ma anche temporale – come spiega Cinzia Pietribiasi in uno degli approfondimenti che hanno accompagnato il progetto (consultabile sulla pagina facebook di Kilowatt Festival).
Sui vetrini si depositano infatti creature dell’immediato presente, quindi insetti, polline, presenze vegetali ma anche il residuo di idrocarburi che ci riporta a tempi geologici non umani. Le polveri sottili sono il soggetto di questo lavoro ma anche l’ecologia dove prendono forma, la contaminazione di queste con gli altri elementi e con l’uomo.
La lettura performativa dei critters è avvenuta su due piani, quello auditivo attraverso il programma radiofonico, in collaborazione con mikroradio, e visivo. Agli utenti è stato infatti chiesto di ascoltare il programma scorrendo le immagini dell’archivio pubblicate su un sito dedicato nei giorni della presentazione di Residenze Digitali. Alle immagini del contenuto dei vetrini si sono sovrapposte voci e fantasie che le hanno tradotte e re-interpretate.
La lettura dei critters è stata concepita come allenamento per l’immaginazione accompagnata da informazione scientifica che ha approfondito i temi con l’aiuto di professionisti come il fisico Marco Cervino, esperto di clima per il CNR di Bologna, uno dei primi interlocutori del progetto che, nella conversazione che ha preceduto la performance, ha spiegato con esattezza cosa siano le polveri sottili e i suoi effetti.
«A cosa serve immaginare?» – sentiamo dire durante il live radiofonico mentre scorriamo le immagini sul sito.
«A costruire rappresentazioni del mondo, di sé a moltiplicare scenari e alternative possibili, a fuggire dalla tirannia dell’adesso qui. A criticarla a rovesciarla, a pensare l’invisibile, a inventare l’altro, a scegliere tra molteplici direzioni a far emergere molteplici connessioni tra passato, presente e futuro a credere in ciò che non esiste e in ciò che esiste.
A costruire modelli, a riempire le lacune del pensiero razionale, a sperare…
L’immaginazione si coltiva, si nutre.. se ciò non avviene si atrofizza, si scoraggia…
Chi non allena l’immaginazione diventa vittima di chi controlla le immagini
L’immaginazione è politica».
Si alternano esercizi di immaginazione con riflessioni sul potere dell’immaginazione e dell’utopia.
«… Utopia significa sperimentare il caso, il fallimento…
Bisogna farsi personaggio dentro la narrazione, bisogna sospendere l’incredulità e agire di conseguenza. Bisogna credere che il racconto sia reale e annullare le barriere tra narrazione e vita. Fiction is action ecco l’utopia».
Questa è una delle modalità con le quali il collettivo Jan Voxel mette in relazione scienza e immaginazione contando sulla trans-disciplinarietà che caratterizza il gruppo con le diverse formazioni e competenze dei suoi componenti: Lorenzo Belardinelli (fisico e programmatore), Cinzia Pietribiasi (performer e regista teatrale), Lidia Zanelli (danzatrice e scenografa).
Olga legge i Critters è parte di The Critters Room, progetto concepito e realizzato tra il 2020 e il 2021. Con Residenze Digitali il progetto ha raggiunto un altro importante obiettivo. Oltre alla performance radiofonica, è stato completato l’archivio che ha raccolto e raccoglierà man mano tutte le immagini dei critters, correlato di dizionario,e di un blog e di una mappatura del network che cresce attorno al progetto concepita come opera generativa. L’archivio proietta il lavoro passato al futuro, pronto ad accogliere nuove immagini della vita invisibile che ci circonda, campionata con gesto performativo, e a generare consapevolezza.
Questa è una di sette restituzioni dei lavori presentati per Residenze Digitali realizzata nell’ambito di una Media Partnership tra Arshake e Residenze Digitali. I testi sono pillole di memoria delle sperimentazioni live, contaminazione tra performing arts e ambiente digitale ‘andate in scena’ per il pubblico online dal 22 al 28 novembre, 2021. Residenze Digitali è un progetto promosso dal Centro di Residenza della Toscana (Armunia – CapoTrave/Kilowatt), in partenariato con l’Associazione Marchigiana Attività Teatrali AMAT, la Cooperativa Anghiari Dance Hub, ATCL – Circuito Multidisciplinare del Lazio per Spazio Rossellini, il Centro di Residenza dell’ Emilia-Romagna (L’arboreto – Teatro Dimora di Mondaino, La Corte Ospitale di Rubiera), la Fondazione Luzzati Teatro della Tosse di Genova e ZONA K di Milano. Tutor di progetto – le studiose Laura Gemini, Anna Maria Monteverdi e Federica Patti. Articoli precedentemente pubblicati: Intervista a Luca Ricci, Arshake 19.11.2021 Dealing with Absence. Coreografia digitale di Margherita Landi e Agnese Lanza, Arshake 25.11.2021 Chiara Taviani, Whatever Happens in a Screen Stays in a Screen, Arshake 02.12.2021 Fuse* | Sal Rite, Arshake 11.12.2021 La finta Nonna, Arshake 16.12.2021
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VIDEO POST augura Buone Feste rilanciando il video che documenta Seeing Stars, progetto di Daan Roosegaarde e Unesco Olanda che rende nuovamente visibili le stelle attraverso un gesto performativo che coinvolge l’intera popolazione della città di Franeker, invitata a spegnere le luci nello stesso momento. Si tratta di un gesto proiettato a ripristinare la connessione con l’Universo, partendo dalle persone.
Daan Roosegaarde e Unesco Olanda, Seeing Stars, 2021
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16 Jan 2022
Ciò che rimane è solo un grande buio, ecco il segno lasciato dall’assenza: l’ombra, il vuoto, il ricordo di un trascorso, la forza di raccontare.
Tutto ciò che ci circonda, e soprattutto niente.
Se è davvero possibile uno spettacolo senza spettatori, è necessario che non ci siano neanche gli attori. Emerge così la presa di coscienza della responsabilità individuale che funziona perché viene lasciata al pubblico la possibilità di farla funzionare: Oreste dona al popolo la prima democrazia del mondo.
Ci viene chiesto di alzarci, di sbattere rumorosamente un piede, di ballare per quindici secondi per poi rimanere immobili. Ci viene chiesto di rappresentare, di sovvertire il nostro ruolo. È proprio allora che mi alzo, il mio vicino di posto mi incita a farlo. Mi ritrovo una voce narrante nelle orecchie che mi sussurra gentilmente, indirizzando prima i miei movimenti e solo dopo le mie parole. Le cuffie da cui veniva emanata quella dolcissima voce, che poi era la voce di Yup, erano terribilmente isolanti e accentuavano il mio senso di esclusione dal mondo reale.
Mi trovo a seguire nervosamente una linea bianca che culmina in un palchetto rialzato. Inizialmente non capisco, sbaglio posizione, mimo le parole senza riuscire a focalizzarmi sui significati troppo a lungo. I suoni trapassano i miei timpani ed escono sotto un’altra forma dalla mia bocca. Avviene il passaggio a qualcosa di altro, presupposto di qualsiasi cambiamento.
Improvvisamente non c’è più niente intorno a me. Si spengono tutte le luci tranne una, è un occhio di bue puntato violentemente sul mio viso, ed è forse l’unico momento di oscurità totale dello spettacolo. Posso ancora muovere gli occhi ma sembra non avere importanza, sono immersa in quello che José Saramago avrebbe chiamato un mare di latte, con l’unica differenza che è tutto nero.
Rovescio i miei occhi e mi separo dal visibile, sono cieca e allo stesso tempo osservo gli spettatori scomparire. Penso che non esistono se non posso vederli, provo a guardare oltre ma sembra non esserci nessuno.
Non ci sono neanche io, sono qualcun altro. Sono una stella cometa, accolgo dentro me l’incalcolabile caos del mondo che implode.
Martina Macchia
immagini (all): Rimini Protokoll, La Conferenza degli Assenti, Romaeuropa Festival 2021, foto: Sebastian Hoppe
I testi e i video che raccontano ogni spettacolo sono il frutto del rapporto attivo che esso stabilisce con gli spettatori, alla ricerca dell’identità dello “spettatore emancipato”. Gli studenti dell’Accademia che hanno ideato il progetto, hanno tessuto una relazione con alcuni spettatori scelti presenti agli eventi, utilizzando la posta cartacea e elettronica. Successivamente hanno creato una traduzione dello spettacolo che prende forma dalle parole e dalle immagini suggerite dagli stessi spettatori. Chi è lo “spettatore emancipato”? Secondo Jacques Rancière, sei tu, siete voi, siamo noi, che con “le storie e le performance, possiamo cambiare qualcosa nel mondo nel quale viviamo. Materiali testuali e video di questo articolo sono stati realizzati in occasione della Conferenza degli Assenti dei Rimini Protokol durante le prove generali il 2 novembre 2021 al Mattatoio di Roma ,nell’ambito del Romaeuropa Festival e come parte di AUDIENCE ON STAGE, quarta edizione di BACKSTAGE / ONSTAGE progetto editoriale multimediale realizzato con una partnership tra Accademia di Belle Arti di Roma, Romaeuropa Festival, e Arshake. Per l’edizione 2021, BACKSTAGE / ONSTAGE ha spostato lo sguardo sugli spettatori del Romaeuropa Festival, sul loro comportamento e sul loro modo di rapportarsi agli spettacoli, sulla loro attenzione e su ciò che in loro si produce. L’indagine si è svolta su un piano trasversale che ha attraversato i diversi generi di spettacoli del festival, dalla danza al teatro di prosa, alla musica. Ha scrutato gli ingressi, le hall e i corridoi dei teatri, le platee, i palchi, i cellulari, gli schermi degli eventi online, alla ricerca dello sguardo del cosiddetto spettatore emancipato, ovvero colui o colei che trova nel teatro un nuovo tipo di contatto e di vicinanza con gli altri, ma anche una nuova connessione con la propria esistenza attiva. Backstage / Onstage: progetto nato da una partnership tra Accademia di Belle Arti di Roma, Romaeuropa Festival e Arshake| Crediti 2021: Video: Walter Maiorino, Eleonora Mattozzi, Alessia Mutti, Francesca Paganelli, Eleonora Scarponi. Testi: Chiara Amici, Domiziana Febbi, Alessandra Gabriele, Martina Macchia, Alessia Mutti.
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31 Jan 2022
Open Call for Art: ALHAMDU | MUSLIM FUTURISM exhibition by @Mipsterz.
ALL artists are invited to contribute.
Full details at muslimfuturism.com/exhibition
on display physically and digitally from 2022-2024, modest honorarium for physical locations, sculptural work preferred,
ALHAMDU | MUSLIM FUTURISM* is an evolving experiential art exhibition created by MIPSTERZ that ...
CALL FOR SUBMISSIONS.
Deadline for Submissions: January 23rd 2022.
COSMIC RAYS DIGITAL is now accepting submissions for Virtual Reality (VR) Augmented Reality (AR) and Mixed Reality (MR) artworks; digitally generated projections; sound art; and immersive art for our upcoming exhibition and film festival.
COSMIC RAYS DIGITAL will select a broad ...
New Course - Guided residency program
Setting the course & rituals for your creative practice
Residency program for artists, performers and creative professionals
at Arteles Creative Center in Hämeenkyrö, Finland.
Program duration: 1 month periods in April / May 2022
Deadline for applications: 13th of January 2022
New Course is a guided ...
Autostrada Biennale
Autostrada Biennale presents the documentary film about its 3rd edition What If A Journey... and announces that Övül Ö. Durmuşoğlu and Joanna Warsza...
University of Applied Arts Vienna
The University of Applied Arts Vienna invites potential candidates to apply for the Artistic Research PhD Programme (PhD in Art). In addition to...
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14 Jan 2022
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09 Jan 2022
Oliver Laric, Untitled, 2021
Combinando l’interesse nei confronti dell’archeologia e delle forme artistiche del passato con le potenzialità della scansione e della stampa 3D, dell’immagine video e del web, Oliver Laric (Austria, 1981), produce opere capaci di far comunicare la sfera digitale con lo spazio fisico, in un incessante intreccio di prospettive e livelli di lettura. Che si tratti delle sue sculture in poliuretano o dei suoi video basati sulla manipolazione di found footage tratti dai canali di comunicazione di massa, Laric rivela la propria attenzione per la migrazione delle forme e delle immagini da contesti diversi, dal punto di vista cronologico, spaziale o semiologico. A essere analizzato è il percorso di produzione, consumo e fruizione del visivo nel mondo contemporaneo, che si dispiega in bilico tra le idee di unicità e di riproducibilità, di autorialità e di anonimato, di fisicità e di intangibilità. 
In Untitled 2021, un’infinita metamorfosi digitale indaga l’organico passaggio da una forma all’altra. Una liquida organicità abita il video in una sorta di brodo primordiale che attraversa la dimensione spazio-temporale per materializzarsi in forme sempre uniche, in un incessante dialogo tra natura e artificio, tra dato reale e surrealtà. “Rese in un grigio luminoso e increspato, le figure animate di Oliver Laric” – scrive Carson Chan – “sembrano catturate da un microscopio elettronico a scansione o fatte di stagno martellato.
Tagli nitidi e ritmati ci portano da un tableau all’altro. Una mantide religiosa gira la testa; un granchio si muove sullo schermo; mosche, vermi e uno sciame di creature simili a eucarioti; un riccio di mare, un’aragosta e un granchio a ferro di cavallo come trattenuti da un venditore di un mercato del pesce; un assortimento di funghi di varie specie. Tutto si muove a scatti vibranti come nelle animazioni in stop-motion o nei video time-lapse. C’è la sensazione che stiamo vedendo nascere qualcosa. Una massa bitorzoluta fa crescere la testa e gli arti per diventare un uomo in riposo. Un muso sporge da un grumo informe per diventare una rana. Una figura si evolve da una massa embrionale. Topologicamente, le creature marine, gli insetti, gli esseri umani e i funghi sono tutti sacchi o vasi, reti metalliche modellate in forme di vita.”
(dal comunicato stampa)
David Horvitz, How to Shoplift Books, display e performance, 2021
Le azioni artistiche di David Horvitz (US, 1974) sfruttano le specificità di diversi mezzi di comunicazione, canali di informazione e contesti relazionali, mettendone in luce le insite contraddizioni e le inedite potenzialità. I suoi lavori, che si presentano attraverso una varietà di media, dalla mail art alla performance, dalla fotografia all’installazione alle incursioni sul web, si basano sull’idea di movimento, distanza e migrazione. Essi mirano a collegare sfere diverse: il virtuale e il reale, il privato e il pubblico, il vici- no e il lontano, il passato e il futuro, il soggetto e l’altro. Spazio e tempo si espandono in più dimensioni, mostrando le maglie della loro relatività, ribellandosi ai sistemi di misurazione standardizzati per svelare nuove possibilità di esperienza.
Pubblicato a oggi in 27 lingue diverse l’iconico volume dell’artista How to Shoplift Books, è una guida agli 80 modi in cui si può rubare un libro ed è stato pubblicato per la prima volta in Serbo (nelle due versioni, cirillico e latino) in occasione del 58th October Salon. La pubblicazione era stata anche accompagnata da una lettura improvvisata e corale del libro nelle diverse lingue, in una Babele di voci, idiomi e culture. La continua traduzione del libro in diverse lingue è intesa dall’artista come una “traduzione culturale, in cui mi riferisco ai costumi locali, al folklore, alla cucina, ad abitudini, vacanze, e superstizioni…” L’azione viene ripetuta a Roma in questa occasione, grazie al supporto delle Accademie straniere di Roma, cui l’artista ha indirizzato una lettera di invito.
(dal comunicato stampa)
immagini (cover 1 – 3) Oliver Laric, «Untitled», Installation view, BASEMENT Roma 2021, foto: Roberto Apa (4-5) David Horvitz, How to Shoplift Books, Installation view, BASEMENT Roma 2021, foto: Roberto Apa
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FRAME cattura un’immagine tra le pagine di A.R.E – Augmented Reality Exhibition, un’edizione speciale ma anche una mostra con lavori generativi di 31 artisti internazionali che prendono vita dalle pagine del libro attraverso la realtà aumentata.
A.R.E – Augmented Reality Exhibition, 2021, image via Collaborazione tra Generative Hut, una piattaforma dedicata all’arte generativa e la casa editrice indipendente Vetro Editions.
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18 Jan 2022
VIDEO POST rilancia Alzaia(S), opera audiovisiva di Francesca Leoni e Davide Mastrangelo ispirata all’opera pittorica di Telemaco Signorini: “L’Alzaia del 1864”, e “52vids x Ibrida”, la selezione di opere audiovisive di videoarte, videoclip, estratti di film ed estratti di video performance realizzate da Ibrida con Exibart e pubblicate in una sezione dedicata di ExibartTV dove quest’opera video è stata appena pubblicata.
Francesca Leoni e Davide Mastrangelo, Alzaia(S), 2019, 4’11’’ Ideazione e regia: Francesca Leoni e Davide Mastrangelo | Performance: Francesca Leoni, Davide Mastrangelo, Aris Tsopanellis Direttore della Fotografia: Stefano de Pieri | Sound Design: Andrea Lepri| Make-Up: Alessandra Godino; Vfx: Bloomik; Produzione Vertov Project, Atrium. Courtesy of: Vertov Project. 52vids x Ibrida (collaborazione tra Ibrida Festival e Exibart TV)
L'articolo VIDEO POST > Alzaia(S) proviene da Arshake.
Il progetto si ispira ad Adam Mickiewicz (1798 – 1855), scrittore e poeta del Romanticismo polacco che combinava metafisica e matematica, ma anche un profeta che ha previsto tecnologie del futuro quali aerei, astronavi e molto altro. Puoi raccontarci di più del suo incontro con le opere di Mickiewicz e dell’impatto che ha avuto sul tuo lavoro?
Benché Mickiewicz sia senza dubbio uno scrittore multidimensionale con un ampio retaggio, nel mio progetto ho deciso di fare riferimento principalmente alle sue opere nel campo della futurologia, con una sfumatura di esoterismo. Ho focalizzato la mia attenzione soprattutto sulla sua opera monumentale e inedita, Historia przyszłości (La storia del futuro), le cui sette versioni successive furono distrutte dall’autore stesso: un romanzo che va dunque considerato un progetto complesso e aperto, dal carattere eterogeneo, che oscilla tra una visione utopica e anti-utopica del futuro. Sebbene l’autore abbia iniziato a lavorare al libro negli anni Venti dell’Ottocento (molti decenni prima di Jules Verne e Herbert George Welles), il lettore può avere l’impressione che i temi descritti siano più attuali oggi rispetto a due secoli fa.
Non intendo solo le descrizioni sorprendentemente accurate di invenzioni come le apparecchiature per la registrazione e la trasmissione di immagini e suoni, la rete ottica di trasferimento dati, il sistema di monitoraggio satellitare, l’architettura modulare e mobile o i veicoli per i viaggi interplanetari; per molti aspetti, La storia del futuro è anche una diagnosi geopolitica. In quest’opera possiamo trovare sia le descrizioni dei processi di globalizzazione stimolati dall’accelerazione delle comunicazioni e dalla congestione delle rotte commerciali, sia una previsione della rivalità geopolitica tra l’Occidente e la Cina. L’autore prevede altresì la democratizzazione delle società e l’accelerazione dei processi di emancipazione. Mickiewicz, che simpatizzava con le idee del socialismo, appare come un sostenitore della rivoluzione rappresentata dalla repubblica e finalizzata alla vera uguaglianza tra i cittadini. È significativo notare come abbia previsto il ruolo fondamentale che le donne avrebbero giocato nella politica mondiale e come, carico di speranza, abbia profetizzato l’ascesa del femminismo.
Testimone dell’enorme potenziale insito nello sviluppo dinamico della tecnologia, Mickiewicz è rimasto un realista per quanto riguarda le condizioni che afferiscono all’umanità e i limiti di questo processo. Ha previsto con ansia la crescita del consumismo, che avrebbe soppresso le manifestazioni della creatività individuale e tutti gli impulsi ideologici. Secondo lui, un problema altrettanto importante sarebbe stato rappresentato dall’atomizzazione e l’insensibilità sociale, che si sarebbero tradotte in un’inerzia sistemica.
Nel 1843, parlando agli studenti del Collège de France, Mickiewicz ha affermato il potere della scienza moderna, pur mettendo in guardia contro l’assolutizzazione delle «specialità» tecnologiche a scapito della riflessione etica olistica. Mickiewicz comprendeva inoltre che persino gli strumenti più avanzati non possono essere scissi dalle condizioni psicologiche di chi ne fa uso. Noi, nell’era dei processi dinamici che avvengono all’interno delle strutture dei mercati finanziari globali, comprendiamo ancora meglio questa relazione: sembra che a tenere insieme questo sistema matematico sia un elemento extra-razionale. La sua funzionalità o meno dipende da una fiducia cieca nel potere degli algoritmi o da una generale perdita di fiducia tra gli investitori, una «crisi di fede» cui consegue il crollo del mercato azionario.
Nel contesto dell’intreccio tra razionale e irrazionale, Mickiewicz chiedeva «quale spirito governerà il mondo», non necessariamente lo spiritus sanctus metafisico, ma piuttosto uno spiritus movens strettamente umano. In questo egli vedeva i pericoli legati all’uso regressivo del progresso scientifico, oggi di grande attualità: «gli arsenali non hanno un’opinione propria, gli arsenali vengono usati dal vincitore».
Tutti questi fili si intrecciano in una narrazione complessa e non scontata, soprattutto se teniamo conto delle idee che normalmente abbiamo sull’epoca romantica. Le tensioni che ho descritto poc’anzi trovano un’interessante traduzione nell’atteggiamento di Mickiewicz verso i numeri, una componente fondamentale della nostra realtà digitale. Da un lato, nella seconda versione di La storia del futuro, l’autore annuncia la fine dell’individualismo, associata all’introduzione del sistema numerico di registrazione della popolazione e alla sostituzione dei nomi con i numeri, «perché questi non esprimono nulla e, come tali, possono essere cambiati facilmente». Dall’altro, invece, lo stesso Mickiewicz, nelle sue opere, usava un codice matematico dalle tinte esoteriche, soprattutto in Gli avi; mi riferisco al famoso numero «44» su cui si sono interrogati molti ricercatori. Una delle interpretazioni, quella di Zdzisław Kępiński, è diventata la base dell’installazione che ho preparato.
Inscritto nella forma circolare di un ampio schermo, appare un quadrato a sua volta diviso in quadrati più piccoli, ciascuno corrispondente a una lettera (dell’antico alfabeto polacco) e a un numero. Di tanto in tanto, sulla parte superiore del quadrato, appaiono parole come Lud ( Popolo ), Lud Ludów (Popolo dei popoli), Odkupienie (Redenzione), tutte in lingua polacca. Quando una serie di linee collega le lettere che formano la parola, il quadrato scompare lasciando il posto alla geometria generata. Le parole scelte contengono qualche riferimento ad Adam Mickiewicz?
Sì, tutte le parole citate nel mio lavoro provengono dalle opere letterarie di Mickiewicz, compreso il titolo Sol Salutis (eccezionalmente in latino, lingua universale seppure arcaica), che ritroviamo nella poesia Ode alla gioventù: «Ave, alba di libertà, dietro di te il Sole della salvezza!».
È utile notare che il simbolismo solare metafisico permea tutta l’attività di Mickiewicz: è presente sia nelle sue opere letterarie che nei lavori scientifici. Un esempio è la sua «lezione parigina» inaugurale al Collège de France, durante la quale l’autore ha fatto riferimento ai risultati dei ricercatori polacchi Vitellio e Copernico per quanto riguarda il movimento e la luce del sole. Anche Juliusz Słowacki, il rivale di Mickiewicz, usava immagini ispirate al sole, scrivendo di «due Dei nei loro soli opposti». È in questo contesto che la data di lancio del progetto è stata stabilita a dicembre, il mese della nascita di Mickiewicz e del solstizio d’inverno, celebrato nell’antica Roma come Sol Invictus (Sole Invitto, in latino).
La struttura stessa della proiezione si basa sul concetto di Zdzisław Kępiński, storico dell’arte polacco, che nel suo libro Mickiewicz Hermetyczny (L’ermetico Mickiewicz) ha annunciato di aver decifrato il «codice» trovandone la fonte nella cosiddetta «matrice solare», un quadrato magico che collega i numeri alle lettere dell’alfabeto polacco. Secondo questa ipotesi, le singole parole e frasi leggibili sulla tavola matematica andrebbero tradotte in somme specifiche, un multiplo del numero 44. Solo in polacco è possibile decifrare la «profezia» scritta in questo modo, e da qui provengono le parole polacche presenti nella proiezione: si tratta, tra l’altro, di concetti filosofici e religiosi (ad esempio Spirito, Salvezza, Redenzione) e di nomi propri (ad esempio Asia, Polonia e Lituania, Mickiewicz). Nella mia opera, il polacco viene privato della sua familiarità e diventa una lingua ermetica che permette la codifica di significati nascosti.
Kępiński ha attribuito questa soluzione direttamente a Mickiewicz e lo ha dichiarato autore della «tavola solare» numerica. La logica della struttura non è del tutto chiara, e in alcune parti è stata corretta da Kępiński al fine di «accordare» questo strumento matematico, per citare le sue parole. Le analogie musicali utilizzate mi hanno dato l’idea di trattare il «quadrato di Mickiewicz» come uno spartito musicale e di integrare entrambi i linguaggi, alfabetico e numerico, con una terza componente, ossia una composizione sonora. Così l’immagine visualizzata sullo schermo è diventata il punto di partenza di un brano immersivo nato dalla collaborazione tra me e Przemysław Scheller, e grazie a cui la «componente logica» di Sol Salutis ha trovato la propria controparte nella dimensione «sensuale».
Il tuo lavoro è molto eclettico e sfaccettato, sia come artista che come curatore (non che le due cose si debbano per forza separare). A prima vista, sembra che ci sia una costante nella tua metodologia e nel tuo approccio, ovvero spostare i confini spaziali e temporali della percezione e di tutto ciò che ne deriva…
Se dovessi trovare una parola per descrivere in modo quanto più esaustivo le mie attività, probabilmente sceglierei «straniamento», una strategia che spinge i destinatari a guardare le cose note da una prospettiva completamente nuova. È un principio che funziona bene sia nelle mie pratiche di gonzo curating (basate sulla modifica della percezione di oggetti esistenti tramite la creazione di nuove narrazioni intorno ad essi), sia nelle narrazioni visive prive di personaggi e dialoghi (dove lo ‘sfondo’ della realtà diventa il ‘primo piano’) e anche all’interno delle attività nel campo dell’ «archeologia d’avanguardia»: viaggi nel passato scevri di nostalgia, intesi piuttosto a trovare dei «punti di osservazione» per studiare il presente. In questo contesto, devo ammettere che, sullo sfondo di vari progetti artistici, la più profonda esperienza di straniamento che io abbia vissuto negli ultimi anni è stata lo scoppio della pandemia.
Come sono cambiati lo spazio, il tempo e la visione negli ultimi due anni?
Il tempo della pandemia ci permette di osservare il processo di networking virtuale di un individuo unito al suo isolamento fisico. L’esistenza, durante il lockdown, assomiglia alla vita in una capsula, in un ecosistema chiuso (o che si chiude lentamente). Ciò che prima passava perlopiù inosservato, ora assume visibilità. Pensiamo con ansia alla parte interna del nostro corpo, dove avvengono processi che non comprendiamo. Osserviamo attentamente gli spazi tra di noi, li dividiamo in intervalli e analizziamo la composizione dell’aria che ci circonda, che d’improvviso è diventata un «oggetto» parametrizzabile. La crescente stanchezza che accompagna la trasmissione di immagini e suoni di bassa qualità si traduce in un interesse per la dimensione tattile, ma, al contempo, all’interno della nostra mente passiamo in rassegna con nervosismo i movimenti delle nostre dita, nel tentativo di spezzare il circolo infinito della trasmissione virale. La soggettivizzazione del concetto di tempo sta progredendo; oltre ai modelli classici (come la ruota del tempo o la linea del tempo), sperimentiamo un tempo individuale contorto, sempre più difficile da sincronizzare a livello collettivo. La sincronizzazione collettiva, invece, avviene a livello emotivo, catalizzando, tramite il Web, fiammate di rabbia che si esauriscono subito o la lenta costruzione di teorie del complotto. Pensiamo sempre più spesso all’utopia, la cui etimologia, in greco, significa «non luogo» (ou – non, topos – luogo). Oggi Internet appare come un «non luogo», un diagramma ipertestuale e in rapida mutazione della conoscenza umana, in cui viene incanalato senza soluzione di continuità un flusso costante di informazioni tramite narrazioni emotive e paranoiche.
In un’intervista con Marta Kudelska in occasione della mostra alla Fondazione Memmo nel 2017, hai detto di avere «l’impressione che oggi viviamo in un ambiente molto più calmo e razionale, e che la nostra epoca sia piuttosto stabile rispetto al selvaggio Medioevo». Cosa è cambiato da allora?
La citazione proposta era un commento ironico sul tema dell’ «immunità carnevalesca» che, oggi come nel Medioevo, permette pratiche artistiche e para-artistiche trasgressive (mi riferisco, per esempio, alle messe celebrate da animali, o ai flash mob in cui i partecipanti si lanciano cibo a vicenda). In questo modo, ho voluto minare l’immagine conservatrice della cultura «armoniosa» del Medioevo, sfruttandola per valutare l’arte «degenerata» dei giorni nostri. In questo contesto, paradossalmente, la cultura contemporanea mi sembrava molto più prudente e, in questo senso, stabile e razionale. Tra l’altro, l’epoca medievale ci fornisce anche molti altri spunti per fare dei paragoni: cito, per esempio, la questione dell’anonimato artistico e la proliferazione del plagio.
Se però, fatte le debite proporzioni, volessimo confrontare le condizioni di vita di oggi e di mille anni fa, la differenza principale riguarderebbe probabilmente il rapporto tra la percezione sensoriale (compreso il grado di esposizione alla violenza diretta) e la visione del mondo dominante, un paragone che potrebbe avere sia una funzione stabilizzante che destabilizzante. In parole povere, si tratta della relazione tra il materiale e il virtuale. Possiamo ipotizzare che, per una persona vissuta nel Medioevo, i disagi fisici potessero essere compensati da una narrazione onnicomprensiva dell’universo, stabile ma forse errata. Al giorno d’oggi, con la relativa stabilizzazione della nostra dimensione corporea, stiamo sperimentando una scomposizione sfrenata dell’immagine del mondo in cui viviamo, stimolata dalla “sconfitta della fertilità” informativa cui assistiamo nella sfera virtuale.
A proposito, nel linguaggio teologico medievale, esisteva il concetto di virtualis all’interno del concetto di vis (forza, potenza): un’entità formata da forze attive era virtuale, così come qualsiasi entità potenziale la cui esistenza non era accessibile a tutti. La virtualità tecnologica dei nostri giorni è strettamente connessa alla realtà accessibile ai sensi; l’invenzione di Internet sembra aver eliminato la tradizionale dicotomia reale-virtuale.
Sol Salutis (Il Sole della salvezza), il titolo dell’installazione, fa riferimento agli specchi di Archimede, che riflettono i «segni infuocati» della scrittura solare. Cosa o chi viene salvato?
Nella prima versione di La storia del futuro, gli specchi di Archimede che compongono il sistema di relè ottici fungono da soli artificiali che permettono la fusione del mondo attraverso la rete di informazioni. Di contro, nella settima e ultima versione del romanzo, Mickiewicz descrive una civiltà tagliata fuori dalle fonti di luce cosmica, internamente connessa, ma allo stesso tempo isolata dalla realtà nel suo insieme. Troviamo la descrizione di una città coperta da un tetto come una casa, e pavimentata come un appartamento, riscaldata e illuminata, libera dall’influenza degli elementi naturali. Questa immagine può essere considerata una versione distopica di progetti quali l’ecosistema chiuso Biosfera 2 o i concetti architettonici di Buckminster Fuller, che prevedono di coprire Manhattan con una cupola geodetica. Sebbene il confine tra interno ed esterno sia sfumato nella struttura descritta da Mickiewicz, allo stesso tempo si viene a formare un sistema chiuso, tagliato fuori dagli spazi cosmici. Il guscio della metropoli di Mickiewicz rende impossibile osservare i corpi celesti, privando l’umanità non solo di una specifica area di esperienze estetiche, ma anche, in senso filosofico, del contatto con l’idea di infinito. In questo contesto, l’immagine delle stelle e del Sole, la più luminosa di tutte, appare come metafora di un impulso trasgressivo in grado di salvare l’umanità dalla degenerazione. Il Sole, rappresentazione di un’idea astratta, può rappresentare per tutta l’umanità una «salvezza» simbolica dall’entropia onnipresente che consuma un circuito chiuso ermeticamente, privo di stimoli esterni.
Nel caso dell’installazione Sol Salutis, le configurazioni di lettere e numeri che appaiono sullo schermo formano concetti più o meno astratti: idee potenzialmente regolatrici, impulsi «salvifici» che permettono l’integrazione di eventi empirici in un tutto più grande. In quel frangente, siamo partecipi del mistero pitagorico: sulla base di semplici sequenze di numeri, lettere e suoni, nonché di figure geometriche elementari (cerchio, quadrato e triangolo), nasce una struttura semantica complessa che richiede la nostra interpretazione. Allo stesso tempo, forse penseremo di avere a che fare solo con il fenomeno dell’apofenia, con un miraggio, con la magia, che riempie il vuoto creato dall’incertezza. Il tentativo di cercare l’ordine nascosto nel quadrato solare ricorda infatti il processo arbitrario di divisione dello spazio cosmico in costellazioni, in cui riconosciamo forme presenti sul nostro pianeta.
Jakub Woynarowski, Sol Salutis: il linguaggio dei numeri, Pastificio Cerere, Roma, 06 – 18.12.2021 La mostra, organizzata dall’ Istituto Adam Mickiewicz in collaborazione con l’Istituto Polacco di Roma, in partnership con la Fondazione Pastificio Cerere e cofinanziata con i fondi del Ministero della Cultura e del Patrimonio Nazionale della Repubblica di Polonia.immagini: (cover 1) J.. Woynarowski, ritratto, ph: Justyna_Gryglewicz (2-8)Jakub Woynarowski, «Sol Salutis, the Language of Numbers», 2021, Pastificio Cerere, ph credits Carlo Romano
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24 Dec 2021
Anche il teatro trova il suo spazio performativo nel digitale, come in Into the Woods – La finta nonna, variante della storia di Cappuccetto Rosso, interpretata da Lorenzo Montanini, Simona Di Maio e Isabel Albertini per Residenze Digitali.
Nella rivisitazione adottata (appartenente alla cultura della regione Abruzzo), il lupo è un’Orchessa che ha mangiato la nonna e preso il suo posto, Cappuccetto Rosso è Anna, mandata dalla mamma a prendere il setaccio per la farina. Attraversa il bosco e dona delle ciambelle al fiume Giordano, per poterlo attraversare, e del pan coll’olio alla Porta Rastrello, per potervi passare. Se la cava da sola, scappa dall’Orca con le sue gambe, senza bisogno di cacciatori che vengano a salvarla, e viene aiutata e protetta dal fiume Giordano e dalla Porta Rastrello, grate per i doni ricevuti.
Sette puntate per sette giorni e indirizzate ai bambini, mettono in scena la fiaba rivisitata sperimentando con il «teatro di figura» e utilizzando i filmati a 360° lasciando gli utenti liberi di navigare lo spazio e di rivelare anche gli artisti all’opera nel retroscena. Guardando con gli occhiali VR gli oggetti diventano di grandi dimensioni.
Il lavoro nasce dall’incontro di tre artisti che intrecciano le loro professionalità. Isabella Albertini costruisce la scenografia e i personaggi con oggetti di riciclo, recupero di materiali poveri o cucito. Anna, la protagonista, è una bambola di pezza mossa con uno stuzzicadenti e il sentiero è fatto di fili di lana azzurra e verde. Simona di Maio porta l’esperienza di teatro con i bambini e Lorenzo Montanini il lavoro interdisciplinare tra teatro, video e performance.
immagini: (cover 1):Lorenzo Montanini, Simona Di Maio e Isabel Albertini, La finta nonna, Residenze Digitali 2021
Questa è una di sette restituzioni dei lavori presentati per Residenze Digitali realizzata nell’ambito di una Media Partnership tra Arshake e Residenze Digitali. I testi sono pillole di memoria delle sperimentazioni live, contaminazione tra performing arts e ambiente digitale ‘andate in scena’ per il pubblico online dal 22 al 28 novembre, 2021. Residenze Digitali è un progetto promosso dal Centro di Residenza della Toscana (Armunia – CapoTrave/Kilowatt), in partenariato con l’Associazione Marchigiana Attività Teatrali AMAT, la Cooperativa Anghiari Dance Hub, ATCL – Circuito Multidisciplinare del Lazio per Spazio Rossellini, il Centro di Residenza dell’ Emilia-Romagna (L’arboreto – Teatro Dimora di Mondaino, La Corte Ospitale di Rubiera), la Fondazione Luzzati Teatro della Tosse di Genova e ZONA K di Milano. Tutor di progetto – le studiose Laura Gemini, Anna Maria Monteverdi e Federica Patti. Articoli precedentemente pubblicati: Intervista a Luca Ricci, Arshake 19.11.2021 Dealing with Absence. Coreografia digitale di Margherita Landi e Agnese Lanza, Arshake 25.11.2021 Chiara Taviani, Whatever Happens in a Screen Stays in a Screen, Arshake 02.12.2021 Fuse* | Sal Rite, Arshake 11.12.2021
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30 Jan 2022
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20 Jan 2022
Che rumore fa il silenzio?
Quando il silenzio diventa familiare. Ti accorgi che in realtà non è silenzio. Il tuo orecchio si abitua, si sensibilizza e inizia a percepire rumori sempre meno distanti e ovattati. E il suono si fa meno lontano e il ritmo si fa incalzante.
È capitato a tutti di muoversi nel buio: una sensazione iniziale di fastidio, destabilizzante. La forza dell’abitudine, poi, dilata le pupille, e l’occhio si abitua alla mancanza e la luce quasi non serve più. Che colore ha il buio?
Larcen C di Papadopulos è una danza sinuosa e perpetua: un continuo moltiplicarsi di corpi, che si muovono fluidamente, quasi all’unisono. E la scena scorre, i movimenti si amplificano, e il buio si fa meno buio.
La natura che appare nella sua fragilità.
Mettere in scena la maestosità della natura logorata dall’azione umana è l’intenzione del coreografo. E lo fa prendendo in prestito il titolo alla geografia: Larcen C è una piattaforma glaciale lungo la costa orientale della penisola antartica, che impercettibilmente va verso la disintegrazione, verso la completa rottura e collasso, causa il continuo riscaldamento del pianeta.
L’azione umana è parafrasata dal ritmo sempre più incalzante della musica, martellante e ripetitivo fino all’ossessione.
I costumi, meravigliosi, sono fatti di tessuti eterei, setosi e lucidi che riflettono la luce, che vivono di luce, che lasciano scoperte piccole porzioni del corpo dei performer. L’avambraccio, il polpaccio e il ventre rosei appaiono, allora, gli unici punti di colore della scena. Il rosa della carne su uno sfondo nero, su tessuti scuri e cangianti testimoniano che la scena non è vuota, che lo spazio è abitato e che l’azione umana persegue.
La luce è ancora puntuale, tanto da incantare lo spettatore con affascinanti ombre cinesi: quasi ipnotizzato ti distrai dalla danza, dai corpi, dalla musica e inizi a seguire il gioco, la proiezione dei corpi sulle superfici, i movimenti deformati dalle cose lungo i lati della scena giù fino in platea.
Il bianco della luce e il nero della scena: sono i non colori a prevalere. Il buio inizia a farsi meno buio e il nero meno nero. Una luce quasi spaziale, appare sempre meno lontana e sempre più invadente. Gli stessi non colori e la stessa luce fredda di Kubrick in Odissea nello spazio: quasi a presagire la fine dello spettacolo.
La musica si fa meno monotona e ripetitiva, i movimenti assecondano il suono, e i corpi dei performer appaiono in controluce nella loro totalità.
Che rumore fa il silenzio? Che colore ha il buio?
Alessandra Gabriele
immagini (cover 1-3): Christos Papadopoulos, Larsen C, © Pinelopi Gerasimo for Onassis Stegi (4-5) immagini realizzate per AUDIENCE ON STAGE: Lettera allo spettatore emancipato per indagare con lui/lei i percorsi della sua immaginazione nel corso dello spettacolo.
I testi e i video che raccontano ogni spettacolo sono il frutto del rapporto attivo che esso stabilisce con gli spettatori, alla ricerca dell’identità dello “spettatore emancipato”. Gli studenti dell’Accademia che hanno ideato il progetto, hanno tessuto una relazione con alcuni spettatori scelti presenti agli eventi, utilizzando la posta cartacea e elettronica. Successivamente hanno creato una traduzione dello spettacolo che prende forma dalle parole e dalle immagini suggerite dagli stessi spettatori. Chi è lo “spettatore emancipato”? Secondo Jacques Rancière, sei tu, siete voi, siamo noi, che con “le storie e le performance, possiamo cambiare qualcosa nel mondo nel quale viviamo. Materiali testuali e video di questo articolo sono stati realizzati in occasione di Christos Papadopoulos, LARCEN C, 16 novembre 2021 andato in scena all’Auditorium Parco della Musica il 16 novembre 2021,nell’ambito del Romaeuropa Festival e come parte di AUDIENCE ON STAGE, quarta edizione di BACKSTAGE / ONSTAGE progetto editoriale multimediale realizzato con una partnership tra Accademia di Belle Arti di Roma, Romaeuropa Festival, e Arshake. Per l’edizione 2021, BACKSTAGE / ONSTAGE ha spostato lo sguardo sugli spettatori del Romaeuropa Festival, sul loro comportamento e sul loro modo di rapportarsi agli spettacoli, sulla loro attenzione e su ciò che in loro si produce. L’indagine si è svolta su un piano trasversale che ha attraversato i diversi generi di spettacoli del festival, dalla danza al teatro di prosa, alla musica. Ha scrutato gli ingressi, le hall e i corridoi dei teatri, le platee, i palchi, i cellulari, gli schermi degli eventi online, alla ricerca dello sguardo del cosiddetto spettatore emancipato, ovvero colui o colei che trova nel teatro un nuovo tipo di contatto e di vicinanza con gli altri, ma anche una nuova connessione con la propria esistenza attiva. Backstage / Onstage: progetto nato da una partnership tra Accademia di Belle Arti di Roma, Romaeuropa Festival e Arshake| Crediti 2021: Video: Walter Maiorino, Eleonora Mattozzi, Alessia Mutti, Francesca Paganelli, Eleonora Scarponi. Testi: Chiara Amici, Domiziana Febbi, Alessandra Gabriele, Martina Macchia, Alessia Mutti.L'articolo AUDIENCE ON STAGE da Larcen C al REF21 proviene da Arshake.
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01 Feb 2022
Antonio Della Guardia sviluppa un’indagine sui condizionamenti imposti dal lavoro contemporaneo sul corpo, sui processi cognitivi e sulle sfere più intime della nostra vita privata, rilevandone i segni e allo stesso tempo immaginando forme e strategie poetiche di emancipazione condivisa. Nel suo lavoro la celebrazione del corpo e della fatica del lavoratore, spesso inscritti in un’orgogliosa identità meridionale, trascendono i confini geografici divenendo simbolo di più ampie lotte e rivendicazioni transnazionali. La rilevazione attenta di dispositivi disciplinari raramente intelligibili, che l’artista filtra attraverso una costante riduzione delle forme, dà vita a un corpo di opere che si presentano al pubblico come piccole riserve di energia emancipatoria.
Questa tensione verso l’analisi del lavoro contemporaneo ha portato Della Guardia a rivolgere l’attenzione al complesso rapporto che esiste tra corpo, vista, processi cognitivi e lavoro digitale. È attraverso queste ricerche che avviene l’incontro con gli studi di William Horatio Bates (1860-1931), medico statunitense noto per aver elaborato un metodo di rieducazione della vista senza l’uso di occhiali. Se il metodo Bates è stato oggetto di feroci critiche da parte della comunità scientifica, che ne ha confutato l’effettiva validità terapeutica, la sua forte carica immaginifica lo ha trasformato in un oggetto di culto per studiosi non ortodossi della percezione, come Aldous Huxley che in suo omaggio pubblica L’arte di vedere (1942).
Il metodo Bates, quasi un detrito della ricerca scientifica del XX secolo, rappresenta per l’artista un repertorio di possibili pratiche performative, che egli preleva e trasfigura con libertà, cristallizzandole poi all’interno di dispositivi scultorei e installativi che dispone con precisione dentro lo spazio. Nell’incontro con il visitatore ciascuno di questi dispositivi si trasforma in uno strumento progettato per stimolare processi sopiti, tanto dello sguardo quanto dell’immaginazione.
Una mano in marmo rosa, sospesa all’altezza del mento, accoglie il visitatore come a ricordargli con gentilezza una postura più umana, con la testa sollevata e lo sguardo indirizzato verso le lunghe distanze. Degli occhiali-scultura in grado di interrompere il flusso della visione centrale invitano a esplorare la visione periferica, quasi a riappropriarsi di una funzione del corpo progressivamente dimenticata. Altri occhiali stavolta in carta copiativa, da indossare a occhi chiusi e comodamente sdraiati, permettono secondo l’artista di «copiare sul mondo i processi di immaginazione». Infine un grande drappo di velluto blu, avvolgendo il campo visivo, lascia scorgere esili disegni in filo d’oro che riproducono traiettorie dei voli di insetti e uccelli, un sottile gioco in cui la visione a occhi chiusi e la rappresentazione trasfigurata della realtà animale si scambiano vicendevolmente le parti.
Dall’unione fra questi e altri dispositivi risulta un ambiente, una libera palestra per l’immaginazione, che si è invitati a esperire in solitudine e con lentezza. Qui l’artista rinuncia alla rappresentazione del corpo, spesso ricorrente nel suo lavoro, lasciando il posto alla presenza viva del visitatore che temporeggia e si aggira nello spazio. Attraverso questo luogo dalla funzionalità paradossale Antonio Della Guardia tenta per un istante di dirottare le nostre energie cognitive, indicando la pausa e l’evasione quali tecniche culturali di sopravvivenza. Per un Prossimo Reale celebra la poesia della decelerazione, delle forme e dei gesti minimi, offrendo uno spazio per sperimentare le potenziali qualità rigenerative dei più semplici processi dell’immaginazione umana.
Vasco Forconi
Antonino della Guardia. Per un prossimo reale, a cura di Vasco Forconi, Pastificio Cerere, Roma, 22.09 – 18.12.2021immagini (tutte) Antonio Della Guardia, «Per un Prossimo Reale», 2021, panoramica dell’installazione, Fondazione Pastificio Cerere. Photo: Roberto Apa.
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05 Mar 2022
FRAME cattura Light Intersections II di Ian Strange, installazione di luce dove linee di luce entrano ed escono da un edificio dei sobborghi di Surry Hills tracciando linee prospettiche multiple per altrettante angolazioni dello sguardo.
Light Intersections II, Ian Strange, 2021, immagine via Light Intersections II è un’installazione site-specific commissionata dalla Città di Sidney come parte del programma di arte pubblica Art and About 2021
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VIDEO POST rilancia Dynamo, installazione dello Studio Daniel Canogar per il Padiglione Spagna all’EXPO 2020 di Dubai in collaborazione con il compositore Francisco López.
Studio Daniel Canogar, Dynamo, 2021 Padiglione Spagna, EXPO 2020 di Dubai
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Lo studio Fuse* ha incontrato il pubblico di «Residenze Digitali» per una meditazione online di circa un’ora. Si tratta di Sál («Anima» in islandese), terzo capitolo che chiude una trilogia di live media performances. Il primo, Ljós («Luce», 2014), trae ispirazione dall’atto di «venire alla luce» usando la metafora del sogno e del risveglio. Dökk («Buio», 2017), racconta la vita dalla nascita alla morte attraverso un percorso composto da dieci momenti (stanze) che rappresentano il mutamento della percezione della realtà nel corso dell’esistenza. In Sál la ricerca si concentra sull’esperienza della percezione quando portata al limite.
Entriamo nello spettacolo live online.
Dallo schermo visualizziamo una sala dove Roberto Ferrari, la persona che guiderà la meditazione in tempo reale, si prepara a concentrarsi e a farci concentrare. Due persone seguono la meditazione nello spazio fisico, ci danno le spalle, estendono in questo modo lo spazio a noi, ci invitano ad esserne parte. Siamo dietro di loro, la stanza che visualizziamo nello schermo diventa il prolungamento del nostro.
Rilassarsi liberare la mente, trovare un posto comodo, disconnettersi da altri dispositivi
Percepire il corpo, lasciar scorrere il respiro, liberare la mente, trovare un luogo tranquillo
Alla ricerca di se stessi del proprio mondo interiore.., rovesciare il nostro corpo, esteso nello schermo per farlo ritrovare nel contatto con se stessi.. ritrovare il calore, il respiro..
Fare un pausa.. trovare un contatto on lo spazio respingendolo con le mani.
Questa è la premessa, l’entrata nel progetto dello studio fuse* e nel loro spazio virtuale, tentativo estremo di ri-connessione con la mente e con il proprio Io ponendo lo schermo non come limite ma come tramite. Alcune domande sono state poste all’ingresso di questa esperienza online attraverso un form da compilare:
se dovessi associare una parola al concetto di anima, quale sarebbe?
Se dovessi associare una parola al concetto di morte, quale sarebbe?
Fra quanti anni saresti disposta a morire?
A meditazione conclusa è stato chiesto di inviare attraverso la webcam un disegno, un segno, che potesse esprimere la sensazione dell’esperienza. Questo il tramite di contatto al di qua e al di là dello schermo.
Nel mezzo di questa meditazione, che solo le esperienze individuali possono esprimere, la mente ha lasciato il corpo che in questo frangente è stato alternativamente sdraiato, seduto, sdraiato e ancora seduto; gli è stato chiesto di cercare un contatto con le mani nello spazio, attivando altre capacità percettive altrimenti assopite dall’ipnosi dello schermo.
Una grafica sovrapposta allo schermo e il sonoro hanno reso visibile a chi ha seguito la performance live online la risposta delle onde celebrali alla meditazione dei partecipanti in presenza, rilevate attraverso tecnologie di EEG (elettroencefalografia).
Ora la residenza è finita ma il lavoro prosegue in un approccio che riconosce lo studio nell’interconnessione di ricerche e progetti. A residenza conclusa, ci racconta Martina, i dati derivati dalle risposte degli utenti alla meditazione entreranno a far parte di un archivio online, una piattaforma che si inserirà nelle future performance live nello spazio in modalità ancora in divenire, parte di una ricerca che cerca il senso «nell’interconnessione di esperienze», e che con Residenze Digitali è riuscita a trovarlo appieno. Lo schermo si è trasformato in un tessuto connettore, veicolo attraverso cui portare l’esperienza percettiva individuale al proprio limite per intrecciarla in quella collettiva attraverso lo scambio di dati, quelli sonori (parte di una ricerca di sound analysis che lo studio fuse* coltiva da tempo) e quelli prodotti dagli utenti online.
Questa è una di sette restituzioni dei lavori presentati per Residenze Digitali realizzata nell’ambito di una Media Partnership tra Arshake e Residenze Digitali. I testi sono pillole di memoria delle sperimentazioni live, contaminazione tra performing arts e ambiente digitale ‘andate in scena’ per il pubblico online dal 22 al 28 novembre, 2021.
Residenze Digitali è un progetto promosso dal Centro di Residenza della Toscana (Armunia – CapoTrave/Kilowatt), in partenariato con l’Associazione Marchigiana Attività Teatrali AMAT, la Cooperativa Anghiari Dance Hub, ATCL – Circuito Multidisciplinare del Lazio per Spazio Rossellini, il Centro di Residenza dell’ Emilia-Romagna (L’arboreto – Teatro Dimora di Mondaino, La Corte Ospitale di Rubiera), la Fondazione Luzzati Teatro della Tosse di Genova e ZONA K di Milano. Tutor di progetto – le studiose Laura Gemini, Anna Maria Monteverdi e Federica Patti.
Articoli precedentemente pubblicati:
Intervista a Luca Ricci, Arshake 19.11.2021
Dealing with Absence. Coreografia digitale di Margherita Landi e Agnese Lanza, Arshake 25.11.2021
Chiara Taviani, Whatever Happens in a Screen Stays in a Screen, Arshake 02.12.2021
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Exhibition Opportunities
Deadline: Jan 15, 2022
Application fee: None
Hotam Press Gallery is calling for artists to submit artworks for our upcoming exhibition — The News Room. We are looking for works by artists that are made in the form of a newspaper. All submitted artworks will be included in the exhibition.
The News Room is now scheduled to open on January 29, 2022. Please note that after the exhibition, all the submitted works will be donated to our gallery’s library for public reference use. As an appreciation of the submission, each participant will receive a printed piece by Hotam Press.
If there are questions regarding the exhibition and the details, please email hotampress @ gmail.com
Deadline for submissions: January 15, 2022
Mailing Address:
Hotam Press Gallery
218-228 East 4th Ave.
Vancouver BC V5T 1G5
Canada
Please send work by postal service only, no couriers. One copy is sufficient for the exhibition. Extra copies will be given out to the visitors. Please make sure to include your mailing address.
deadline
02 Jan 2022
La galleria online Green Cube Gallery presenta THE STRUGGLE IS REAL, una serie di scontri digitali tra artisti curata dal collettivo CLUSTERDUCK e giocata negli spazi virtuali di Fondazione Spara – uno sparatutto online creato da Riccardo Rudi e Superinternet.
THE STRUGGLE IS REAL aspira ad essere una performance aperta e partecipativa sulla condizione fisica e mentale degli artisti digitali oggi. Uno spazio dove gli artisti sono invitati a condividere le loro frustrazioni sull’ipercompetitivo mondo dell’arte. Uno spazio per incontrarsi, scontrarsi, parlare, urlare e soprattutto cercare di sopravvivere.
Una selezione di 34 artisti digitali internazionali si affronterà in sette partite a eliminazione, della durata di 15 minuti e giocate nella splendida location di Fondazione Spara, una rivisitazione psichedelica 3D della Fondazione Prada a Milano. Le partite si svolgeranno come deathmatch tutti-contro-tutti in cui gli artisti saranno armati di fucili a munizioni infinite e di vite illimitate. Più l’artista ucciderà, più l’artista manterrà la pole position, aumentando le sue possibilità di vincere e ottenere il fantasmatico premio di 500€.
Il pubblico di tutto il mondo è invitato a partecipare e a sostenere il proprio artista preferito attraverso gli eventi in stream Twitch sul sito della Green Cube Gallery a partire dal 25 novembre – data delle prime due partite – fino al 16 dicembre, data della finale.
(dal comunicato stampa)
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deadline
31 Dec 2021
Al Palazzo delle Esposizioni di Roma, fino al 27 febbraio 2022, è in mostra Ti con Zero, a cura di Paola Bonani, Francesca Rachele Oppedisano e Laura Perrone, una rassegna di 30 artisti che con le loro opere collegano due ambiti così indispensabili l’un l’altro, eppure apparentemente opposti: l’arte e la scienza, l’eterno relativismo e l’analisi strutturale, il dato di fatto e il dato perverso. In essa una sezione è dedicata alla matematica, e in questa sezione, tra maestri storicizzati come Alighiero Boetti e Roman Opalka, spicca Narciss, opera di Christian Mio Loclair.
Una macchina celibe a tutti gli effetti: un computer collegato ad una telecamera è posto esattamente di fronte ad uno specchio e uno schermo si interfaccia con l’«altro da sé» – l’uomo – chiarendo ciò che il computer sta in qualche modo pensando. Narciss utilizza un algoritmo di intelligenza artificiale per analizzare se stesso. Attraverso la sua telecamera mobile osserva l’intreccio dei propri coefficienti elettronici dallo specchio. Un’applicazione Openframeworks cattura una serie di istantanee dal flusso corrente della telecamera e le salva ogni 500 millisecondi mentre l’algoritmo Google im2txt del Tensorflow Framework analizza le immagini trasmettendole ad un’unità di rappresentazione simbolica.
Questa macchina esiste esclusivamente in funzione della sua percezione, creando un autoritratto sintetico, attraverso frasi significative auto-generate che possiamo leggere sullo schermo: un vero e proprio flusso di coscienza artificiale.
Il fattore Narciso è un elemento non trascurabile quando si parla di nuove tecnologie. Lo introduce Marshall McLuhan nel suo Understanding Media. Un capitolo è intitolato proprio «Narciso come narcosi», riflettendo su come gli esseri umani siano affascinati da qualunque estensione di sé riprodotta in un diverso materiale (ogni nuova tecnologia). Ecco che allora la nuova tecnologia è sempre un’estensione (simulazione di se stessi in altri termini) e dunque anche un’amputazione (perdita di capacità soggettive demandate alla tecnologia). Gli uomini sono diventati ciò che contemplano, si legge ancora nel prezioso libro, idoli di se stessi tradotti in un’altra forma, esattamente come Narciso.
Quando a diventare l’idolo di sé stesso è però una macchina, i termini cambiano. L’ottusità iper-tecnologica degli algoritmi esplode, quando contempla sé stesso, in frasi psicotiche irrazionali e lontane da qualunque principio di realtà. Quando invece lo spettatore entra nel riflesso dello specchio, interferendo con la percezione dei coefficienti elettronici, il prodotto del «pensiero sintetico» cambia. Tra le frasi auto-generate dalla macchina troviamo: «i am a person taking a picture in a mirror», «i am a shadow of a person in the mirror», «i am a toaster», «i am a view of a clock tower in the dark», «i am a fire hydrant sitting on the side of a street», «i am a street light with a red light on it», «i am a mirror with a reflection on a men in it».
Quello che Narciss fa, in fondo, è semplicemente non capirsi, qualcosa che l’umano sa molto bene. Guarda le sue fattezze, e nel delirio, vaga con il «pensiero». Quando scorge l’umano, invece, lo riconosce, e diventa «umano» anche lui per un istante. Inoltre, quando riconosce e assorbe l’altro da sé, riconosce anche lo specchio che sta guardando (il medium) e solo in quel momento ha un lampo razionale ed incredibilmente reale. Narciss in quegli istanti «dice» di essere uno specchio, al pari di noi umani, che siamo computer, siamo smartphone, siamo libro, nel momento in cui ci rispecchiamo in essi nelle nostre amputazioni. E ancora, allo stesso modo in cui noi non possiamo che rifletterci negli occhi dell’altro per essere certi di esistere, anche Narciss si aggrappa all’altro per sfuggire al delirio autoreferenziale infinito della sua incomprensione.
Narciso ama se stesso con la stessa intensità con cui Narciss cerca di definirsi. L’umanità cerca di circoscriversi con parametri e sistemi di valori sempre diversi con la stessa efficacia che ha Narciss, quando crede di essere «la veduta di una torre dell’orologio nel buio». La semplificazione di noi stessi nel mezzo tecnologico ha lo stesso effetto che ha la figura umana nel campo visivo di Narciss. Quello che questa macchina riflette è così umano, seppur filtrato da un linguaggio algoritmico e sintetico, da creare quasi un impercettibile alone di empatia con l’organico, una comprensione perversa, un weird accennato, la percezione vitale del fallimento.
immagini (tutte): Christian Mio, Loclair,Narciss, 2018
Ti Con Zero, a cura di Paola Bonani, Francesca Rachele Oppedisano e Laura Perrone Palazzo delle Esposizioni, Roma, 12.10.2021 – 27.02.2022
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LABoral Centro de Arte
LABoral Centro de Arte y Creación Industrial begins selection of new Manager-DirectorFor the post of Manager-Director, LABoral is looking for a...
FRAME cattura LG60LX341C (After Hubble), il lavoro di Gillian Brett, giovane artista francese che ha dedicato la sua ricerca all’indagine della delicata e complessa relazione tra uomo e tecnologia.
Gillian Brett, LG60LX341C (After Hubble), 2020, immagine via
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VIDEO POST rilancia il video che documenta l’installazione immersiva Amnesia di Cristian Rizzuti con il compositore Julián Álvarez, concepita come una pittura performativa in cinque atti. Su una tela circolare, prende vita la memoria nel suo pulsare, nella sua vitalità, nella sua perdita e nella traccia che ne rimane.
Cristian Rizzuti con Julián Álvarez, AMNESIA [AV Generative laser projection on Chemical Paint Canvas], 2021 Materiali: custom software, sistema laser UV, pigmenti fosforescenti Progetto realizzato per Con.divisione Residenza 2021, Castello Angioino di Mola di Bari (Italy) Crediti: concept, visual, programming: Cristian Rizzuti | sound composition: Julián Álvarez | Video:
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BLOCKFREI, Association for Culture and Communication
OPEN CALLCURATORS' AGENDA: RESEARCH RESIDENCY, VIENNA 2022 / C'A: RR VIENNA 2022Are you currently realizing or planning to conduct an upcoming ...
a.pass advanced performance and scenography studies
a.pass (advanced performance and scenography studies) is an artistic and educational research environment that welcomes research practitioners, ...
Deadline: 31 January 2022
Call for entries
The Wake Up! Memorial – The 1 Minute Before 12 Memorial
will be adding in 2022 a new section dedicated to the “climate change now!” to be presented online, as well as in physical space via curated screenings.
Artists working with audio-visual media are invited to submit works in the field of film/video and sonic art
on the topic – “Climate Change! Now!” and preseving the natural environment on Earth for future generations..
As a term or catchword, “Climate Change” is ambivalent – it describes a process, development or state which can be reversible, as well as irreversible – reversible, this includes for an individual the option to take personally influence on one’s environment and prevent actively “the climate change” as an irreversible process or state – irreversible, it is too late to take any influence, and “climate change” means nothing else than the “Last Days” (of humanity, of the natural environment, the world as we know, etc). One has to accept the inevitable destiny. In its widest sense, “climate” can be understood as “environment”.
Short films/short videos may have a maximum duration of 10 minutes (exceptions possible) in many formats ranging from documentary via artvideo to experimental film.
The Wake Up! Memorial – [wake-up.engad.org]
is corporate part of the 7 Memorials for Humanity – [7mfh.a-virtual-memorial.org] .
– deadline: 31 January 2022
– no age limit
– no entry fee
– submissions by film/video makers and soundartists from all countries on the globe to be submitted exclusively online
– max 3 works can be sumitted for each category film/video or soundart
– wanted: single channel videos in mp4 – duration between 1 minute and 10 minutes (exceptions possible)
– creations using language and/or text other than English need English subtitles
– The full-length films/videos may be produced between 2011-2021. The submission of extracts is not accepted!!
– wanted: soundart (sonic art) in mp3 – max duration 10 minutes
– The video preview copy – mp4 – and the soundart piece – mp3 – have to be made available for download via WETRANSFER or from VIMEO or Youtube (link)
– only selected artists will be notified after the deadline and invited to send the HD copy of the selected video in best screening quality.
– The Wake Up! Memorial is looking for innovative and experimental approaches in dealing with contents and technology
Entry Form – please cut and paste
Please use for each piece to be submitted a new entry form
1.
artist/director
a) full name
b) full address
c) email, URL
d) short bio (max. 100 words, English only)
2.
please select
2.1 film/video
2.2. soundart
a) title English – original (max 3 works)
b) URL home page, (Internet address for download)
c) year of production
d) duration
e) work synopsis (max. 100 words/submission, English only)
f) 2 screenshots for each submitted work (jpg, HD 1920×1080 px)
Please add this declaration & sign it with your full name & email address
I, the submitter/author, declare to be the holder of all rights on the submitted work.
In case the work is selected, I give – until revoke – The Wake Up! Memorial the permission to include the work in the project context online and in physical space for screenings /exhibitions and the use of screenshots for non-commercial promotional purposes free of charge. Until revoke means, that the author can remove his work at any time. The work will be removed within 3 months.
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Please use for each submission a separate entry form
Please use this email address for submitting
artvideokoeln (at) gmail.com
and following subject line “Wake up!” – Climate Change! Now!
The New Museum of Networked Art
Alphabet Art Centre
[alphabet.nmartproject.net]
